Takashi Murakami

                        

         Takashi Murakami (Tokio, 1962) es uno de los artistas más influyentes del Japón de posguerra.

         Cursa estudios en la Universidad Nacional de Bellas Artes y Música de Tokio donde obtuvo un Graduado en Nihonga (pintura tradicional japonesa). En 1990 se introduce en el arte contemporáneo bajo la tutela de su compañero y amigo, el artista Masato Nakamura. En 1993 crea su álter ego Mr. DOB, y comienza a ser reconocido dentro y fuera de Japón por su particular síntesis entre el arte tradicional japonés, las corrientes contemporáneas de su país como el anime y el manga y la cultura americana, fundamentalmente la corriente pop. De ahí que pronto sea denominado el Andy Warhol japonés.

         Su obra abarca múltiples formas artísticas, desde la pintura a la escultura, el diseño industrial, el anime, la moda y otros medios y objetos merchandising de la cultura popular.

                         

          Murakami pertenece a una generación de artistas que comenzaron a destacar durante el auge económico que vivió Japón a finales de la década de 1980 y cuyo lenguaje pictórico recurre a motivos ligados a la cultura popular.

          Su obra transmite una visión crítica de la sociedad japonesa actual, el legado de la tradición cultural del país, su evolución tras la Segunda Guerra Mundial y su relación con el mundo occidental, especialmente con EEUU.

          En sus escritos acuñó el estilo artístico “Superflat”, término que ha servido también para calificar su obra, y que, además de caracterizarse por la bidimensionalidad, critica la propia estructura del arte, desdibujando los límites entre la alta y baja cultura.

         Su trilogía de exposiciones “Superflat”: Superflat (2000), Takashi Murakami: Kaikai Kiki (2002) and Little Boy (2005) se ha exhibido en importantes Museos de todo el mundo como la Parco Gallery en Tokio, The Museum of Contemporary Art (MOCA) de Los Ángeles, la Fondation Cartier pour l’art contemporain en París o en la Serpentine Gallery de Londres. A lo largo 2008 y 2009 el artista ha sido celebrado con ©Murakami, la gran retrospectiva que hasta el mes de mayo se exhibe en el Museo Guggenheim Bilbao, y que anteriormente fue presentada en el Museum of Contemporary Art (MOCA), el Brooklyn Museum de Nueva York y el Museum für Moderne Kunst de Frankfurt.

         Instituciones como el Museo de Arte Contemporáneo del siglo XXI de Kanazawa, del Museum of Fine Arts, Boston, del Museum of Modern Art, Nueva York, del San Francisco Museum of Modern Art, de la Queensland Art Gallery y del Walker Art Center, Minneapolis, albergan obra de este polifacético artista que, además de colaboraciones en proyectos de diseño industrial, música o moda, es comisario, mecenas, crítico y precursor de ferias de arte.

Influenciado por la CULTURA AMERICANA, el POP ART y, sobre todo, por ANDY WARHOL

         Desde su infancia ya se vio influenciado por la cultura americana gracias a su padre, que trabajaba en una base naval estadounidense.

         Posteriormente, se interesa enormemente por el cine de Hollywood (George Lucas y Steven Spielberg, principalmente), los dibujos animados de Walt Disney y el Pop Art, sobre todo, por Andy Warhol.

Desde su infancia ya se vio influenciado por la cultura americana gracias a su padre, que trabajaba en una base naval estadounidense.

         Como Andy Warhol, Murakami fusiona la alta y baja cultura, empleando imágenes y temas de la cultura popular como tema principal de sus obras. En sus originales teorías, se refiere a este concepto como Superflat. Murakami aprendió de artistas pop como Warhol, Roy Lichtenstein y Richard Hamilton, a cuestionar el significado de la palabra “pop”. Tras investigar sus obras, llegó a la conclusión de que pop es la cultura de los países que resultaron victoriosos de la II Guerra Mundial, mientras que entre las naciones derrotadas este concepto nunca se consolidó. De acuerdo con Murakami, los países que perdieron la guerra no tienen la capacidad necesaria para equiparar su desarrollo económico al de la época, y todo lo que producen tiene que ser a bajo coste. Murakami no trata de crear pop sino unas obras que nacen de un entorno plano. El arte Superflat pretende confrontar el pop. Murakami aprendió que el secreto del éxito depende de una combinación entre el desarrollo de múltiples actividades extra-artísticas y la creación de iconos para museos. Y aunque la estrategia fundamental de Murakami es muy parecida a esto, sus actividades fuera de lo propiamente artístico constituyen una parte crucial de la ecuación, y no son tanto una burla de los convencionalismos comerciales y de la organización de exposiciones cuanto una incorporación muy seria de aquéllos.

Murakami utiliza referencias del ARTE TRADICIONAL JAPONÉS

          Murakami cursó estudios de nihonga, un estilo pictórico japonés de finales del siglo XIX. El nihonga combina cualidades artísticas de occidente y oriente, representa temas tradicionales y emplea pigmentos naturales.

          También se ha visto influido por otros aspectos de la tradición japonesa, como la iconografía budista, los rollos de pinturas del siglo XII, la pintura zen y las técnicas de composición de la pintura excéntrica del período Edo del siglo XVIII.

Algunos personajes

          Murakami crea personajes que se convierten en iconos, incluso en logos, de su imaginario universo visual.

- En 1993 crea a Mr. DOB como su alter ego, una forma de autorretrato.

- Kaikai and Kiki son dos personajes que representan a los guardianes espirituales del artista. Uno es blanco con orejas largas y boca sonriente (Kaikai), y el otro es de color rosa con orejas cortas, tres ojos y dientes atiburonados (Kiki).

- Oval es otro personaje creado por Murakami.

