Umberto Boccioni

   ELENA SÁNCHEZ GARCÍA

 Pintor y escultor italiano, figura clave del movimiento futurista italiano .Se inició en el divisionismo de la mano de Giacomo Balla. Después de pasar algún tiempo en París, Rusia, Padua y Venecia, se instaló definitivamente en Milán y se interesó por todo lo referente a la sociedad industrial moderna.

Influido por el simbolismo y por el expresionismo de Munch, y tras varios encuentros con Marinetti, Carrà y Russolo, la obra de Boccioni se desarrolló a partir de 1910 alrededor de dos conceptos clave: dinamismo y simultaneidad. Entre sus obras cabe destacar La ciudad que surge (1910) y La calle ante la casa (1911), pinturas que, aun siendo formalmente distintas, hacen referencia al mismo tema, la ciudad, que para los futuristas simbolizaba la modernidad, el movimiento y la velocidad.

La calle ante la casa (1911)

En cuanto a su actividad escultórica, que desarrolló paralelamente a la pictórica, fue pionero en el uso de nuevos materiales, como el cristal, el cemento o el hierro, así como en el aprovechamiento de la luz eléctrica. Falleció en Sorte (Verona) el 16 de agosto de 1916, durante la guerra europea (en la que se había alistado como voluntario), a causa de una caída de caballo.

Notable teórico además de pintor y escultor, Boccioni desarrolló conceptos clave para el desarrollo formal del futurismo como el de líneas-fuerza, simultaneidad,compenetración de planos y expansión de los cuerpos en la superficie. Conceptos todos ellos que reiteran una idea fundamental: la reciprocidad de relaciones entre los objetos y entre éstos y el ambiente que los circunda.

Pinturas como las ya citadas La ciudad que surge y La calle ante la casa son encarnaciones de un mismo tema: la ciudad como síntesis de un movimiento vibrante y luminoso. En ambas, el dinamismo está generado por una red de líneas de fuerza que estructuran la composición. La primera está conformada por una tupida red de pinceladas enérgicas, cuyos cambios direccionales enfatizan la sensación dinámica del conjunto. La segunda, sin embargo, es una asimilación de las formas y el espacio a la fragmentación del cubismo analítico. Y es que para el futurismo, el tema es mucho más importante que la forma.

Pero donde más se percibe la singular personalidad del trabajo de Boccioni es en el campo de la escultura. A pesar de la escasísima obra que dejó, al morir prematuramente en la guerra, su valor innovador, apoyado por sus escritos teóricos, le coloca entre los grandes padres de la escultura contemporánea.

En 1910 escribió el Manifiesto de la escultura futurista, donde puede leerse: "Hay que destruir la nobleza totalmente literaria del mármol y del bronce... el escultor debe utilizar veinte materias diferentes o más aún en una sola obra, con tal que la emoción plástica lo exija." El listado de materiales que a continuación propone incluye no sólo madera, cartón o vidrio, sino otros como crin, cuero, espejos o luz.

Para lograr en escultura esa interrelación de formas entre el objeto y lo que le rodea, sobre la que Boccioni funda la representación dinámica, es necesario materializar la atmósfera. Y, efectivamente, él logra literalmente corporeizarla, como puede comprobarse en Desarrollo de una botella en el espacio (1912) y Formas únicas de la continuidad del espacio (1913), ambas en el Museo Cívico de Arte Contemporáneo de Milán.

Formas únicas de la continuidad del espacio (1913)

Formas únicas de la continuidad del espacio no pretende representar un cuerpo según una concepción realista, sino transmitir la acción de dicho cuerpo a partir del estudio de la musculatura y el movimiento humanos. La extensión de las extremidades de este prototipo crea en el espectador la sensación de encontrarse ante una obra dinámica. Otra fuente del artista fue el cubismo, del que aprovechó la representación simultánea de diversos lados de un mismo elemento para conseguir la deseada sensación de desplazamiento.

 La pasión de los futuristas por el movimiento llevó a Filippo Tommaso Marinetti, ideólogo del grupo, a declarar que un coche de carreras es más bello que la Victoria de Samotracia, escultura con la que, paradójicamente, se compara hoy esta obra.

Introdución al futurismo.

