Música minimalista

La música minimalista es un género originario de Estados Unidos que se cataloga como experimental o música downtown que empezó a ser creada en los años 1960 basada en la armonía consonante, en pulsos constantes, en lo estático o en las lentas transformaciones, a menudo en la reiteración de las frases musicales en pequeñas unidades como figuras, motivos y células. Este movimiento empezó a comienzos de los 1960s como un movimiento underground en los espacios alternativos de San Francisco y pronto se empezó a oír en los lofts de New York, el minimalismo se expandió hasta ser el estilo más popular de la música experimental del siglo XX.

http://www.youtube.com/watch?v=jMhadkC4HhI

http://www.youtube.com/watch?v=i0zFBEuC5Ts

http://www.youtube.com/watch?v=_M1flgpTqB4

 En sus inicios llegó a involucrar a docenas de compositores, a pesar de que sólo cuatro de ellos lograron relevancia - Terry Riley, Steve Reich, Philip Glass, y, con menos visiblidad aunque original, La Monte Young. En Europa sus mayores exponentes son Louis Andriessen, Karel Goeyvaerts, Michael Nyman, Stefano Ianne, Gavin Bryars, Steve Martland, Henryk Górecki, Arvo Pärt, Wim Mertens, José Travieso y John Tavener. En América Latina el filósofo y músico argentino Eduardo Sanguinetti es digno precursor del nuevo estatuto de la experiencia estética minimalista , presentes en sus composiciones Obstinato , Rekiem y Rapsodia Minimal. 

Estilo minimalista en la música

Kyle Gann ha identificado 9 tipologías comunes en el diseño de la música minimalista, ninguna de ellas hace un estilo pesonal de un compositor por sí sola, pero juntas o en combinación pueden describir estilos de los músicos, o tendencias a lo largo de la historia:

1.     Armonía estática (una tendencia a permanecer en un acorde, o a moverse de forma retrógrada o directa entre un grupo o repertorio de acordes);

2.     Repetición de breves motivos (este es el estereotipo más reconocido en la música minimalista, A través de diferentes autores se ha propagado esta característica, como puede ser las instalaciones Young de tono sinoidal, las improvisaciones de violín de Tony Conrad, las piezas permutacionales de Jon Gibson, los trabajos de Phill Niblock y otros ejemplos instrumetales de este tipo)

3.     Procesos algorítmicos, lineales, geométricos o graduales (tales como la generación de patrones como 1, 1+2, 1+2+3, 1+2+3+4 y así sucesivamente, permutaciones sistemáticas del tipo de las que emplea Jon Gibson en sus composiciones, o los desplazamientos de fase o los bucles repetitivos de Reich en los trabajos de la década de los 60)

4.     Un ritmo estático (a menudo motorizado, pero en algunas ocasiones simplemente restringido a un pequeño repertorio de duraciones temporales)

5.     Instrumentación estática (cualquier instrumento toca al mismo tiempo, en una superposición de melodías, una puesta en escena donde cada instrumento juega el mismo rol participando en igualdad)

6.     "Metamúsica" (detalles sin planificar que van creciendo, o que son amplificados por las percepciones como si fuera un efecto colateral, tal y como aparece en las composiciones de Reich Drumming y Octet)

7.     Uso de tonos puros o atemperaciones justas (uso muy común en las obras tempranas de la música minimalista de Young, Conrad, Niblock y Riley pero posteriormente abandonadas en la práctica más popular de Reich/Glass)

8.     Empleo de influencias no-occidentales en las composiciones (Young, Riley y Glass se inspiraron en la música de la India en algunas de composiciones, Reich estudió la música africana)

9.     Destilado de la esencia de la canción, que se muestra pura sin detalles ocultos, a veces sin significado léxico. La estructura de la voz llega al auditorio sin contenido, rítmica y repetitiva.

 

Arquitectura minimalista

Des del origen del minimalismo, el término ha crecido y ha mudado hasta instalarse también en la arquitectura.

El arquitecto alemán Ludwig Mies Van Der Rohe, uno de los más importantes de este siglo. Debido a la segunda guerra mundial Van Der Rohe emigró a Estados Unidos para más tarde nacionalizarse estadounidense.

A finales de los años treinta Van Der Rohe ejerció la dirección de la Escuela de Arte y Diseño de la Bauhaus, en Alemania en donde se materializaron sus primeas ideas respecto a la pureza de las formas y al uso del concepto artístico para dotar al diseño industrial de personalidad.

"Pabellón Aleman"(1929)          Ludwig Mies Van Der Rohe

Entre sus obras más emblemáticas de esta etapa destaca el Seagram Building (1958), un rascacielos de 37 pisos de vidrio y bronce construido en Nueva York.

También fue famoso por diseñar el famoso “Sillón de Barcelona”.

Los preceptos básicos del minimalismo en arquitectura son:

• Utilizar colores puros
• Asignarle importancia al todo sobre las partes
• Utilizar formas simples y geométricas realizadas con precisión mecánica
• - Trabajar con materiales industriales de la manera más neutral posible y       diseñar sobre superficies inmaculadas.
• El resultado que define este estilo en un concepto es la palabra limpieza.
• El minimalismo le da gran importancia al espacio y a los materiales ecológicos.
• Centra su atención en las formas puras y simples.
• Monocromía absoluta en los suelos, techos y paredes. Al final son los accesorios los que le dan un toque de color al espacio.
• Destaca el color blanco, en toda su gama de subtonos, y todas los matices que nos da su espectro.
• Uno de los cambios producidos por el minimalismo en la decoración fue el uso de elementos como el cemento pulido, el vidrio, los alambres de acero.