         Su cabeza tiene dos caras. Una es meditativa, con una gran boca cerrada que recuerda a la de un sapo y una pequeña perilla como la de un emperador japonés, o, de hecho, como la del propio artista. La otra cara muestra la boca abierta en una especie de sonrisa, exponiendo aterradores dientes atiburonados. El pequeño cuerpo está sentado sobre una base de loto que el artista ha tomado prestada de la estatuaria budista Kamakura del siglo XII. La figura y la base se erigen sobre un elefante aplastado, el símbolo budista de la resistencia y la fuerza inquebrantables.

 

©MURAKAMI en Bilbao

        ©MURAKAMI es la retrospectiva más importante dedicada hasta la fecha al japonés Takashi Murakami (Tokio, 1962).

        Escultura, pintura, moda, animación y objetos merchandising se intercalan a lo largo de 2.000 metros cuadrados de la tercera planta del Museo, en un recorrido cronológico en el que los trabajos del artista adquieren una nueva dimensión en conjunción con los sinuosos y luminosos espacios del edificio de Gehry.

Una ocasión única para disfrutar del particular universo creativo de Murakami cuya obra navega entre el arte tradicional japonés, corrientes niponas contemporáneas como el anime (animación) o el manga (cómic), y movimientos artísticos como el Pop americano o el Surrealismo europeo

 

©MURAKAMI en Versailles

        "Es la exposición más compleja que he realizado", reconoció el artista japonés durante la presentación. "No solamente por el lugar histórico en el que se enmarca, sino también por su contexto político". Al igual que ocurrió con la del estadounidense Koons, la exposición ha levantado ampollas entre los sectores más clacisistas. Un grupo denominado Versailles mon amour ha recogido ya más de 4.000 firmas en Internet en contra del proyecto. Mañana hay convocada una manifestación frente al Palacio. "Es bueno que una exposición suscita debate", señaló el ex ministro de Cultura y director del Museo y los Dominios de Versalles, Jean-Jacques Aillagon. "Me gusta el debate y la diversidad de opiniones".

Otras obras

Luisa Yolanda Sánchez Castellanos

Anish Kapoor

Anish Kapoor ( Bombay, 1954) es uno de los escultores indios más influyentes de su generación. Kapoor ha vivido y trabajado en Londres, a principios de los 70 se mudó a esta ciudad para estudiar arte, primero en el Hornsey College of Art y más tarde en la Chelsea School of Art Design.

Dado que procede de una familia con una gran diversidad de nacionalidades, Anish Kapoor se define como un outsider y que no le gusta ser identificado con una determinada nacionalidad ( hindú o britanica).

Se educó en sus primeros años en India en la "Doon School". Más tarde se muda a Gran Bretaña y concurre al "Hornsey College of Art" y al "Chelsea School of Art & Design" en el R.U.

Kapoor alcanzó rápidamente fama desde los años 80. Desde entonces ha ganado la aclamación internacional, exhibiendo ampliamente en todo el mundo en lugares como la Tate Gallery y la Hayward Gallery en Londres, Kunsthalle de Basilea, Múnich, Deutsche Guggenheim de Berlín, el Reina Sofía en Madrid, MAK Viena, el ICA de Boston y el Kunsthale de Basilea.

Dentro de todas las obras, son paradigmáticas las relaciones entre opuestos complementarios, como presencia/ausencia,materialidad/espiritualidad, densidad/vacío, inquietudes que le acercan a Joseph Beuys, Yves Klein y Robert Rymann. Cuando Kapoor fue invitado a intervenir la sala de Turbinas de la Tate Modern (2002) levantó una descomunal estructura horizontal para romper la lógica vertical del espacio. “La historia de la escultura, de los objetos -comenta-, es paralela a la historia de los materiales. Desde la Edad del Bronce en adelante la cuestión de la materialidad es fundamental. Lo que me interesa es que para cada materialidad existe una inmaterialidad. Esto puede ser visto como una cuestión mística, desde luego. Uno de los fundamentos de la vida es la conciencia, que es inmaterial y misteriosa. A la vez, los objetos tienen la capacidad de ‘jugar' con lo físico y lo no físico. Esta cuestión es, finalmente, filosófica, y nos lleva hacia el ‘de dónde venimos'. El estudio es un lugar en el que el artista puede ser cualquier cosa... trabajar en él es una especie de ritual pensado para dejar que las obras se produzcan a sí mismas”.

En cuanto a la metodología y el propósito de su trabajo dice que se siente realmente un artista abstracto y que hace arte abstracto. Una de las condiciones de la abstracción es precisamente su idoneidad para ir hacia el principio de las cosas, al principio de la conciencia, al primer día y al primer minuto. Es por eso por lo que me interesa que los objetos se autocreen, aunque sea una ficción. Mis objetos, son objetos que tienden hacia el principio. Este es el gran reto... porque no sabemos lo que es ese principio. Quizás el Big Bang fue real o tal vez fue una ficción... dice que la realidad es algo físico, está ahí, pero la imaginación va por otros derroteros.

Sus trabajos se exponen en todo el mundo, en particular: Museo de Arte Moderno de Nueva York, Tate Modern de Londres, Fundación Prada en Milán, Guggenheim en Bilbao, De Pont Foundation en los Países Bajos, y Siglo 21 Museo de Arte Contemporáneo de Kanazawa, Japón.

"1000 nombres" (1980)

"Como para celebrar lo que he descubierto". (1981).

Desde comienzos de los años 80 del siglo pasado las obras de Kapoor han ido adquiriendo progresivamente más notoriedad, en un abanico de producciones que se encuentra a medias entre lo conceptual y lo minimalista, pero siempre desde un punto de vista que refleja con claridad los rasgos de su formación multicultural. De este modo, sus primeras obras nos muestran formas geométricas realizadas a base de pigmentos de colores que evocan la sensualidad de los lugares donde el escultor residió en sus primeros años. De hecho, el propio artista afirma que para él el color no es únicamente un medio, sino una sustancia en sí misma, algo que tiene un valor físico.

