Op art

Op art

Tras la Segunda Guerra Mundial aparece una nueva generación de artistas abstractos. No sólo se preocupan por comunicar con sus obras un sentimiento, sino que exigen del espectador una actitud activa. En sus obras el ojo debe estar mirando una obra que se mueve, buscando el principio y el fin. El op-art es un movimiento pictórico mientras que el arte cinético es más bien escultórico. En esta época el centro del arte es, definitivamente, Nueva York.

"Flemming's rules"

El término apareció por primera vez en la revista Time en octubre de 1964 debido  a Julian Stanczak que expuso unas obras de este estilo en la galería de Martha Jackson,  aunque las obras que ahora pueden ser descritos como "op art" se había producido durante varios años antes. Por ejemplo, la pintura de Victor Vasarely,”zebras” (1938), se compone enteramente de curvilíneas rayas blancas y negras que no están contenidas por curvas de nivel. Las rayas parecen fundirse al mismo tiempo que salen del fondo de la composición. También  las primeras obras en blanco y negro de John McHale Dazzle instalados en la exposición This is Tomorrow en 1956 y su serie de Pandora en el Instituto de Arte Contemporáneo en 1962 demuestran una tendencia op art.

 Zebras 1938

Color

El Op art empezó con una fusión de líneas blancas y negras cuyo único propósito era ver la reacción del ojo humano ante diferentes efectos y figuras, era la base del estilo. Pero en los inicios del 1966 la artista Bridget Riley comienza a producir obras op-art basadas en el color, y con ella otros artistas que siempre habían estado muy interesados en el color comienzan a hacerlo. Investigan como los distintos colores afecta al ojo humano, buscan contrastes de colores que creen ilusiones y sensaciones de dimensionalidad o profundidad al mismo tiempo que buscan el movimiento.

Cataract 3, 1967

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Hay tres clases principales de la interacción del color: contraste simultáneo, contrastesucesivo y contraste inverso (o asimilación). (i) El Contraste simultáneo puede tener lugar cuando un área de color está rodeado por otra zona de un color diferente. En general, el contraste aumenta la diferencia de brillo y / o color entre las áreas que interactúan ...Estos efectos de contraste son mutuos, pero si el área es mas grande y de un color más intenso que el área que encierra, entonces el contraste es, en consecuencia desbalanceado , cualquier puede parecer que se desarrolla en una dirección solamente. (ii) En el contraste sucesivo, en primer lugar un se ve un color y luego otro. Esto se puede conseguir ya sea mediante la fijación del ojo constantemente en un color y luego reemplazando rápidamente con el otro color, o por desplazamiento de la fijación del ojo de un color a otro. (iii) El contraste inverso (a veces llamada la asimilación de color o el efecto de la difusión) la luminosidad del blanco o la oscuridad del negro puede parecer que se extienda en las regiones cercanas. Del mismo modo, los colores pueden aparecer para difundir en o asimilarse a las zonas cercanas. Se le llama contraste interno porque más que provocar sensación de contraste hace que los colores se expandan y mezclen por áreas vecinas.

Zero Three

Por lo tanto resumiriamos las características en:

• Es una evolución matemática del arte abstracto.
• Se usa la repetición de las formas simples.
• Los colores crean efectos vibrantes.
• Gran efecto de profundidad.
• Confusión entre fondo y primer plano.
• Hábil uso de las luces y las sombras.
• El resultado es el de un espacio tridimensional que se mueve.
• Aunque el movimiento no sea real, el efecto es de total dinamismo.
• En la retina se sienten vibraciones, altibajos, formas que emergen y se retrotaen.

                                                                                        Movement in Squares, 1961

Víctor Vasarely

Fue un artista al que se ha considerado a menudo como el padre del Op Art. 

Comenzó a estudiar medicina en Hungría, pero dejó la carrera al cabo de dos años. Se interesó entonces por el arte abstracto y por la escuela de Muheely (principios de la Bauhaus), fundada en Budapest (Hungría) por un alumno de la Bauhaus. Le atrajeron Mondrian y Malévich y se interesó por la astronomía. 

Se trasladó a París al principio de los años 1930 y allí trabajó como grafista. En esta ciudad desarrolla su primer trabajo mayor, Zebra, que se considera hoy en día la primera obra de Op art. Durante las dos décadas siguientes, Vasarely desarrolló un modelo propio de arte abstracto geométrico, con efectos ópticos de movimiento, ambigüedad de formas y perspectivas, e imágenes inestables. Utilizó diversos materiales pero usando un número mínimo de formas y de colores. Tenía consideración por la pintura mesurada, reposada, racional y serena (redes, tramas). 

Realizó  entre 1930 y 1960 una gran cantidad de obras perfilando cada vez más su estilo y en 1954 realizó un homenaje a Malevitch

Homenaje a Malevitch

En 1955 participa en la exposición "El movimiento" de la Galería Denise René en París. Además publica su "Manifiesto Amarillo" en el que recoge sus ideas sobre el arte. Entre otras cosas, Dice que "...no podemos dejar indefinidamente el disfrute de la obra de arte sólo a la élite de conocedores. El arte del presente se encamina hacia formas generosas, recreables a placer; el arte del mañana será un tesoro común o no será".

Vasarely escultura en Hungría

En 1965, cuando el éxito de la muestra "The Responsive Eye" en el MOMA de Nueva York puso de moda el fenómeno óptico llegando a todo tipo de revistas de moda, Vasarely, a diferencia de algunos de sus compañeros de exposición, se alegró, dado su sentido social del arte. 

Durante la década de los sesenta y setenta se le consideraba el "artista oficial de Francia" por su popularidad en el país galo y el apoyo del presidente Pompidou (del cuál Vasarely realizó en 1971 un "retrato óptico", que se encuentra precisamente en el Centro Georges Pompidou de arte contemporáneo). 

Eduardo Giménez Magallón