En cuanto a los accesorios el minimalismo no utiliza telas estampadas en los sillones ni en los cojines. Todos son colores puros, lo cual proyecta una sensación más contemporánea en contraposición al estilo barroco y recargado del siglo XIX. Para el minimalismo todos los elementos deben combinar y formar una unidad. Esto se resume en el precepto minimalista de que "todo es parte de todo".

 A nivel de arquitectos de renombre, John Pawson está considerado como el arquitecto que más se ciñe a estas características minimalistas. Este proyectista además estuvo muy atento a la tradición japonesa. Todo esto se observa en obras variadas que van desde proyectos para viviendas y tiendas hasta un austero monasterio cisterciense. Para Pawson el minimalismo es la cualidad que posee un edificio cuando cada componente ha sido reducido a su esencia. Evitar lo irrelevante es para este arquitecto el camino para enfatizar lo importante.

Minimalismo

El término minimalista, en su ámbito más general, es referido a cualquier cosa que se haya desnudado a lo esencial, despojada de elementos sobrantes. Es la tendencia a reducir a lo esencial. El Minimalismo puede considerarse como la corriente artística contemporánea que utiliza la geometría elemental de las formas. Las formas son las que establecen una estrecha relación con el espacio que las rodea. Para ello el artista se fija sólo en el objeto y aleja toda connotación posible. El Minimalismo es una corriente estética derivada de la reacción al pop art.

Las obras del Minimalismo buscan la sencillez y la reducción para eliminar toda alusión simbólica y centrar la mirada en cuestiones puramente formales: el color, la escala, el volumen o el espacio circundante.

Se habla de Minimalismo refiriéndose a toda austeridad estilística, al énfasis en la geometría y la anulación de la técnica expresiva en las obras de tres dimensiones, principalmente. B. Rose señaló su carácter de objetos literales, objetos que se definían únicamente por una afirmación literal y enfática de su existencia en tanto que no querían sugerir nada más allá de sí mismos.

Los minimalistas pretenden que sus obras sean como los números, moral y metafísicamente neutrales. Que no demuestren evidencia de trabajo, pues no se valora la habilidad manual. Para ellos el trabajo es alienante, rechazan el concepto heroico de la actividad creadora y, sostienen que la labor física es lo menos importante del arte, preferían absorber ideas más que técnicas. El Minimalismo no es metáfora ni símbolo de nada.

Las características básicas del estilo minimalista son:

·        Abstracción total: las obras operan sólo en términos de color, superficie y formato

·        Economía de lenguaje y medios.

·        Producción y estandarización industrial.

·        Uso literal de los materiales.

·        Austeridad con ausencia de ornamentos.

·        Purismo estructural y funcional.

·        Orden.

·        Geometría Elemental Rectilínea.

·        Precisión en los acabados.

·        Reducción y Síntesis.

·        Máxima sencillez.

·        Concentración.

·        Desmaterialización.

·        Ausencia de contenido formal o de estructuras relacionales.

·        Carácter "opaco". Superficies enfáticas monocromáticas

Esta denominación se le da a esta corriente artística surgida en el Nueva York de los años 60, que utiliza la geometría elemental de las formas, en una estrecha relación con el espacio en que se inserta la obra, pues considera que "todo es parte de todo". El Minimalismo se fija sólo en el objeto y aleja toda connotación posible, evita cualquier reflejo de la interioridad del artista. Intenta expresar lo máximo posible con el mínimo de elementos. Se podría considerar un "antibarroquismo" estético. Nació en las artes plásticas pero influyó en el resto de las artes y fundamentalmente en la arquitectura y decoración. se identifica con un desarrollo del arte occidental posterior a la Segunda Guerra Mundial, iniciado en el año 1960.

Escultura y Pintura minimalista

El minimalismo se desarrolló en el campo de la escultura cuyos representantes principales son:Donald Judd, Sol LeWitt, Carl Andre, Dan Flavin y Robert Morris. La pintura minimalista tiene influencias del Constructivismo y sobre todo del planteamiento reduccionista de Ad Reinhardt. Algunos pintores son: Robert Ryman, Robert Mangold, Agnes Martin y Eduardo Sanguinetti.