"Sin título" (1990).

Aunque siempre ha mantenido su interés por la simplicidad de las formas, en un momento que podemos situar aproximadamente a comienzos de la década de los 90 Kapoor, sin olvidar del todo sus intereses anteriores, inicia una nueva etapa caracterizada por dos cuestiones: de una parte, se siente atraido por la experimentación con nuevos materiales (maderas, diversos metales, resinas...); de otra, muestra una tendencia a aumentar las dimensiones de sus esculturas que, en ocasiones alcanzan tamaños verdaderamente gigantescos. Resulta así que, con frecuencia, el espectador situado ante una de estas obras tiene ante sí un objeto de gran tamaño y de enorme simplicidad, habitualmente de formas curvadas y de un único color brillante que parece invitarle, desde su misma sencillez, a la indagación sobre cuestiones ancestrales, primarias: las dualidades entre lo celeste y lo terrestre, entre la luz y la sombra o entre la materia y el espíritu.

"Marsyas" (2002, Londres)

Podemos concluir afirmando que en el panorama de la escultura actual la producción de este artista de ninguna parte y de todos los sitios al mismo tiempo, de ninguna cultura y de todas a la vez, brilla con luz propia porque consigue crear una poética de la materia, construida desde la creencia de que lo explícito no ha de ser el objetivo perseguido por el escultor y según la cual corrresponde al propio espectador encontrar un significado a la que se presenta ante sus ojos. Como ejemplo: la gigantesca escultura instalada en Chicago. Pesa más de 110 toneladas y alcanza aproximadamente 22 metros de largo, 13 de ancho y 10 de altura. Con ese tamaño, ese aspecto mercurial y esa forma de nube, sí que resulta posible "estar dentro del exterior de un agujero". La contradicción es la base de la vida.

"Puerta de nube" (2004-2006). Chicago.

También empezó el proyecto de la torre Orbit para los JJ.OO de Londres de 2012.

El alcalde alabó el trabajo de Kapoor y de él señaló que posee una imaginación capaz de crear objetos considerados unánimemente bellos.

Exposición de Anish Kapoor en el museo Guggenheim de Bilbao.

• Las obras de Anish Kapoor (Bombay, India, 1954) expuestas en el Museo Guggenheim Bilbao son, en su mayoría, de gran formato y han sido creadas en los últimos treinta años. En ellas la interacción con el público es fundamental

• Se trata principalmente de esculturas de colores intensos, con ricas texturas resultado del empleo de materiales industriales, como el cemento, el acero patinable, el aluminio, la cera, las resinas o los pigmentos, y creadas con el objetivo de provocar y generar sensaciones en quienes las observan.

• Las obras intervienen claramente en la arquitectura y en el espacio en el que se ubican y, en numerosas ocasiones, se trata de obras creadas para espacios públicos, a menudo exteriores.

Fue el primer artista vivo en llenar con sus grandes esculturas las salas de la Royal Academy londinense.

Video en la Royal Academy : http://www.youtube.com/watch?v=umVSGErfg8E

http://www.youtube.com/watch?v=CPk3ObBJSgM&feature=related

Jose Antonio García Martínez

Erik Grohe

Nació en la ciudad de Nueva York en 1944.  Se trasladó a la Costa Oeste, cuando era joven, actualmente reside actualmente al norte de Seattle, Washington.  Su carrera profesional como ilustrador y diseñador gráfico comenzó en Seattle en 1961, brevemente interrumpida por un período de servicio en Vietnam.  

 De vuelta en casa, Eric fue contratado como diseñador gráfico por Naramore, Bain, Brady y Johanson, una firma arquitectónica nacional.  Más tarde trabajó con el departamento de Arqueología Universidad de Cambridge., Ilustrando excavaciones en Francia, Grecia, Israel e Inglaterra. Eric retorna a Estados Unidos, trabajando en la ciudad de Nueva York como ilustrador freelance.

En 1973, le encargaron el diseño de gráficos para Expo'74 en Spokane, Washington. 

En ese momento, él comenzó a recibir comisiones por sus obras de arte, que han seguido creciendo en alcance y tamaño, lo que hoy en día a gran escala murales trompe l'oeil.  

 

Eric suele trabajar solo pero su mujer, quien es artista también, es su ayudante de proyectos.

Sobre su arte:

Eric Grohe trabaja junto con arquitectos, diseñadores etc. Eric Grohe crea murales que transforman el medio ambiente y también las calles de muchas ciudades. Eric cree que su arte está creado envolver, desafiar e inspirar al espectador; no solo adornar sino también integrarlo con la arquitectura que lo rodea.

Normalmente la creación de estos murales lleva meses, dando a los lugareños una oportunidad de ver el mural día a día avanzando.

Grohe continúa renovando su tecnología, métodos y equipamiento que asegura la efectividad de su trabajo. Para proyectos exteriores de larga escala, prefiere utilizar *Pintura Mineral Keim de Alemania. Los murales pintados con Keim han mantenido su apariencia original hasta nuestros días. La pintura se cristaliza en sustrato mineral y no se desvanece, despelleja o crea burbujas. Grohe es uno de los únicos de Estados Unidos que logra dominar este estilo de pintura.