INTRODUCCIÓN:

Tenía como postulados: la exaltación de lo sensual, lo nacional y guerrero, la adoración de la máquina, el retrato de la realidad en movimiento, lo objetivo de lo literario y la disposición especial de lo escrito, con el fin de darle una expresión plástica.

Rechazaba la estética tradicional e intentó ensalzar la vida contemporánea, basándose en sus dos temas dominantes: la máquina y el movimiento. Se recurría, de este modo, a cualquier medio expresivo (artes plásticas, arquitectura, urbanismo, publicidad, moda, cine, música, poesía) capaz de crear un verdadero arte de acción, con el propósito de rejuvenecer el arte.

El movimiento era su propósito más firme. 

Debido a la actual importancia de las máquinas se trataron muchas obras en las que eran representadas:

El otro tema principal era el movimiento y es el que mayor numero de obras recoje, en ellas, se manifiesta la intención clara de dar sensación de movimiento: 

 

ORIGEN DEL FUTURISMO:

Fundado en Italia y ,concretamente, en Milán por Filippo Tommaso Marinetti, quien redactó el Manifeste du Futurisme, publicado el 20 de febrero de 1909 en el diario Le Figaro de París.

EL FUTURISMO EN DISTINTOS PAÍSES:

El futurismo tuvo sus más notables seguidores en naciones como Rusia (los poetas Vladímir Maiakovski y Aleksei Kruchenykh, éste último creador del "lenguaje más allá del sentido", y otros, en Bélgica (el escritor Émile Verhaeren), en Portugal (Fernando Pessoa, quien divulgó el movimiento a través de la revista Orpheu, 1915), en España (el poeta Joan Salvat-Papasseit) y en Argentina, donde algunos poetas reflejaron temporalmente la influencia de la corriente, por influjo de la primera visita de Marinetti al Cono Sur, en 1926. Marcos Fingerit, Brandán Caraffa y Alberto Hidalgo, en Buenos Aires, y Alfredo Mario Ferreiro y Juan Parra del Riego, en Montevideo.

TRASCENDENCIA DEL MOVIMIENTO:

La importancia que tuvo el futurismo, más allá de sus méritos artísticos, consistió en crear una estética desde cero, con lo que se hizo posible una profunda renovación de las técnicas y principios artísticos, cuyas repercusiones aún se sienten. Fue uno de las primeras vanguardias artísticas, y su valor como movimiento de ruptura facilitó el camino a otras corrientes que refrescaron el panorama artístico en el principio del siglo XX.

SIMILTANEIDAD:

Los autores creían que era necesaria una obra que surga de forma espontánea para dar una sensación de vida cotidiana y por eso, rechazaban las obras extensamente preparadas.

VINCULACION CON EL FASCISMO:

Marinetti irá forjando una ideología de protesta, real y ficticia, en donde laicismo y nacionalismo garibaldino y antitradicionalismo modernista se mezclan con una permanente concepción belicista y militarista, aristocrática y seudoanarquista. Su aparente actitud antiburguesa llamará incluso la atención de Gramsci, aunque pronto, por su práctica política, su mistificación fascista quedará desvelada.

Aunque es cierta la relación entre fascismo y futurismo, esta vanguardia tiene un origen común a todas las demás. En realidad, lo que une a las distintas corrientes de vanguardia es su afán de ruptura con una sociedad

Las vanguardias, al igual que el fascismo, son un producto en su mayoría del periodo de entreguerras, aunque algunas nacieron un poco antes, una época convulsa en la que Europa busca un nuevo camino, a veces equivocado, como en el caso de la guerra o de los movimientos de ultraderecha.

LA BELLEZA SEGÚN EL FUTURISMO:

Para los futuristas la noción de la belleza dejaba de obedecer a las jerarquías impuestas por el humano. Para ellos las máquinas son los más bello, es decir, las nuevas tecnologías de la época y las que mejor expresaban el avance en la industria.

Para ellos un automóvil rugidor, que parece correr sobre la metralla, es más bellos que la Victoria de Samotracia, una escultura griega.

MANIFIESTOS FUTURISTAS:

Para dar a luz  a sus ideas, los futuristas publicaban textos en los que se explicaban. Algunos párrafos son:

1.     “¡Vamos! -dije yo-. ¡ Vamos, amigos! Finalmente, la mitología y el ideal místico han sido superados.

2.     “¡Prended fuego a los estantes de las bibliotecas!