"Severinda" (1995)       Frank Stella

"Intitulado"   (Seis cajas)         Donald Judo

Piet Mondrian


Literatura minimalista
 La literatura minimalista se caracteriza por la  economía de palabras. Los autores minimalistas evitan adverbios y prefieren dictar contextos sugerir significados.  Es de esperar los lectores de una participación activa en la creación de la historia, porque debe "elegir un lado" sobre la base de consejos y sugerencias, en lugar de representaciones directas.  Los personajes de historias minimalistas tienden a ser trivial, común, inexpressivas, nunca rico o famoso detective fabuloso. En general, las historias son fragmentos de la vida.
La raíz de la literatura minimalista de América es obra de Ernest Hemingway, uno de los mejores ejemplos de este estilo es su "Hills Like White Elephants". Como Hemingway nunca se describe el terreno de juego que es cuando el personaje habla, el lector se ve obligado a interpretar que sobre la base de la respuesta. Por otra parte, aunque el paisaje es una parte integral de una historia, nunca se explica en el minimalismo.
 El nombre más asociado con la literatura minimalista, sin embargo, es la de América del Norte Raymond Carver. En las historias de muy pocas líneas, se captura la vida del autor a través de ángulos y personajes sencillos, que inesperadamente se convierten en hechos y cifras inusuales, misteriosos, mentirosos.
En Brasil ha crecido mucho la producción de minicontos (o microcontos), el género asociado con el minimalismo. En este sentido el trabajo "Oh, ¿es?", Publicado por Dalton Trevisan en 1994, es considerada la obra maestra de estilo minimalista.
En 2004 el escritor Marcelino Freire decide radicalizar y lanza el libro Os Cem Menores Contos Brasileiros do Século, en la que invita a cien autores para escribir historias de un máximo de 50 cartas (sin contar el título y puntuación).

 

Diseño minimalista

El término minimalismo también se utiliza para describir una tendencia en el diseño y la arquitectura, donde en el sujeto se reduce a sus elementos necesarios. El diseño minimalista ha sido muy influenciada por el diseño tradicional japonés y la arquitectura. Además, los trabajos de los artistas de De Stijl es una importante fuente de referencia para este tipo de trabajo. De Stijl ha ampliado las ideas que se podría expresar mediante el uso de elementos básicos tales como líneas y planos organizada de manera muy particular.

Se puede igualmente hablar de una arquitectura minimalista visible en la obra de, por ejemplo: John Pawson, Souto de Moura, Tadao Ando, Hiroshi Naito o Rudi Riccioti.

Bastidores de bicicletas en Hamburgo, 2008

La pintura metafísica

PINTURA METAFÍSICA (CARACTERISTICAS GENERALES):

 

El enigma de la llegada de la tarde

Giorgio de Chirico

1912

Óleo sobre lienzo

La idea del cuadro como un enigma de imposible resolución está presente en el título de muchas de las primeras pinturas metafísicas

La pintura metafísica (que tiene una duración desde el año 1916 hasta el 1921) nace en contraposición a la estética geometrizante que tanto se impugnó y desarrollo en el arte de entreguerras.

El inicio de la "pintura metafísica" rompe con la vanguardia de la época, el
Futurismo, y restablece el orden clásico.

Se abandona la representación fragmentada y los principios dinámicos futuristas y retorna a los valores tradicionales de solidez geométrica (formas naturalistas bien definidas, con sensación de peso y volumen) y elementos clásicos de los pintores renacentistas italianos.

En este estilo de pintura una realidad ilógica parece creíble. Usando una especie de lógica alternativa, Carrà y de Chirico aproximaban varios  temas ordinarios, incluyendo normalmente edificios, estatuas  clásicas,  trenes  y maniquíes.

El estilo se caracterizó por imágenes que transmiten un sentido de
nostalgia, de misterio o de ensoñación, y una gran sensación de reposo o tranquilidad.

El gran juego

Giorgio de Chirico.

Óleo sobre lienzo.

La sensibilidad poética de esta pintura y su irrealidad de carácter mágico caracteriza esta corriente artística.

Estas caracteísticas vienen dadas por dos enunciados clave que dominan las obras de esta época:

1.      Todas las cosas tienen dos aspectos: el aspecto corriente, que vemos casi siempre y que ven los hombres ordinarios, y el aspecto fantasmal y metafísico, que solo unos pocos individuos pueden observar en momentos de clarividencia y de abstracción metafísica.

2.      Una obra de arte debe narrar algo que no parece dentro de su contorno. Los objetos y figuras representados en ella deben de la misma manera hablarnos poéticamente de algo que no está muy lejos de ellos y también de lo que sus formas materialmente nos esconden. Un perro pintado por Courbet es como la narración de una poética y romántica cacería.

Pretendian comunicar estos artistas que  para llegar a ser verdaderamente inmortal una obra de arte debe escapar a todos los límites humanos: sólo le saldrán al paso la lógica y el sentido común. Pero una vez rotas estas barreras, entrará en las regiones de la visión infantil y del ensueño.

RELACIÓN DE ESTE ARTE CON OTRAS VANGUARDIAS:

Como reacción al dinamismo futurista, el expresionismo y a la destrucción de las formas surgen las pinturas naíf y metafísica, fundamentalmente estáticas y figurativas, que se relacionan directamente con el simbolismo.

La pintura metafísica, al contrario que la naíf, es la representación estudiada del mundo onírico, lo que la hace precursora del surrealismo. Su carácter estático la enfrenta con el futurismo.

También la actividad de los artistas que estaban integrados al grupo metafísico de él junto con Carrá, influyó de manera definitiva en la producción surrealista    posterior.

GIORGIO DE CHIRICO:

Giorgio de Chirico (Grecia, 1888- Roma, 1978) es la figura clave del movimiento. La pintura metafísica de Giorgio de Chirico es considerada una de los mayores antecedentes del movimiento surrealista. En su estancia en Alemania tomó influencias de autores simbolistas y la filosofía de Nietzsche. Otra gran influencia que va a tener De Chirico va a ser la filosofía de Shopenhauer y Nietzche.