*Pintura Mineral Keim:  La pintura de silicato y revestimiento Keim, está hecha de vidreo soluble y pigmentos minerales naturales e inorganicos. Combinados, la tecnología KEIM ofrece una belleza y protección sin igual, que dura décadas. A diferencia de las pinturas o manchas tradicionales, la pintura de silicato Keim penetra en el sustrato y por reacción química crea un enlace covalente, formando un recubrimiento transpirable microporosa que es altamente permeable al vapor y resistente al agua. También protege contra la contaminación, lluvia ácida etc. sin si quiera mutarse.

Futuros proyectos:

El museo "Agua Caliente Cultural Museum" es el primer museo nativo de América que es partícipe del "Smithsonian Institution Affiliations Program".
Grohe está diseñando actualmente, un mural para una cúpula de un diametro de 51 metros, para el museo circular llamado "Welcome Galery".

  Otras obras:

Waterfall

Bucyrus
Bucyrus atardecer

Cornerstone Square

Swimming Pool

Dedication (Ohio) Sin pintar
Dedication (Ohio) Pintado

In the Beginning God Created. Orlando. Florida. Antes de ser pintado
In the Beginning God Created. Orlando. Florida. Después de ser pintado

Video de la creación de uno de sus murales

Página oficial con todos sus murales: Eric Grohe Murals and Design

Raquel Díaz Carrasco

 

Jeff Koons

                                 Joffrey koons.

 Jeffrey Koons nació en Pennsylvania en el año1955.E s un Artista estadounidense y  uno de los autores vivos más cotizados y también más polémicos. Con los años sus creaciones, inicialmente kitsch, han derivado hacia el monumentalismo, como en el caso de Puppy, el perro gigante que preside la entrada del Museo Guggenheim Bilbao.

Jeff Koons se formó en la School of the Art Institute of Chicago (SAIC) y se licenció en bellas artes por el Maryland Institute College of Art (MICA) de Baltimore en 1976. Ese mismo año se trasladó a Nueva York, donde sufragó la producción de sus primeras creaciones como corredor de bolsa en Wall Street. La habilidad de Koons en las transacciones bursátiles y comerciales se trasladaría también al mundo del arte, ya que desempeñó funciones de captador de socios para el Museo de Arte Moderno (MoMA) de Nueva York, con gran acierto. Esa experiencia iba a resultar decisiva en su posterior carrera artística, marcada por una clara visión mercantilista.

Su obra se iniciaría en 1979 con la serie “Inflatables”, objetos de vinilo (en su mayoría flores) colocados entre espejos, que mostraban ya la intención del autor de combinar el objeto representado con el entorno y los reflejos que del mismo aparecían en él. El gusto por lo kitsch y la utilización de objetos y motivos cotidianos en sus piezas convertirían a Koons en un trasgresor para algunos y en un impostor para otros: una figura polémica que despertaría a lo largo de su carrera odios y pasiones, pero que no dejaría a nadie indiferente.

A principios de la década de 1980, Koons realizaría las series “Prenew” y “The New”, en las que convivían cafeteras, aspiradoras, radiadores y demás utensilios presentes en la mayoría de los hogares. En “The New”, las aspiradoras, solas o en grupo, se combinaban de todas las maneras posibles en unas vitrinas de plexiglás con tubos fluorescentes. En 1984 presentó algunas de sus obras en la galería neoyorquina International with Monuments; los expertos lo adscribieron entonces al movimiento Neo-Geo (Neo-Geometric Conceptualism), que incluiría a figuras dispares como Haim Steinbach y Meyer Vaism.

Su fama crecía a la par que su producción se diversificaba, tanto en los temas tratados como en las técnicas y los materiales utilizados. En su serie “Equilibrium”, realizaba esculturas en bronce de objetos deportivos como pelotas de baloncesto, que se convertían también en motivo escultórico (tomando el relevo de las aspiradoras) en creaciones que simulaban peceras, pues los balones aparecían dentro de urnas de cristal medio llenas de agua. Paralelamente inició su estrecha relación con el mundo de la publicidad y el marketing con una serie de anuncios relacionados también con el mundo del baloncesto, protagonizados por famosos jugadores pero también por aficionados anónimos.

La vertiente comercial continuó con la serie “Luxury & Degradation”, en la que ponía su creatividad al servicio de anuncios de conocidas marcas de bebidas alcohólicas, para una de las cuales realizó una serie de pequeñas esculturas en acero inoxidable. Este material predominaría también en su siguiente serie, “Statuary”, en la que combinaba motivos clásicos (Busto del rey Luis XIV) con diseños modernos, como su famoso Conejo. “Banality” supondría a finales de la década una radicalización del gusto por lo kitsch, que llegaría a sus más altas cotas en esta serie. Porcelana, cristal, madera policromada y otros materiales le servían para representar todo tipo de objetos y motivos. A esta serie corresponde la representación en porcelana del cantante Michael Jackson con su mono mascota, Michael Jackson and Bubbles (1988).

A finales de la década de 1980, Koons inició una relación amorosa con la actriz porno italiana Illona Staler, Cicciolina, que presidiría su siguiente serie, “Made in Heaven”: esculturas de cristal, figuras de plástico, óleos, litografías y fotografías representan a los dos amantes en todo tipo de posturas amorosas, sin evitar un evidente carácter pornográfico. Koons y Cicciolina se casaron en 1991, y en 1992 nació su hijo Ludwig, pero la unión se rompió poco después, ocasionando un litigio legal por la custodia del pequeño en los años siguientes. Tras la separación, los motivos de la serie se sustituyeron por perros, gatos y flores, con una potenciación del mal gusto o de lo cursi y recargado según las interpretaciones.

La relación con Cicciolina y el escándalo de su ruptura afectaron al prestigio artístico de Koons, que en los años noventa vivió su peor época, si bien una de sus obras más conocidas data de 1992. Puppy, una representación de un perro gigante de más de doce metros de alto cubierto de flores, fue creado para una muestra de arte en Arolsen (Alemania) y se pudo ver también en Sydney y Nueva York, antes de trasladarse al Museo Guggenheim Bilbao, donde preside la entrada de forma permanente.