3.     “¡Erguidos en la cima del mundo, nosotros lanzamos, una vez más, nuestro reto a las estrellas!”

4.     ¡Desviad el curso de los canales para inundar los museos!

5.     “¡Empuñad los picos, las hachas, los martillos, y destruid. destruid sin piedad las ciudades veneradas!”

Manifiestos de Marinetti.

ESCULTURA FUTURISTA:

También eisten esculturas futuristas, en ellas se intenta resaltar el movimiento.

Para ello los planos se desarrollan en el espacio. Los pintores futuristas son también los escultores. Destacan Umberto Boccioni, quien más cultivó la escultura.

Una de sus grandes esculturas es “Síntesis del dinamismo humano”.

 

Alexander Calder fue el autor que consigió que sus esculturas dieran la mayor sensación de movimiento hasta el momento.  Es más conocido como el inventor del móvil  o  chupin  (juguete móvil colgante), un precurso r de la escultura cinética. Sus móviles son estructuras de formas abstractras, que se balancean suavemente. Como esta:

Alfonso Pire

El pasado 18 de octubre tuvimos el placer de entrevistar al profesor de nuestro institut, Alfonso Pire, que es artista. Todos nos sentimos admirados antes sus obras y le pregutamos varias cosas sobre ellas y en general sobre su vida artística.

Fotografia Realizada por Paula Rodrigez Lopez

1.¿Qué estudios has realizado?
Empece a estudiar Filología Germánica pero vi que no era lo mio, así que estudie Filosofía y más tarde Antropología.Pero he sido autodidacta a la hora de realizar mis obras.

2.¿Cómo llegaste a decidirte por este "mundillo"?
Desde pequeño me gustaba pintar como cualquier otro niño, pero un día vi un reportaje en la televisión y era de un niño que tenia problemas mentales y pintaba de maravilla y pensé, si este niño puede, ¿por qué yo no?. Empece con el dibujo, luego la técnica del pastel y seguí progresando.

3.¿En que te inspiras para realizar tus obras?¿Tienes alguna musa?
La inspiración al trabajar en el territorio de lo abstracto no hay referencias por lo que queda fuera de lugar. Pero a veces me pongo el mp3 y escucho música, y en algunas ocasiones es lo que da título a mis cuadros ya que algunos ni tienen. No,no tengo ninguna musa (entre risas).

4.¿Cómo fue tu trayectoria pictórica?
Antes de realizar pintura abstracta, realicé realismo,paisaje,retrato...pero di el paso hacia la abstracción porque me sentía limitado en el otro estilo. Tengo guardado muy poco pasado porque fui depurando mis obras y me parecía horroroso,no me identificaba con ello.

5.¿Cuánto tiempo dedicas a esta tarea?¿Te gustaría vivir de tus obras?
Todo el tiempo libre que tenga.Sí que me gustaría vivir de mis obras aunque en realidad aprecio mucho el instituto,profesores y alumnos. Creo que sería posible vivir de ello,ya sabeis lo que dicen "Lo peligroso de tener sueños es que a veces se cumplen",pero no me iba a aburrir.

6.¿En alguna ocasión has sentido la necesidad de dejarlo todo y dedicarte solo a la pintura?
Sí,todos los días a las 8.30 (entre carcajadas).Es que se trabaja sin descanso y sin preocuparse,es el trabajo de las pasiones.

7.¿Tienes algún fan?
A parte de vuestro profesor Faustino,ninguno en especial. Pero una vez me pasó una cosa muy curiosa: Estaba yo trabajando al aire libre en una de mis esculturas de acero y apareció un señor que se había pérdido y se mostró muy interesado por las obras. Resultó ser coleccionista de arte y me compró dos esculturas.

8.¿Recibiste algún tipo de apoyo?
Sí,porque mi padre era fotógrafo, mi madre estudió literatura y mi mujer es pintora y escultora. No he tenido ningún tipo de problema.

9.¿Cuáles son los artístas que más y menos te gustan?
Me gustan muchísimos artístas Contemporáneos. Sin embargo no me gusta nada Manolo Linares porque no evoluciona,solo pinta campesinos.

10.¿Qué exposiciones has realizado?
Realicé exposiciones en galerías privadas,casas de cultura y en el auditorio Príncipe Felipe.