Shopenhauer le influenciará en su idea del pesimismo y con la de que a través de la introspección era posible acceder al conocimiento esencial del yo, de la cosa en sí.

A través de Nietzsche se dirige hacia una pintura de sueños, pudiendo definirse como «extrañamente nueva». Para Nietzsche existía «un presentimiento de que debajo de esta realidad en donde vivimos y tenemos nuestro ser, está escondida otra realidad diferente, una realidad que se podría aprender en las misteriosas relaciones establecidas entre objetos ordinarios, cuando están liberados de la lógica convencional de la causalidad lógica».

En 1918 tiene lugar su primera exposición aunque  no es hasta 1919 cuando publica el manifiesto llamado "Nosotros, metafísico", en clara alusión al publicado por Marinetti ( “Nosotros, futuristas”).                                                                                                                            

Giorgio de Chirico, El gran metafísico, 1916. Óleo sobre lienzo, 110 x 80 cm

Ya en París (1911) comienza a realizar obras de imágenes muy sorprendentes, basadas en la representación de espacios urbanos, en los que predominan los elementos arquitectónicos y la proyección de sombras y en las que la presencia humana suele estar ausente. Además de esta regla arquitectónica también hay representaciones de interiores, generalmente abiertos al exterior

Los cuadros de Chirico poseen una estética extraña, de perspectivas imposibles, de elementos simbólicos, de largas sombras, de objetos sumidos en una claridad sin atmósfera, donde todo sucede como si fuera un sueño. Consigue imponer una sensación de misterio a través de los maniquíes, manos enguantadas inmersas en un mundo de horizontes lejanos y de grandes arquitecturas vacías, colosales y fantasmagóricas. 

Los maniquíes son los únicos pobladores de los desolados escenarios de la pintura metafísica.

Tras su obra Piazza souvenir de Italia (1925), pese a seguir conservando parte de su estilo, su obra experimenta un cambio hacia un carácter más convencional, ya que en un contexto de posguerra (I Guerra Mundial) la llamada "vuelta al orden" lleva a los artistas a volver a adoptar un carácter realista. El detallismo de la obra es llevado cada vez más lejos de la metafísica, por lo que se encuentra con la crítica de numerosos artistas surrealistas que se sienten decepcionados por él.

Piazza souvenir de Italia (1925),

Las obras de Chirico son esenciales para el arte del siglo XX e inspiraron a Max Ernst, René Magritte, Salvador Dalí y muchos otros.

En la década de 1920, la pintura metafísica influyó notablemente en otros estilos y movimientos artísticos.

En el realismo mágico, la pintura metafísica se manifiesta a través del uso de líneas duras, la cualidad estática de la composición, el énfasis en la tangibilidad de las cosas, el aislamiento de los objetos, etc

INFLUENCIAS DE CHIRICO EN LA ARQUITECTURA:

Fue un hecho común a la arquitectura del xx el de inspirarse en el arte contemporáneo y, más concretamente, en la pintura, como medio figurativo. Giorgio de Chirico había sido así el inspirador, cercano o lejano, de algunos episodios de la arquitectura contemporánea.

No le valió a esta arquitectura mostrar que, aparte de otras cosas, compartía con lo moderno la inspiración en el arte contemporáneo —principio silenciado pero básico de la modernidad— para no ser considerada enemiga o sospechosa. El caso es que buena parte de la mejor arquitectura italiana de entreguerras participaría de la influencia metafísica, apropiándose, de uno u otro modo, del ideal metafísco del espacio.

Un ejemplo de estas edificaciones es el EUR, en Roma:

El EUR (Roma)

                                                           

                                                           Jose Antonio García Martínez

LA ABSTRACCIÓN

Pintura Abstracta:

                                                           

                                                                Pintor: Kandinsky.

1913 - 47 años
"Composición VII "
Material: Óleo sobre lienzo.
Medidas: 195 x 300 cm.
 Museo: Galería Estatal Tretjakov. Moscú

El arte abstracto prescinde de la representación de un tema o un asunto figurativo y lo sustituye por un lenguaje visual autónomo, con significado propio. Se entiende por pintura abstracta aquella que prescinde por completo del objeto y de la figura y el cuadro se compone mediante la combinación de líneas y colores. Estéticamente se define como arte moderno y cronológicamente como contemporáneo en los siglos XX y XXI.

Kandinsky:

La pintura abstracta se inició con Kandinsky el cual  realizó su Primera acuarela abstracta entre 1910 y 1913; y teorizó sobre la pintura abstracta en Uber das Geistige in der Kunst (1911). Otros pintores se aproximaron al mismo concepto por esos mismo años: La difusión de la obra de Wassily Kandinsky impactó en 1917, y en otras vanguardias del periodo de entreguerras, que experimentaron con la abstracción (surrealismo abstracto); pero el mayor auge de la pintura abstracta vino con el expresionismo abstracto que se desarrolló entre 1945 y 1955 en la escuela de Nueva York.
Llegó a una abstracción impregnada de sentimiento, su pintura está destinada a despertar la emoción en el espectador. Para él, el arte debía expresar el espíritu, la realidad interior, la los estados de ánimo, los sentimientos. Esto es lo que le llevará a suprimir el título en muchas de sus obras.
En 1910 ejecutó la primera acuarela sin tema, conocida como Primera acuarela abstracta. Sobre un espacio imaginario flotan y se mueven formas abstractas coloreadas en las que no se encuentran referencias miméticas. La fluidez de las manchas de color y el gesto nervioso de la línea configuran un espacio de gran dinamismo.
A partir de este momento comienza a pintar lienzos llenos de manchas cromáticas y formas simplificadas. El alejamiento del natural y su tendencia hacía lo abstracto se efectuó en una serie de obras que él mismo denominó Impresiones, Improvisaciones y Composiciones, como por ejemplo: Improvisación 14.