A partir de Puppy, la obra de Koons mostraría cada vez más una tendencia hacia el monumentalismo. “Celebration” se iniciaba con óleos sobre lienzo que representaban animales y objetos varios sobre unos fondos que parecían metalizados, una idea que daría paso, en la misma serie, a las primeras esculturas gigantes de acero inoxidable, como Balloon Dog, Hanging Heart o Balloon Flower, concebidas como objetos-globo en cuya superficie metálica se reflejaban las imágenes. “Elephant”, un elefante de acero inoxidable, y “Split Rocker”, otro perro floreado al estilo de Puppy e instalado en el Palacio de los Papas de Aviñón (Francia) desde 2000, fueron series continuistas en lo referente al gusto por las grandes dimensiones de las obras.

El cambio de siglo marcaría la recuperación del caché de Koons, que en sus siguientes series, “Easyfun”, “Easyfun-Ethernal”, “Popeye” y “Hulk Elvis”, combinaba pintura, escultura y elementos cotidianos como flotadores y animales hinchables infantiles. Las obras despertarían el recelo de muchos aficionados, pero se vendían a precios cada vez más altos.

Jeff Koons es tan conocido por sus polémicas obras como por su gran habilidad para darlas a conocer y conseguir que se revaloricen continuamente. No dudó en ser uno de los primeros artistas en contratar a un asesor de imagen y en iniciar campañas de marketing, que incluían anuncios con una fotografía suya a toda página en las principales revistas de arte. La comercialidad de su arte se basa en un amplio equipo de colaboradores, cerca de una treintena de personas con las que lleva a cabo una producción industrial del arte en la que no necesariamente el artista es el autor material de la obra que va a llevar su nombre. Este sentido colectivo en la creación artística recoge, de alguna manera, la tradición del célebre estudio de Andy Warhol, conocido como The Factory.

En noviembre de 2007, toda esta estrategia culminó al convertir a Koons en el artista vivo más caro: Hanging Heart, una obra por la que siete años antes se habían pagado 700.000 euros, se vendió por 15 millones de euros. El pintor británico Lucian Freud rompería ese récord en mayo de 2008 con los 21,7 millones de euros pagados por su obra Benefits Supervisor Sleeping. Un mes más tarde, Balloon Flower (Magenta), de Koons, alcanzó los 16,3 millones de euros, cifra récord en el artista.

Sus obras han sido exhibidas en museos de todo el mundo, y forman parte de colecciones públicas como las del Museum of Modern Art (MoMA) de Nueva York, el Whitney Museum of American Art y el Guggenheim Museum, también en Nueva York, la National Gallery y el Hirshhorn Museum de Washington, el San Francisco Museum of Modern Art (SFMoMA), la Tate Gallery de Londres, el Stedelijk Museum de Amsterdam o el Tokyo Metropolitan Museum.

En septiembre de 2008 se inauguró en los jardines del palacio de Versalles la primera retrospectiva dedicada al artista en Europa. A su escalada a la cima del mercado y su “toma” de Versalles hay que sumar las muestras que tuvieron lugar paralelamente en la terraza del Metropolitan neoyorquino (un perro salchicha, un corazón y un Winnie The Pooh), en el Museo de Arte Contemporáneo de Chicago y en la Neue Nationalgalerie de Berlín.

GERMANI CORPORÁN PIÑA.

Damien Hirst

Damien Hirst (Bristol, 7 de junio de 1965) es un artista británico, el más prominente del grupo llamado Young British Artists («jóvenes artistas británicos. Ha dominado la escena del arte en Inglaterra desde principios de los 90 y es internacionalmente conocido como el artista vivo con la obra mejor pagada. De pasado punk, arrestado un par de veces por robar en tiendas, drogadicto durante largos años. Mientras estudiaba bellas artes tuvo que trabajar por las noches en un depósito de cadáveres lo que influyó decisivamente en su carrera artística

La muerte es el tema central de su trabajo. Es conocido sobre todo por sus series de Historia natural ("Natural History"), en las cuales, animales muertos (como tiburones, ovejas o vacas) son preservados, a veces diseccionados, en formol. Uno de sus trabajos más icónicos es La imposibilidad física de la muerte en la mente de algo vivo (The Physical Impossibility of Death in the Mind of Someone Living). Se trata de un tiburón tigre de 14 pies de largo inmerso en una vitrina con formol. Debido a la descomposición del tiburón tigre, fue reemplazado con un nuevo especimen en 2006.

 

'La imposibilidad física de la muerte en la mente de alguien vivo', el tiburón, de algo más de cuatro metros de longitud, suspendido en un tanque transparente de aldehído fórmico, fue adquirido por unos 9,5 millones de euros por el multimillonario estadounidense Steve Cohen.

el tiburón, icono del llamado 'joven arte británico' de la pasada década de los 90, se deteriora rápidamente por culpa de cómo lo conservó el artista británico en 1991. Hirst, dijo que está en conversaciones con Cohen para reemplazarlo por otro de la misma especie antes de que se desintegre.

Se trata de la reproducción a tamaño natural de un cráneo humano en platino, enteramente cubierto por 8.601 diamantes, ni uno más ni uno menos, cuyo peso, según White Cube, es de 1.106 quilates. Para tranquilizar sin duda las conciencias de los supermillonarios con preocupaciones humanitarias, la galería asegura que los diamantes proceden de "zonas libres de conflicto" y que van debidamente acompañados de las "garantías escritas de que cumplen las resoluciones de las Naciones Unidas. fabricada por un conocido joyero de la londinense Bond Street, calle de las boutiques más caras de Londres: 75 millones de euros. Claro que hay que tener en cuenta, según ha explicado el propio Hirst, sólo el material ha costado seguramente más de 15 millones de libras, a lo que hay que añadir gastos de transporte y el seguro. No hay peligro de que se descomponga, como al parecer comenzó a ocurrirle al primer tiburón de Hirst, el pomposamente titulado 'La imposibilidad física de la muerte en la mente de alguien vivo', de 1991.