11.¿Qué proyectos futuros tienes?
Acabo de empezar una serie de cuadros,pinto en pequeño formato y además les pongo un marco blanco. Suelen medir 1,5 x 1,5 m. Ahora estoy trabajando en una escultura de madera y acero.


Realizado por:
Luisa Sánchez Castellanos
Silvia Gómez Camacho

Georges Braque

Biografía:

Pintor francés, que junto con Pablo Picasso contribuyó al origen y desarrollo del cubismo, del cual es una de las figuras más importantes. Braque nació el 13 de mayo de 1882 en Argenteuil-sur-Seine, cerca de París.

Pasó sus primeros años, entre su ciudad natal y El Havre, en la costa de Normandía. Estudió en la Escuela de Bellas Artes de la capital francesa y hacia 1905 empezó a pintar al modo de los fauvistas, utilizando colores puros y brillantes en composiciones de estructura muy libre. Sin embargo, ya en 1908, su atención se había desplazado a las obras de Paul Cézanne. El interés de éste por las formas extrañamente distorsionadas y sus perspectivas poco convencionales llevaron a Braque a pintar de un modo que más tarde se conocería como cubista. Entre 1908 y 1913 llevó a cabo un exhaustivo estudio sobre los efectos de la luz y de la perspectiva y los medios con los que cuentan los pintores para representar estos efectos.

Braque cuestionó la mayoría de las convenciones artísticas en uso. Por ejemplo, en sus cuadros de escenas de pueblos, reducía la estructura arquitectónica a una forma geométrica que se aproxima a un cubo (o, más exactamente, a un prisma rectangular) pero recurría al sombreado para reducir el volumen, con lo que lograba dar a los objetos una apariencia plana y tridimensional al mismo tiempo. De esa forma centraba la atención en la naturaleza de la percepción y de la representación artística.

 Picasso, con quien Braque empezó a trabajar en estrecha colaboración a partir de 1909, utilizaba un enfoque pictórico similar. Desde 1910 a 1912 ambos artistas realizaron obras estructuradas en complejas formas geométricas y pintadas con colores neutros, que hoy son conocidas como cubismo analítico. Un ejemplo de este estilo puede encontrarse en Violín y jarra (1910, Kunstmuseum, Basilea). Los dos artistas comenzaron a experimentar con el collage, técnica de construcción de una imagen a partir de materiales tan cotidianos como hojas de periódicos, etiquetas y trozos de tela. La fértil colaboración entre Braque y
Picasso continuó hasta 1914, año en el que Braque se alistó en el ejército francés. Fue herido de gravedad durante la I Guerra Mundial y en 1917 reanudó su carrera artística en solitario.

 Tras la guerra, Braque desarrolló un estilo más personal, que se caracteriza por los colores brillantes y la textura de las superficies y, después de su traslado a Normandía, por la reaparición de la figura humana. En esa época pintó muchas naturalezas muertas y escenas de playa. Continuó trabajando y produjo un considerable número de pinturas, obra gráfica y esculturas, imbuidas de una cualidad contemplativa, que gozan de un enorme reconocimiento. Murió el 31 de agosto de 1963 en París.

El cubismo:

Muchas de las innovaciones que introdujo en el arte la práctica cubista la inclusión en el cuadro de letras de imprenta, los pigmentos mezclados con arena, las imitaciones de madera y mármol, e incluso la escultura cubista- son creaciones de Braque, aunque Picasso las llevara hasta el límite. En cambio, la técnica del papier collé la tomó Braque de una obra de Picasso de 1912, Naturaleza muerta con una silla de paja un cuadro oval con un pedazo de hule en su parte inferior. Braque realizó muy poco después Frutero y vaso, donde tres pedazos de papel de empapelar imitando maderas se combinan con un dibujo al carbón. Comparando las piezas de uno y otro en este terreno también pueden confrontarse las distintas personalidades artísticas de Braque y Picasso.