Primer cuadro abstracto:

Era una acuarela de Wassily Kandinsky considerada como la primera obra pictórica abstracta.

La primera pintura abstracta se encuentra fechada aproximadamente sobre el año 1910, se trató de la Primera acuarela abstracta de Wassily kandinsky. El nacimiento del arte abstracto fue bastante polémico, y no solamente por la datación de la primera pintura abstracta de la que acabamos de hablar, sino por el hecho de plantearse si esa Primera Acuarela Abstracta de Kandinsky fue anterior al Disco simultáneo de Robert Delaunay fechado en 1912.

Escultura Abstracta:

Autor: Eduardo Chillida (1924)
Tipo de obra: Escultura abstracta no figurativa en acero
Estilo: Informalismo
Cronología: 1959 - 1963

 Se entiende por arte abstracto el que prescinde de toda figuración (espacio real, objetos, paisajes, figuras, seres animados e incluso formas geométricas si se representan como objetos reales, con iluminación y perspectiva). Una obra abstracta, entendida de forma estricta, no puede hacer referencia a algo exterior a la obra en sí misma, sino que propone una nueva realidad distinta a la natural.

A lo largo del siglo XX ha habido muchos artistas plásticos que han pasado por la abstracción. La escultura abstracta persigue los mismos fines que la pintura abstracta.

Eduardo Chillida:                                                                                                            

El máximo representante de la escultura informalista en España, es Eduardo Chillida (1924), un artista nacido en San Sebastián, con fama internacional y uno de los primeros conocidos y premiados fuera de España.
Aunque estudio arquitectura, Chillida se dedico a la escultura desde 1947 y sus primeras obras arrancan por un lado de la escultura primitiva (la Grecia arcaica y los kouroi, corno la serie Torsos, de 1950), y de Henry Moore, al que conoció en sus viajes al extranjero. De la primera extrae la solidez y el aire totémico propios de ella, pero también de la escultura de vanguardia, y del segundo, la idea de monumento sólido. 
En 1951, lleva a cabo un cambio importante: introduce el hierro, trabajando con un herrero en la forja. Allí Chillida encuentra sus raíces: las tradiciones vascas, propias de una sociedad rural y también la artesanía de esa sociedad. A partir de entonces, a partir de piedras funerarias, la estela funeraria que realiza en 1951, su primera escultura abstracta o no figurativa, corno el mismo la denomina, Chillida pone sus esculturas a hablar en euskera (y esto es importante en un Estado que prohibía las lenguas vernáculas).Los materiales tradicionales: madera y hierro forjado y formas que se enraízan en la cultura vasca, instrumentos de labranza hincados con fuerza en el tronco de madera, que deja de ser simplemente base para convertirse en escultura.

Las formas en Chillida Tanto en el Chillida denominado íntimo, como en el que trabaja a escala humana, como en el que hace piezas para interiores, como en el que crea obras para los espacios públicos, encontramos unos juegos constantes de masas y volúmenes, habitados por el aire, que nos muestran su preocupación por situarse en el linde de las cosas, las materiales y las espirituales, siguiendo un discurso no lejano del que contraponía el lleno y el vacío en la filosofía griega, una oposición paralela en la que se establece entre la materia y el espacio, en un sentido más profundo. Entre el ser y el no ser.                                                                                                                               Chillida  define los espacios, va abriendo huecos y ventanas y descubriendo los vacíos, para situarse en los límites de las formas. Muchas veces se ha asociado la obra de Chillida con la arquitectura, el mismo se ha definido como el "Arquitecto del Vacío" y esto no se puede negar en cuanto al uso que hace de los elementos tridimensionales, aunque los elementos que trabaja Chillida son esencialmente proto - arquitectónicos- es decir se sitúan en un estadio previo, que no tiene como objetivo construir, sino articular, trabajar con la masa y el vacío y conseguir del hierro, la madera el alabastro, el hormigón o las cerámicas una nueva dimensión.

En 1951, en Hernani, lleva a cabo un cambio importante: introduce el hierro, trabajando con un herrero en la forja. Allí Chillida encuentra sus raíces: las tradiciones vascas, propias de una sociedad rural y también la artesanía de esa sociedad. A partir de entonces, a partir de Ilarik (piedras funerarias, en euskera), la estela funeraria que realiza en 1951, su primera escultura abstracta o no figurativa, corno el mismo la denomina, Chillida pone sus esculturas a hablar en euskera (y esto es importante en un Estado que prohibía las lenguas vernáculas). Materiales tradicionales – madera y hierro forjado – y formas que se enraízan en la cultura vasca, instrumentos de labranza hincados con fuerza en el tronco de madera, que deja de ser simplemente base para convertirse en escultura.