                                    
 

Lo cierto es que ambas obras(tiburón y oveja y otros entre otros animales disecados) nos invitan a una reflexión sobre la muerte y sobre la contemplación de la misma como espectáculo.

El unicornio bajo el título de "The Dream" (El Sueño) podria alcanzar los 3 millones de dólares (3,8 millones de euros) mientras que la instalación central, el toro, con un disco dorado sobre su cabeza como el buey Apis, dios solar en la mitología egipcia, y cuernos y pezuñas también de oro de dieciocho quilates, se llama "El Becerro de Oro".

 

Fines benéficos
Los beneficios de algunos de los lotes de la subasta de obras de Hirst irán a organizaciones no gubernamentales como Survival International, que lucha a favor de los pueblos tribales del planeta.

Una de las obras, la titulada "Bill with Shark", un óleo basado en una fotografía de Jean Pigozzi que muestra al fundador de Microsoft, Bill Gates, mirando uno de los tiburones en formol del propio Hirst, se venderá en beneficio de la organización Bill y Melinda Gates.

No es la primera vez que el artista contribuye a causas benéficas.

 

  

Esta gigantesca estatua de los interiores de una mujer embarazada se puede ver en Londres en la Real Academia de las Artes.

 

Otra de sus vertientes artísticas son las pinturas gigantes, (“spin paintings”), hechas en una gran supreficie circular.

 Silvia Gómez Camacho 2ºJ

EL INFORMALISMO

Informalismo

Movimiento pictórico europeo que tuvo gran aceptación en España, desarrollado a partir de 1945 en paralelo al expresionismo abstracto estadounidense. El término informalista se adoptó para referirse a la abstracción lírica, opuesta a las tendencias más próximas al cubismo o al rigor geométrico del neoplasticismo o De Stijl.
Aunque se ha utilizado con frecuencia como cajón de sastre donde incluir las más variadas tendencias, el pleno informalismo se introdujo en España a mediados de la década de 1950 de la mano de Juan Eduardo Cirlot y de los textos traducidos de Michel Tapié. Se pueden localizar dos focos artísticos: Madrid, con un predominio del informalismo expresionista, y Cataluña, donde la mancha, las texturas, el relieve y los nuevos materiales darán lugar al desarrollo del informalismo matérico. En el núcleo madrileño se puede incluir la obra de artistas como, los miembros del grupo de Cuenca (Fernando Zóbel, César Manrique, Alberto Greco, Lucio Muñoz y algunos integrantes del grupo El Paso (Antonio Saura y Manuel Millares). En Cataluña destaca la figura de Antoni Tàpies.


En 1951 el crítico de arte Michel Tapié presentó en Francia varias exposiciones que fueron dando forma al nuevo movimiento artístico. Por un lado organizó la muestra Vehemencias confrontadas, en la que mezcló obras de artistas franceses, italianos, americanos y canadienses con el fin de ofrecer las tendencias extremas de la pintura no figurativa.
Los informalistas, que huyen del arte figurativo para entrar en el abstraccionismo (Arte abstracto), buscan la autenticidad de la pintura, del puro acto de pintar, esto es, la caligrafía, las formas, la mancha y las texturas, huyendo de todo lo referente a la forma, a la voluntad formativa ,y a la estructuración racional. En definitiva, la expresión del mundo interior del artista.

Se han buscado diferentes influencias para justificar su estética, todas ellas discutidas y discutibles, desde el automatismo surrealista hasta el nihilismo dadaísta. Lo que sí es claro y aceptado por todos es que el informalismo es un término que unifica en su misma imprecisión a unos autores preocupados por explorar la materia, incorporando el valor de la textura, abordando tanto las posibilidades expresivas de los graffiti como el grattage o el Action Painting.

Alberto Greco (1931-1965)

Nació en Buenos Aires en 1931; murió en Barcelona ( España ) en 1965. Estudió en la Escuela Nacional de Bellas Artes y en los talleres de Cecilia Marcovich y Tomás Maldonado. En 1954 viajó a Francia y en París se incorporó a los movimientos de actualidad y participo en diversas muestras colectivas, realizando también una individual en 1955.Su obra plástica se desarrollo a partir de 1955. En 1958, hacía una pintura matérica, densa, abstracta y tenebrista. Ese mismo año expuso en el Museo de Arte Moderno de San Pablo, Brasil, participó en la fundación del Movimiento Informalista Argentino. En 1962 abandono la pintura y fundo el Vivo-Dito, que consistía en firmar personajes vivos, objetos y situaciones, encumbrándolos de esta manera categórica de obras de arte. Greco volvió a pintar y, sobre todo, a dibujar. Fueron obras en las que cohabitaban los monigotes y las palabras, los monstruos y los chistes, las manchas de café y las estrofas de viejas canciones, las salpicaduras de tinta y los comentarios domésticos. 
Su exposición en 1964 en la recién inaugurada Galería Juan Modó fue un acontecimiento artístico y social que hizo derramar ríos de tinta y mereció encendidos elogios de críticos y escritores como Moreno Galván, José Hierro o Francisco Nieva.
Tras el éxito de su exposición madrileña, Alberto Greco volvió a Buenos Aires y organizó un multitudinario espectáculo Vivo-Dito. Seguidamente viajo a los Estados Unidos y residió algunos meses en Nueva York; allí entró en relación con los artistas pop y realizó un original Vivo-Dito en la Central Station.