 La sensibilidad de Braque para una armonía de composición fundamental y penetrante ha transformado su repertorio de objetos humildes en un diseño de rara elegancia. Por su parte, Picasso, que observaba intensamente las cosas reales, podía ignorar las consideraciones decorativas, a fin de comunicar la experiencia inmediata que sacaba de ellas. Picasso contaría en una ocasión cómo, al despedirse de Braque en la estación de Avignon, en 1914, cuando éste marchaba a combatir en la Primera Guerra Mundial, se dijeron adiós para siempre. En realidad fue así, pues nunca volvieron a trabajar juntos. La guerra había apartado sus respectivos mundos. En una carta a Kahnweiler de 1919, Braque habla de lo que le parece una deserción de su antiguo amigo: "Picasso ha creado un nuevo género llamado ingresco, decía refiriéndose a las imágenes del mundo de la danza y a sus retratos naturalistas. A pesar de todo, en sus respectivas obras abundarían, durante las décadas siguientes, las semejanzas y los contrastes.

Obras:

Este cuadro de Georges Braque se titula “Puerto de Amberes”.

-         Lo pintó en: 1906

-         Material: Óleo sobre lienzo

-         Medidas: 38 x 46 cm.

-         Museo: Von der Heydt. Wuppertal.

Este cuadro de Georges Braque se titula “Violín y Jarra”.

.     - Lo pintó en: 1910

-         Material: Óleo sobre lienzo.

-         Medidas: 117 x 73 cm.

-         Museo: Museo de Arte Basilea.

Este cuadro de Georges Braque, se titula “Plato de Frutas, As de Bastos”.

-         Lo pintó en: 1913

-         Material: Óleo, guache y carboncillo en lienzo.

-         Medidas: 81 x 60 cm.

-         Museo: Centre Georges Pompidou. París.

Este cuadro de Georges Braque, se titula “Bodegón con mesa”: Gillette.

-         Lo pintó en:1914

-         Material: Papier collé.

-         Medidas: 48 x 62 cm.

-         Museo: Centre Georges Pompidou. París.

Este cuadro de Georges Braque, se titula “Bodegón con Mantel Rojo”.

-         Lo pintó en : 1929

-         Material: Óleo sobre tela.

-         Medidas: 81 x 101cm.

-         Museo: Colección particular.

Este cuadro de Georges Braque, se titula “Interior con Paleta”

-         Lo pintó en: 1942

-         Material: Óleo sobre lienzo.

-         Medidas: 141.3 x 195.6 cm.

-         Museo: The Menil Collection. Houstom

Curiosidades:

En 1915, Braque sufrió una gravísima herida en la cabeza que le obligó a una larga convalescencia y lo mantuvo alejado de la pintura hasta 1917. En 1919 su nuevo marchante, Léonce Rosenberg, le organizó una exposición individual. La serie de naturalezas muertas que realiza en esos años y durante la siguiente década, con una paleta restringida de verdes, ocres y blancos sobre una capa de negro, le aportó fama internacional. Durante los años treinta, el estilo de Braque cambia: los colores sucios de sus anteriores obras son sustituidos por tonos sutiles y delicados -rosas, verdes pálidos, amarillos y lavandas-, y los objetos parecen lejanos e inmóviles, producto del confinamiento estético en el que surgen: Braque vive en estos años ajeno a todo lo que ocurre fuera del taller, y sus motivos no proceden tanto de la naturaleza como de dibujos y esquemas realizados a partir de pinturas preexistentes.

Lucía Iglesias Esteban.

Juan Gris

José Victoriano González-Pérez nace en Madrid el 23 de marzo de 1887, hijo de padre merchante, familia bien situada y que le permitió entrar gradualmente en un ambiente de clase media. Conocido artísticamente como Juan Gris, fue un pintor español que desarrolló su actividad principalmente en París como uno de los maestros del cubismo sintético.

Su padre era un conocido empresario papelero, D. Gregorio González casado con Isabel Pérez, con quien tuvo catorce hijos. Juan Gris hacía el número trece. Estudió en buenos colegios hasta que su afición y facilidad por el dibujo hicieron que tomara clases en distintas escuelas de Arte. El estilo académico y rígido de estas hicieron que José renunciase a seguir los cauces de la pintura tradicional.

Cursó estudios en la Universidad de Madrid. Sus composiciones están dotadas de gran armonía gracias a una rigurosa metodología en la estructuración de las formas.