Cine Abstracto:

El cine abstracto es un subgénero del cine experimental, consistente en una oposición al cine convencional al representar solo la noción o una relación a una representación completa. Lo anterior puede aplicarse en cualquier campo, en los guiones de los personajes, en las características del reparto o incluso en los objetos a utilizarse dentro de un filme; sin embargo muchos casos de abstracción en el cine se han vuelto comunes en el cine regular. La abstracción se ha convertido en un hecho común en cualquier filme aunque con el tiempo había caído en desuso la producción de películas netamente abstractas, para principio de la década de 1990 resurgió una nueva ola de filmes abstractos sustentándose en el cine experimental que le ha dado un nuevo desarrollo.

Comienzos:

El cine abstracto comenzó a existir casi al tiempo del cine común. Algunas de las primeras imágenes en movimiento abstracto que han sobrevivido son las producidas por un grupo de artistas alemanes que trabajarían en los primeros años de la década de 1920, este movimiento se denominaría como cine absoluto. Personas como Walter Ruttmann, Hans Richter (artista), Viking Eggeling y Oskar Fischinger presentarían diferentes enfoques de la abstracción en movimiento: como una analógica a la música, o como la creación de un lenguaje absoluto de la forma, un deseo común a principios del arte abstracto. Ruttmann escribió de su trabajo cinematográfico como "pintura en el tiempo."
Más adelante entre se destacarían artistas como Robert Wiene, Fernand Léger y Dudley Murphy (considerados como algunos de los pioneros del cine experimental. Existe toda una tradición de cine abstracto con la que habitualmente identificamos el cine experimental.
A menudo las abstracciones en el cine buscan cambiar una forma para variar el sentido, aunque llegaran a mostrarse imágenes sin ningún significado obvio en escena, serían estas las que nos llegarían a dar alguna sensación o representación con algún valor.
Videos:
http://www.youtube.com/watch?v=yI1Wr-mKjT4&feature=related
http://www.youtube.com/watch?v=iOcDZLtZl3A&feature=related
http://www.youtube.com/watch?v=btVGCqpIoyk&feature=related
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http://www.youtube.com/watch?v=vUOhIZF9iaQ&feature=related

Kazimir Malévich

Kazimir Malévich

Kazimir Severínovich Malévich (11 de febrero de 1878 - 15 de mayo de 1935) fue un pintor rusosuprematismo. creador del Suprematismo.

Biografía

Su padre era un mal supervisor en refinerías de azúcar por lo que se ve obligado a viajar constantemente. En Konotop se dedica exclusivamente a pintar y produce su primera obra. A mediados de los años noventa consigue ser admitido en la Academia de Kiev.

En 1886 la familia se traslada a Kursk, donde el padre consigue un trabajo en el ferrocarril. A través de reproducciones, Malévich conoce el trabajo de Iván Shishkin e Ilya Repin, dos pintores naturalistas pertenecientes a un grupo conocido como Los itinerantes.

Empieza a pensar que su misión como artista es representar la naturaleza lo más objetivamente posible. Entre los empleados del ferrocarril, encuentra algunos aficionados y amantes del arte con los que forma una asociación y un estudio cooperativo. Allí oye hablar de las Escuelas de San Petersburgo y Moscú. Siente la necesidad de formarse académicamente y va a Moscú en 1904. Su trabajo, en esta época, siempre pintura del natural, se hace cada vez más impresionista. Fue un período relativamente largo y estable, en el que su atención se centra en los estudios de paisajes, con composiciones sólidas, a pesar de la fragmentación.

En Muchacha con flor de 1903 se advierte un acercamiento al estilo de Bonnard. En esta etapa impresionista, Malévich reinterpreta la descomposición y la saca hacia la superficie de la tela, concentrándose en el plano pictórico, lo cual le posibilita el desarrollo de otros sistemas; de hecho, todos los artistas rusos pasaron por una etapa impresionista cuando ya este movimiento había pasado en Francia, aportándole entonces elementos y hallazgos de las últimas tendencias.

A su llegada a Moscú, visita la Escuela de Pintura, Escultura y Arquitectura. En la primavera de 1905 vuelve a Kursk y sigue pintando del natural: su trabajo adquiere una calidad neoimpresionista.

En 1907 tiene lugar la exposición Vellocino de Oro, en la que se incluye una importante aportación de arte francés (Pierre Bonnard, Georges Braque, Paul Cézanne, André Derain, Paul Gauguin, Albert Gleizes, Henri Matisse, etc) y del español Pablo Picasso, que Malévich ve por primera vez.

En 1908, se advierte en su obra un interés creciente por los iconos rusos y el arte popular (Relajación); Bañistas, este mismo año, aporta al estilo impresionista algunos elementos del estilo moderno, y en los autorretratos de finales de la década Malévich evidencia las influencias del Fauvismo y el Expresionismo; sin embargo, es el Neoprimitivismo el estilo moderno que más le influye, un estilo en el que retrata campesinos trabajando en los campos o en las iglesias, con formas densas y sólidas, en actitudes estáticas, casi congeladas, en donde descubre una nueva forma de construir el cuadro sólo a través del volumen.