De vuelta a España, y tras unos tormentoso verano en Ibiza, Alberto Greco se suicido en Barcelona en septiembre de 1965.

César Manrique (1920-1992)

Pintor y escultor español nacido en Lanzarote. Después de su paso por la Escuela de Bellas Artes de Madrid, fundó la galería Fernando Fe en la capital de España, abierta a las vanguardias. Su labor compaginó el arte con la protección del medio ambiente. La naturaleza es entendida como un espacio creativo, en donde el artista busca la sintonía de los elementos naturales con el entorno artístico que la rodea, tal y como se aprecia en su obra Los jameos del agua en Lanzarote. Su casa en Tahiche (hoy sede de la Fundación César Manrique) es un claro ejemplo que resume la integración del arte en la naturaleza, donde el entorno natural participa con las artes plásticas, interaccionadas en perfecta armonía, por medio de la propia arquitectura local, la escultura de carácter lúdico o la pintura mural. Su arte evolucionó desde el realismo de los paisajes tropicales hasta la abstracción que evocan los volcánicos. Manrique obtuvo en el 1978 el Premio Mundial de Turismo por su labor ecológica y en el 1986 fue galardonado con el Premio Europa Nostra.


                                                  Lucio Muñoz 

Pintor español nacido en Madrid. Durante una temporada trabajó en el comercio de su padre. Más tarde estudió en la Escuela de Bellas Artes de San Fernando de Madrid, donde fue discípulo de Eduardo Chicharro. Después de su formación académica, entró en contacto con los realistas madrileños, Antonio López, los hermanos López Hernández y la que sería su esposa Amalia Avia, también pintora.
Su obra, inscrita dentro del informalismo durante la década de 1950, se decantó hacia la abstracción a su regreso a España. Ya en Madrid expuso en la galería Fernando Fe, fundada por César Manrique como referente de las vanguardias. Preocupado por las cuestiones matéricas, Lucio Muñoz comenzó a utilizar materiales de la más variada naturaleza, como papeles quemados y madera, entre otros. El soporte va a ser esencial pues sobre él perfora, rasga, realiza incisiones, aproximándose de esta forma al informalismo. Sus obras, coloristas en su mayoría aunque con cierto predominio del negro, son un exponente del informalismo más puro. Después de cultivar el grabado durante un par de años, su pintura se vuelve menos agresiva debido al tipo de materiales que utiliza.

En 1962 realizó la decoración del ábside de la basílica de Aránzazu en Oñate, Guipúzcoa. En 1983 obtuvo el Premio Nacional de Artes Plásticas y en 1989 el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía de Madrid inauguró una exposición antológica de su obra que recorrió varias ciudades de España,llamada Obra en Papel.

Grupo “El Paso” (arte)

Grupo de pintores españoles creado en 1957. Expusieron por primera vez en la galería Buchholz de Madrid y editaron un breve manifiesto, posteriormente ampliado, dirigido a todos los pintores españoles de toda clase de tendencias. Todos sus miembros pertenecían a la corriente informalista y seguían un programa común con el que buscaban romper con la situación dominante y abrir nuevos caminos para sus propuestas.

El grupo estaba compuesto por los pintores Rafael Canogar, Luis Feito, Juana Francés, Manuel Millares, Manuel Rivera, Antonio Saura, Juan Serrano y Manuel Viola y el escultor Martín Chirino. Rafael Canogar (Toledo, 1935) se consagró en el seno del informalismo hasta que, a mediados de la década de 1960, inclinó su pintura hacia lo figurativo, con una fuerte carga crítica y de denuncia política para más tarde volver a la abstracción. La obra de Luis Feito (Madrid, 1929) se caracteriza por la elevada densidad plástica de sus colores plomizos. Manuel Millares (Las Palmas de Gran Canaria, 1926-Madrid, 1972) abandonó la figuración tras su incorporación al grupo, atraído por el expresionismo abstracto. En sus obras entremezcla diversos materiales ásperos (telas de saco y arpilleras) cubiertos de pintura gruesa, blanca o negra, acompañada de algún grafismo. Antonio Saura (Huesca, 1930-Cuenca, 1998) inició su carrera en el surrealismo y el expresionismo hasta que a mediados de la década de 1950 radicalizó su pintura, utilizando la gama de grises para crear deformaciones de la figura humana. Manuel Viola (Zaragoza, 1919-El Escorial, Madrid, 1987) practicó el expresionismo abstracto en telas de color oscuro sobre las que aplicaba brochazos de vibrante colorido con abundante pasta y una pincelada suelta y dinámica.
Manuel Millares (1926-1972), pintor español nacido en Las Palmas de Gran Canaria. Su estancia en Lanzarote, durante la Guerra Civil española (1936-1939) le hace tomar contacto con la naturaleza, que le influirá en su obra. Al principio, es el surrealismo quien ejerce en él gran influencia; de esta época (1949) datan sus primeros Pictogramas.
 Participa en la creación del grupo El Paso, que influiría de forma decisiva en la difusión del informalismo español o abstracción expresiva. El viaje que realiza al Sahara en el año 1969, cuyo ambiente le influye en su concepción de la pintura, da como resultado un predominio del blanco de la arena especialmente. A esta fase le sigue otra titulada Antropofaunas y Neardentalios, serie compuesta por seres metamorfoseados y convertidos en fantásticos.

Millares crea superficies pictóricas, de volúmenes casi escultóricos, que provocan en el espectador una intensa reacción emocional. Su obra, dentro del más puro informalismo, se exhibe en numerosos museos de todo el mundo como el Museo de Arte Moderno de Nueva York (MOMA), la Tate Gallery de Londres o el Museo de Arte Abstracto Español de Cuenca.