Se desvinculó de la estética cubista de Braque y de Picasso, coloreando y sombreando objetos puntuales, con lo cual consiguió un ritmo visual elegante y personal. Se trasladó a París en 1906 y se instaló en el Bateau-Lavoir, donde fue vecino de Picasso. Pintó sus primeras acuarelas al mismo tiempo que publicaba ilustraciones humorísticas en distintas revistas. Sus primeras muestras cubistas datan de 1911 y en ellas se aprecia la influencia de Cézanne, aunque pronto derivó hacia un estilo geométrico muy colorista, con predominio del azul, el verde y el violeta ácido, que culminó con la conquista de la abstracción. En 1912 empleó por primera vez la técnica del collage, franqueando de esta manera la línea divisoria que separa lo real y lo irreal. Destacan en su obra Vaso y damero (1914), El tapiz azul (1925) y Guitarra y partitura de música (1926).

Comenzó a ser conocido en los ambientes artísticos, pero problemas legales le impidieron viajar y salir de Francia para realizar exposiciones fuera del país galo. Los numerosos contratos y trabajos elevaron su situación artística y económica y en 1922 desplazó su estudió del "Bateau Lavoir" a Boulogne-sur-Seine. El motivo fue su delicada salud, aquejado de fuertes ataque de asma, los médicos le aconsejaron un clima más cálido y soleado.

Realmente hasta 1924 Juan Gris no entró dentro del núcleo de los grandes artistas. Pero en ese año sus pinturas empezaron a cotizarse como grandes obras de artePero su felicidad duró poco ya que fallecía el 11 de Mayo de 1927 en una aguda crisis asmática. Sólo con cuarenta años desaparecía uno de grandes artistas del siglo XX. 

• En Casas en París (1911)   

Gris pinta unos edificios intentando destacar su volumen, para ello, recurre a la segmentación de planos en las fachadas y tejados de las casas

• Naturaleza muerta con espejo (1910).

Introduce ciertos elementos cubistas como la inversión de planos y los diferentes puntos de vista y aborda el problema de cómo la luz chocaba con los objetos.

• Naturaleza muerta: botellas y cuchillo (1912) 

Es un bodegón típicamente cubista. Los objetos representados, las botellas, el plato, el cuchillo y la superficie sobre la que se encuentran, están dispuestos vertical y horizontalmente con una ligera perspectiva tridimensional.

 

• Violín y guitarra (1913)

 

En este bodegón se explora la tridimensionalidad de los objetos, que están dispuestos en dos conjuntos. Uno, formado por la guitarra y el violín, que ocupan el centro del cuadro, y otro, formado por una botella, el papel de la pared y el mantel. Gris crea relaciones entre los dos conjuntos, a través de planos y líneas entrecruzadas, asocia los elementos representados.

Silvia Gómez Camacho 

Pablo Picasso-1

  

PICASSO/2ª Parte

    Teniendo Las señoritas de Aviñón como punto de partida, Braque y Picasso acabaron formulando el cubismo en 1908. El cubismo fue un punto de inflexión radical en la historia del arte que inspiró al resto de vanguardias artísticas el abandono del ilusionismo pictórico, rechazando la descripción naturalista en beneficio de composiciones de formas abstraídas de la percepción convencional, jugando con la tridimensionalidad y la estructura de las superficies. Esta técnica, iniciada por Picasso y Braque, tuvo muchos seguidores, como Juan Gris, Francis Picabia, Brancusi, Delaunay y Albert Gleizes. Los paisajes de Cézanne inspiraron las primeras fases del cubismo.

    Picasso empezó a ser apreciado por los coleccionistas; amigo de los Stein, que acababan de comprarle las Tres mujeres,En marzo de 1909 se publicó en el Mercure de France un artículo de Charles Morice en el que por primera vez apareció impreso el término Cubismo. En mayo, Picasso y Fernande (su mujer) fueron a Barcelona a visitar a la familia y viejos amigos; pintó un Retrato de Manuel Pallarés en el estudio de su amigo. Posteriormente se trasladaron a Horta de Sant Joan, once años después de su primera visita  Allí pintó y dibujó naturalezas muertas y numerosos retratos de Fernande Fueron los inicios del cubismo analítico, deudor de los conceptos de relieve, «perspectiva inversa» y modelado de Cézanne

“Busto de mujer”

"Mujer con peras"

Pablo Picasso-2

    En las obras que pintó en Horta los árboles y formas naturales fueron obviadas, y la roca superficialmente amorfa fue analizada y rota en planos para luego reconstruirla mediante la superposición de los planos; en algunos casos la geometrización se extendió al cielo, y el conjunto ofrecía una composición rigurosa con una profundidad que no envidiaba a la perspectiva tradicional. El uso de la luz era completamente arbitrario, estrictamente para acentuar los contornos y afilar los relieves. No obstante, el cubismo analítico era todavía una revisión y no un rechazo de la tradición; el cuadro seguía siendo una ventana ilusoria a un mundo representado, reconstruido. El cubismo sintético constituyó una negación de la tradición europea; el collage rompió la inviolabilidad de la superficie del cuadro y la representación de la realidad dejó de ser el objetivo del cuadro para ser su punto de partida.