En 1911 muestra en el Primer Salón de Moscú tres series de obras (amarillo, blanco y rojo) en las que intenta integrar sus experimentos con el color en un nuevo sistema. En Abril participa en la tercera exposición del grupo de San Petersburgo Unión Joven, junto con Goncharova, Lariónov y Vladímir Tatlin. 1911 es también el año de su época cubista, de un cubismo ortodoxo cercano al del Braque y Picasso. En 1912 pinta Afilador, donde combina sus método personal con los del Futurismo.

"El afilador"

A finales de 1912 diseña los decorados de la ópera Victoria sobre el sol de Matiushin y Kruchónij; los figurines contenían muchos de los esquemas compositivos del futuro Suprematismo. También son de 1913 algunas de sus obras cubofuturistas.

En Moscú 1915 es el año del nacimiento del Suprematismo, en un texto escrito por Malévich para presentar su propio trabajo en la segunda exposición futurista, también llamada 0,10; en esta exposición cuelga treinta y nueve obras abstractas y las presenta como el nuevo realismo pictórico, entre ellas el famoso Cuadrado Negro, que supone un giro capital en la evolución de Malévich y de toda la pintura moderna.

"Cuadro negro sobre fondo blanco"

(Inciso) Interpretación de cuadro negro sobre fondo blanco

• Suprematismo: Malevich en su vida artística pasó rapidamente de la figuración a la abstracción y al futurismo. Por eso dio un paso más, creando el Suprematismo. Es una tendencia a lo más básico, la línea, el plano.
• Choque: Cuadrado Negro supuso una bofetada de sorpresa a los espectadores, acomodados y sin interés en las innovaciones artísticas. Supuso que buscaran una nueva forma de ver y entender el arte, diferente a la que hasta ahora habían tenido. Concibe el nuevo arte, poco a poco, como algo vinculado a lo industrial y a lo revolucionario del momento.
• En busca: Malevich buscó formas puras, simples, que no podía encontrar en la naturaleza. Con un gran misticismo detrás, el Suprematismo para ellos era el lenguaje para explicar la cosmología del universo, ya que es lo más puro, fuera de la realidad.
• Estandarte: La importancia de Cuadrado Negro a lo largo de la historia del arte ha sido de una importancia atroz. A simple vista no puede parecer mucho, pero ayudó a abrir la mente de los espectadores e incentivar las ansias revolucionarias del momento. Sin su cuadro, que usó Malevich como estandarte para su propia tumba, seguramente nuestra sociedad actual no sería tan abierta, tan plurral y tan innovadora.

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Publica un pequeño folleto que titula Desde el cubismo al suprematismo en arte, el nuevo realismo en pintura, hacia la absoluta creación, en donde explica el significado de su nuevo trabajo; al año siguiente edita un nuevo folleto titulado Desde el cubismo y el futurismo al suprematismo, el nuevo realismo pictórico.

Con el suprematismo, Malévich reduce los elementos pictóricos al mínimo extremo (el plano puro, el cuadrado, el círculo y la cruz) y desarrolla un nuevo lenguaje plástico que, según él, “podría expresar un sistema completo de construcción del mundo.”

Se plantea con el Suprematismo, la tarea ingente de recodificar el mundo". El sistema fue construido en toda su complejidad. Malévich escribió: "Las claves del Suprematismo me están llevando a descubrir cosas fuera del conocimiento. Mis nuevos cuadros no sólo pertenecen al mundo". "Cuadrado Negro no sólo retó a un público que había perdido interés por las innovaciones artísticas, sino que hablaba como una forma nueva de búsqueda de Dios, el símbolo de una nueva religión".

En 1916 continúa con sus actividades públicas para dar a conocer la nueva tendencia: con Ivan Puni, otro suprematista, da una lectura popular-científica sobre el Cubismo, el Futurismo y el Suprematismo, así como una demostración de cómo el dibujo del natural es la base del Cubo-Futurismo.

En 1918 es llevado a Petrogrado para dirigir uno de los Estudios de los Talleres Libres del Estado; diseña los decorados para la gran obra de Vladimir Maiakovski Misteria Bouff, dedicada a la revolución y representada en Petrogrado.

Ese mismo año (1919) participa en la Conferencia sobre los Museos, donde se decide establecer los Museos de Cultura Artística, museos sólo para el arte de vanguardia; participa en la X Exposición Anual en Moscú con dieciséis obras suprematistas, entre ellas, las serie de cuadros blanco sobre blanco que son contestadas por Alexander Rodchenko con la serie de negro sobre negro. En junio termina su largo ensayo teórico Sobre el nuevo sistema de Arte. En septiembre, por sugerencia de El Lissitzky, acude a trabajar a la Escuela de Arte de Vítebsk, donde trata de introducir un nuevo concepto de educación artística, en el que todas las formas del arte se basen en el Suprematismo y se integren en un sistema universal. En diciembre de 1919 tiene lugar la primera retrospectiva de su obra en la XVI Exposición Nacional de Moscú.

"Cuadro blanco sobre fondo blanco"

En 1921 surgen diferencias en torno al método y trata de instaurarlo en Moscú, donde choca con las ideas del Constructivismo. El años siguiente completa su texto Suprematismo, el mundo como No-objetividad y participa en una exposición colectiva en Berlín con obras cubistas y suprematistas. La exposición viajará más tarde al Stedelijk Museum de Ámsterdam.