Antoni Tàpies

Pintor y escultor español, nacido en Barcelona, uno de los líderes del informalismo español, cuya influencia será decisiva a nivel internacional.

Tàpies inicia su trayectoria artística en el año 1945, tras abandonar sus estudios de derecho y después de una convalecencia por una enfermedad pulmonar que le posibilita el reposo físico y psíquico necesario para el estudio y la reflexión intelectual. Es entonces cuando se acerca a la obras de filósofos como Friedrich Nietzsche, Miguel de Unamuno y Arthur Schopenhauer, poetas como Edgar Allan Poe, músicos como Richard Wagner o Robert Schumann, y artistas como Vincent van Gogh o la época surrealista de Pablo Picasso. Poco después descubriría a Jean Paul Sartre, cuyo existencialismo marcaría su trayectoria vital y artística.

En 1951, Tàpies inicia una evolución individual, optando por una línea informalista, abstracta, basada en las investigaciones sobre la materia pictórica como medio expresivo artístico: impone como valor total la materia frente a la forma. De ahí que su obra sea exponente de primer orden de la corriente matérica informalista. A lo largo de su trayectoria utiliza diversos procedimientos. En el collage mezcla elementos heterogéneos con la pasta pictórica aplicada directamente del tubo en forma de empastes gruesos y granulosos, sobre los que realiza huellas, incisiones, surcos y grietas, con los dedos y otros medios. Otras veces usa el grattage, que consiste en el rascado o rayado de superficies como cartón. El objetivo final es una pintura de relieves, orográfica, recreándose en la presentación de texturas rugosas, porosas o granulosas (matéricas en definitiva) que contrastan con superficies lisas, como se observa en su obra Blanco craquelado (1956). A partir de 1953 hace uso de la técnica denominada mixtura, consistente en la mezcla de pintura al óleo con polvo de mármol, cuya finalidad es, de nuevo, resaltar el carácter matérico de la obra, como en Negro con mancha roja (1954). Otras veces emplea el encolado de superficies.

En sus obras se repiten una serie de signos e imágenes que pertenecen al universo simbólico e interior del artista, con claras alusiones al universo, la vida, la muerte o la sexualidad. Entre ellos aparecen en sus composiciones figuras geométricas, más o menos difuminadas o distorsionadas, como el óvalo (Óvalo blanco, 1957), el círculo, el cuadrado (Puerta gris, hacia 1958), más tarde el triángulo (Forma triangular sobre gris, 1961); signos como la cruz, constante a lo largo de su carrera, que puede ser griega, latina, en aspa (Gran equis, 1962), en forma de T, ésta última asociada a la inicial de su apellido; números, letras, entre otros. En este sentido cabe citar Materia negra sobre saco (1960) y Cuerdas entrecruzadas sobre madera (1960). A partir de 1962 comienza una etapa en la que se produce la integración en la obra de objetos cotidianos como cuerdas, platos (Montón de platos, 1970), paja, junto a signos antropomórficos (pie, mano, dedos), como se observa en Blanco con pisadas, que denota un interés por plasmar la huella y presencia humana en sus obras; también aparecen temas y símbolos de carácter sexual (órganos sexuales masculinos y femeninos, paja, mantas, cama...) como en Paja sobre tela. Su gama cromática ha oscilado entre el monocromatismo y colorido neutro con predominio de grises, negros, blancos y ocres y la inclusión de un colorido más vivo, con rojos, naranjas, rosas, amarillos y azules.


Tàpies ha sido considerado precursor del arte povera. Desde la década de 1950 su obra ha gozado de reconocimiento internacional, reflejado en el hecho de la organización de exposiciones sobre su obra por parte de grandes museos y galerías de arte del mundo entero. En 1958 recibió el Premio Carnegie y en 1967 el de la Bienal del Grabado de Liubliana. Son también numerosos los estudios teóricos realizados por especialistas sobre su obra. Además, ha realizado cerámicas, tapices y esculturas, entre las que cabe destacar su mosaico de la plaza de Sant Boi de Llobregat (Barcelona), sus esculturas públicas Homenaje a Picasso y Núbol i cadira (Nube y silla), ambas inauguradas en Barcelona en 1990, y su polémico Calcetín (1992), de 18 m de largo. En 1990 se inauguró en Barcelona la Fundación Tàpies, creada por iniciativa del propio artista para fomentar y difundir el conocimiento del arte contemporáneo, así como para exponer y conservar su propia obra.

Fernando Zóbel (1924-1984)

Pintor español, uno de los más destacados representantes del informalismo y principal miembro del grupo de Cuenca. Nació en Manila (Filipinas) y comenzó su carrera como artista figurativo y expresionista hasta recalar, a mediados de la década de los cincuenta, en la abstracción. Poco después, influido por la caligrafía oriental, simplificó aún más su estilo hasta obtener sus característicos signos negros trazados sobre un fondo blanco, como en Ornitóptero (1962, Museo de Arte Abstracto de Cuenca). Desde entonces recorrió un proceso inverso en el que vuelven a aparecer imágenes figurativas. Hacia 1965 comenzó a ampliar su paleta con colores ocres, verdes, grises, rosas, amarillos y marrones. Elementos fundamentales en este tipo de obras son la luz, el espacio y el dibujo, dentro de la tendencia lírica de la pintura española posterior a la experiencia informalista. Entre 1975 y 1978 retornó a la monocromía de blancos Fue fundador y director del Museo de Arte Abstracto de Cuenca, donde se expone gran parte de su obra, repartida también por el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía (Madrid), en el Museo de Bellas Artes de Bilbao y el Fogg Art Museum de Cambridge (EEUU).

 ELENA SÁNCHEZ GARCÍA