    En septiembre se trasladó a París. Volvió cargado de obras del nuevo estilo y, pese al rechazo de público y crítica en la exposición que Vollard organizó con ellas, el selecto grupo de coleccionistas. siguió desarrollando el cubismo, que en ese momento compartía además de con Braque, con un grupo de artistas de Montmartre fuertemente influenciados por el nuevo estilo entre los que estaban Derain, el español Juan Gris y Léger. El cubismo se extendía por Europa, con el constructivista y suprematista Malevich en Rusia y Mondrian en los Países Bajos, aunque ambos mostraban serias diferencias con el estilo de Picasso. Picasso no buscaba el desarrollo de teorías o escuelas; su necesidad era la ruptura con el pasado y darle a la obra de arte su propia vida interna.

    En el estudio de Manuel Hugué hizo esculturas como Cabeza de mujer (Fernande) (MoMA, Nueva York), inspirada en las telas que pintó en Horta. Fernande no se sentía a gusto con los cambios que se producían en su entorno y estilo de vida, añoraba la espontaneidad de sus primeros tiempos juntos.

"Cabeza de mujer"

Pablo Picasso-3

    Entre 1912 y 1915 Picasso y Braque desarrollaron la segunda fase del cubismo, en la que retornaron a su obra un equivalente a los conceptos tradicionales que habían roto o eliminado en la fase precedente; formas, objetos y palabras se volvieron reconocibles al tiempo que se reconstituyó la superficie; recuperaron el uso de un cromatismo más sólido y brillante, los planos se contornearon y demarcaron claramente, superponiéndose y apareciendo una implicación con superficies texturadas y estampados decorativos.Se celebró una exposición cubista en la Galería Dalmau de Barcelona sin obras de Picasso ni de Braque. La relación con Fernande se acabó; Picasso escribió a Braque:El 18 de mayo llega a Céret con Eva, donde realiza algunos dibujos en los que aplica papeles pintados del siglo XIX y pedazos de diarios. Cuando en junio Picasso se entera de que Fernande planea ir a Céret el verano con Pitxot y su mujer, escribe a Kahnweiler para que le diga que no espere nada de él, que estaría feliz si no volviera a verla más, al tiempo que reafirma su amor por Eva, indicando que va a escribirlo en sus pinturas. Es probable que entre junio y septiembre trabajara en Desnudo femenino ('J'aime Eva') Escapando de la visita de Fernande, el 25 de junio se instala en la Villa des Clochettes, en Sorgues-sur-L'ouvèze. Las pinturas de Céret impresionaron a Braque, Picasso le pidió su opinión sobre Violín ('Jolie Eva')

"El violín"

    Volvió a París el 21 de enero de 1913, donde empezó a trabajar en "Violín colgado en la pared"

    En 1913, La salud de Eva tampoco era buena, y empeoró a finales de la primavera. En junio Picasso volvió a París, al tiempo que cayó enfermo con anginas o bronquitis al igual que Eva, que al parecer nunca se recuperó del todo.

    Picasso pintó dos grandes obras de particular importancia, el Jugador de cartas que contiene muchos elementos del collage trampantojo, y Mujer en camisa sentada en un sillónen la que se combinan el color del cubismo analítico y los patrones esquemáticos del sintético

En 1914 Picasso realizó una tercera serie de papiers collés

"Jugador de cartas"

    En enero de 1915 realizó el dibujo a lápiz Retrato de Max Jacob en un estilo naturalista.La salud de Eva sigue declinando y sufre una operaciónción; en mayo, mientras ella se encuentra en un sanatorio,Picasso tiene un romance con Gabrielle Depeyre, En agosto realiza otro dibujo, Retrato de Ambroise Vollard de técnica clásica y parecido casi fotográfico. Picasso pasó momentos muy duros, «mi vida es un infierno», le escribía a Gertude Stein. Eva falleció el 14 de diciembre de 1915.