En 1923 comienza sus investigaciones sobre una arquitectura suprematista en diversos dibujos y apuntes, y es nombrado director del nuevo departamento de investigación del Museo de Cultura Artística.

En 1925 asume la dirección del departamento de investigación dejado por Tatlin, y realiza modelos en madera de su arquitectura suprematista a los que denomina arkhitektons. En 1926 el departamento del Museo cierra, y él termina su texto Introducción a la teoría del elemento adicional en pintura, que no llegará a publicarse. En 1927 conoce a Gropius y a Moholy-Nagy. Planea la idea de rodar una película suprematista con Hans Richter. A su vuelta de Alemania continúa trabajando en el Instituto Estatal para la Historia del Arte en Leningrado.

En 1929 los historiadores del Instituto, que no están de acuerdo con sus ideas, se las arreglan para echarlo, pero es solicitado para trabajar dos semanas y media por mes en el Instituto de Arte de Kiev. 

En 1930 es detenido e interrogado y algunos amigos queman algunos de sus manuscritos.

En 1935 participa con cinco retratos en la Primera Muestra de Artistas de Leningrado, que será su última exposición en la Unión Soviética hasta 1962. En 1936, sus obras dejadas como regalos durante su viaje a Alemania son seleccionadas por Alfred H. Barr, director del Museo de Arte Moderno de Nueva York, para ser incluidas en cubismo y arte abstracto. Muere el 15 de mayo de ese año y como homenaje a su contribución al arte, el ayuntamiento de Leningrado costea sus exequias.

"Círculo negro sobre fondo blanco"

Malévich y el Suprematismo

Suprematismo significaba una pintura que permitía captar formas y color, pero que no evocaba asociaciones ni sentimientos. Pretendía, de una manera mística, expresar estados "puros" de conciencia o de inconsciencia no alterados por pensamientos reales. Elegía formas geométricas porque era lo más simple. Se llegó a prescindir del color porque excitaba la emoción.

Para Malevich "la pintura se compone de forma y color dichas formas no serán la repetición de los objetos que viven en la vida, sino serán en sí mismas un objeto vivo. La superficie coloreada es la forma viva real".. Su postura era esencialmente un idealismo filosófico, en el que esas formas primarias descubiertas por la intervención de lo que él llamaba "razón intuitiva" -en especial el cuadrado- no eran secundarias respecto a las formas reales del mundo sino que constituían un equivalente armonioso de las mismas.

"Supremus n.58, 1916"

En contraste con el deficiente "realismo de la pintura figurativa", que para Malevich es una mera copia de la realidad existente, cuya profundidad y riqueza nunca puede igualar, las formas del suprematismo existen al lado de las formas de la naturaleza: "el nuevo realismo pictórico, concretamente pictórico, ya que en él no existe el realismo de las montañas, del cielo, del agua".

El proyecto vanguardista de Malevich que había empezado como un antinaturalismo e irracionalismo futurista continuó, por tanto, con una campaña ambiciosa por la autonomía de la creación y de la forma artística. De hecho, parece que Malevich creía que la universalidad potencial y la autonomía formal absoluta del arte suprematista capacitaban este arte no sólo como el más moderno de los estilos vanguardistas, sino más bien como la base estética potencial de un completo, nuevo orden mundial. Por lo tanto, Malevich fue uno de los primeros y más potentes generadores de ese sueño utópico de la década de 1920 que empezó a tener el movimiento europeo moderno más extenso: la idea de que los problemas insolubles de la existencia social moderna podían ser resueltos solamente si eran planificados con una base estética, con el artista abstracto autorizado como el planificador ideal.

¿Un Suprematista de hoy en día?

Aunque quizá su estilo se ajuste más a "Escultura mágnetica", muchas de las obras de Herminio  Álvarez aparentan ser suprematistas. La simpleza de las formas, el estilo monocromático y la ausencia de detalles hacen que pueda ser considerado a este escultor un Suprematista del S XXI.

Fragmeto de crítica por Luis Feás en La Voz de Asturias:

"Entre las innumerables razones por las que hay que admirar a este escultor de La Caridad está su inagotable capacidad de trabajo, siempre recorriendo caminos insólitos, ensayando soluciones novedosas, experimentando motivos distintos, hasta el punto de que llega un momento en el que es difícil seguirle, pese a que se trata de un escultor tardío con una carrera autodidacta no demasiado dilatada en el tiempo. De los dos acabados que prefiere, el más impuro, hecho con materiales pobres como alambres y maderas encontradas, y el más puro, realizado con materiales resistentes como el aluminio en estrictas líneas geométricas y colores sin mácula, se ha decantado en esta ocasión por el segundo, en negros y rojos brillantes, impecables. Son en total doce piezas grandes, tanto en tamaño como sobre todo en concepción y desarrollo, dibujos en el espacio creados con el método más científico que existe, el del ensayo y el error, tamizado por una intuición prodigiosa, que le permite mantener equilibrios imposibles mediante empíricos sistemas de contrapesos y campos magnéticos producidos por imanes, explicación fácil y ocurrente de su indiscutible atractivo.
Llama viva"

Web Herminio Escultor

Eduardo Giménez Magallón