"Ambroise Vollard"

Pablo Picasso-4

    En julio de 1916  se produjo la primera exhibición al público de "Las señoritas de Aviñón" en el Salón de Otoño, que organizó André Salmon. Al igual que sucedía con el cubismo, la crítica fue bastante dura con una obra que no alcanzaban a comprender.

    Picasso colaboró en numerosos ballets rusos realizando el decorado. Trabajó con Erik Satie, Igor Stravinsky, Manuel de Falla, Diágilev etc. Simultáneamente seguía haciendo retratos cubistas y realistas.

"Parade- Eric Satie"

  

Pablo Picasso- 5

    La danza constituyó el inicio del periodo surrealista de Picasso, entre 1925 y 1938. En el ensayo «El surrealismo y la pintura», publicado en julio de 1925 en el número 4 de La Révolution Surréaliste, Breton declaraba a Picasso como modelo de pintor y lo reclamaba como surrealista, al tiempo que señalaba la imposibilidad de aplicar una etiqueta que constriñera su trabajo: «La etiqueta "cubista" ha cometido mucho ese error».

    Sus obras se expusieron por vez primera en el Museo de Arte Moderno de Nueva York (MoMA), fundado el año anterior, como parte de la exposición «Painting in Paris». En junio adquirió el castillo de Boisgeloup, a setenta kilómetros al noroeste de París. Boisgeloup se convertiría en un refugio al que podía escapar con Marie-Thérèse; convirtió los establos en un estudio de escultura en el cual su deseo de volver a modelar en barro o escayola y la inspiración en su joven amante le estimularon a crear grandes bustos en escayola, algunos de ellos de una indudable naturaleza sexual. En otoño de 1930 realizó una serie de esculturas, la mayor parte talladas en madera y posteriormente fundidas en bronce, de pequeño tamaño y muy estilizadas. Por esas fechas, Marie-Thérèse se trasladó al número 44 de la calle Boétie, frente al apartamento donde Picasso vivía con Olga. Durante estos primeros años de la década de 1930 Picasso se sentía dividido entre la resistencia a romper su relación con Olga y su obsesión por Marie-Thérèse, quien fue la principal inspiración para las sensuales y sugestivas figuras femeninas de su obra.

    El 25 de octubre de 1931 Picasso cumplió 50 años, y publicó Las metamorfosis de Ovidio, para Albert Skira, en Lausanne, un total de quince aguafuertes a página completa y otros quince a media página que llevaba trabajando desde el año anterior. En esta serie de grabados Picasso remite a la simplicidad del dibujo clásico, describiendo con claridad los objetos y los seres, como hará en la Lisístrata de Aristófanes, publicada en 1934. El 12 de noviembre Ambroise Vollard publicó La obra maestra desconocida de Balzac, con trece aguafuertes de Picasso, en los que incide en el tema del artista y la modelo. En la novela, Balzac plantea el conflicto del artista entre completar la obra y alcanzar la perfección, que se refleja en el aguafuerte de la serie titulado Pintor y modelo tricotando, en el que el pintor transforma el prosaico motivo en una elegante caligrafía curvilínea.

    Mientras Olga y Pablo veraneaban en Juan-les-Pins, Picasso lo hacía en Boisgeloup con Marie-Thérèse, donde continuó trabajando en desnudos durmientes, escenas de playa y algunas esculturas de pequeño tamaño. También realizó varios dibujos de la serie de La Crucifixión de Grünewald. A su vuelta a París en otoño prosiguió con los retratos de Marie-Thérèse en un sofá y los dibujos sobre La Crucifixión de Grünewald. En octubre, Christian Zervos comienza la publicación de un catálogo razonado (París: Cahiers d'Art) de la obra de Picasso; entre 1932 y 1974 aparecieron veintiocho volúmenes.

    En 1937 realizó  Sueños y mentiras de Franco, dos grabados con un formato semejante al cómic o a las aleluyas españolas, con un total de dieciocho escenas, pensadas para ser reproducidas como estampas o postales, en las que denunciaba el golpe de estado fascista y señalaba los crímenes de la guerra, describiendo a Franco como una figura malvada y grotesca. A partir de junio sería acompañado por el poema del mismo nombre, con caricaturas del general Franco.