Anish Kapoor

Anish Kapoor ( Bombay, 1954) es uno de los escultores indios más influyentes de su generación. Kapoor ha vivido y trabajado en Londres, a principios de los 70 se mudó a esta ciudad para estudiar arte, primero en el Hornsey College of Art y más tarde en la Chelsea School of Art Design.

Dado que procede de una familia con una gran diversidad de nacionalidades, Anish Kapoor se define como un outsider y que no le gusta ser identificado con una determinada nacionalidad ( hindú o britanica).

Se educó en sus primeros años en India en la "Doon School". Más tarde se muda a Gran Bretaña y concurre al "Hornsey College of Art" y al "Chelsea School of Art & Design" en el R.U.

Kapoor alcanzó rápidamente fama desde los años 80. Desde entonces ha ganado la aclamación internacional, exhibiendo ampliamente en todo el mundo en lugares como la Tate Gallery y la Hayward Gallery en Londres, Kunsthalle de Basilea, Múnich, Deutsche Guggenheim de Berlín, el Reina Sofía en Madrid, MAK Viena, el ICA de Boston y el Kunsthale de Basilea.

Dentro de todas las obras, son paradigmáticas las relaciones entre opuestos complementarios, como presencia/ausencia,materialidad/espiritualidad, densidad/vacío, inquietudes que le acercan a Joseph Beuys, Yves Klein y Robert Rymann. Cuando Kapoor fue invitado a intervenir la sala de Turbinas de la Tate Modern (2002) levantó una descomunal estructura horizontal para romper la lógica vertical del espacio. “La historia de la escultura, de los objetos -comenta-, es paralela a la historia de los materiales. Desde la Edad del Bronce en adelante la cuestión de la materialidad es fundamental. Lo que me interesa es que para cada materialidad existe una inmaterialidad. Esto puede ser visto como una cuestión mística, desde luego. Uno de los fundamentos de la vida es la conciencia, que es inmaterial y misteriosa. A la vez, los objetos tienen la capacidad de ‘jugar' con lo físico y lo no físico. Esta cuestión es, finalmente, filosófica, y nos lleva hacia el ‘de dónde venimos'. El estudio es un lugar en el que el artista puede ser cualquier cosa... trabajar en él es una especie de ritual pensado para dejar que las obras se produzcan a sí mismas”.

En cuanto a la metodología y el propósito de su trabajo dice que se siente realmente un artista abstracto y que hace arte abstracto. Una de las condiciones de la abstracción es precisamente su idoneidad para ir hacia el principio de las cosas, al principio de la conciencia, al primer día y al primer minuto. Es por eso por lo que me interesa que los objetos se autocreen, aunque sea una ficción. Mis objetos, son objetos que tienden hacia el principio. Este es el gran reto... porque no sabemos lo que es ese principio. Quizás el Big Bang fue real o tal vez fue una ficción... dice que la realidad es algo físico, está ahí, pero la imaginación va por otros derroteros.

Sus trabajos se exponen en todo el mundo, en particular: Museo de Arte Moderno de Nueva York, Tate Modern de Londres, Fundación Prada en Milán, Guggenheim en Bilbao, De Pont Foundation en los Países Bajos, y Siglo 21 Museo de Arte Contemporáneo de Kanazawa, Japón.

"1000 nombres" (1980)

"Como para celebrar lo que he descubierto". (1981).

Desde comienzos de los años 80 del siglo pasado las obras de Kapoor han ido adquiriendo progresivamente más notoriedad, en un abanico de producciones que se encuentra a medias entre lo conceptual y lo minimalista, pero siempre desde un punto de vista que refleja con claridad los rasgos de su formación multicultural. De este modo, sus primeras obras nos muestran formas geométricas realizadas a base de pigmentos de colores que evocan la sensualidad de los lugares donde el escultor residió en sus primeros años. De hecho, el propio artista afirma que para él el color no es únicamente un medio, sino una sustancia en sí misma, algo que tiene un valor físico.

"Sin título" (1990).

Aunque siempre ha mantenido su interés por la simplicidad de las formas, en un momento que podemos situar aproximadamente a comienzos de la década de los 90 Kapoor, sin olvidar del todo sus intereses anteriores, inicia una nueva etapa caracterizada por dos cuestiones: de una parte, se siente atraido por la experimentación con nuevos materiales (maderas, diversos metales, resinas...); de otra, muestra una tendencia a aumentar las dimensiones de sus esculturas que, en ocasiones alcanzan tamaños verdaderamente gigantescos. Resulta así que, con frecuencia, el espectador situado ante una de estas obras tiene ante sí un objeto de gran tamaño y de enorme simplicidad, habitualmente de formas curvadas y de un único color brillante que parece invitarle, desde su misma sencillez, a la indagación sobre cuestiones ancestrales, primarias: las dualidades entre lo celeste y lo terrestre, entre la luz y la sombra o entre la materia y el espíritu.

"Marsyas" (2002, Londres)

Podemos concluir afirmando que en el panorama de la escultura actual la producción de este artista de ninguna parte y de todos los sitios al mismo tiempo, de ninguna cultura y de todas a la vez, brilla con luz propia porque consigue crear una poética de la materia, construida desde la creencia de que lo explícito no ha de ser el objetivo perseguido por el escultor y según la cual corrresponde al propio espectador encontrar un significado a la que se presenta ante sus ojos. Como ejemplo: la gigantesca escultura instalada en Chicago. Pesa más de 110 toneladas y alcanza aproximadamente 22 metros de largo, 13 de ancho y 10 de altura. Con ese tamaño, ese aspecto mercurial y esa forma de nube, sí que resulta posible "estar dentro del exterior de un agujero". La contradicción es la base de la vida.

"Puerta de nube" (2004-2006). Chicago.

También empezó el proyecto de la torre Orbit para los JJ.OO de Londres de 2012.

El alcalde alabó el trabajo de Kapoor y de él señaló que posee una imaginación capaz de crear objetos considerados unánimemente bellos.

Exposición de Anish Kapoor en el museo Guggenheim de Bilbao.

• Las obras de Anish Kapoor (Bombay, India, 1954) expuestas en el Museo Guggenheim Bilbao son, en su mayoría, de gran formato y han sido creadas en los últimos treinta años. En ellas la interacción con el público es fundamental

• Se trata principalmente de esculturas de colores intensos, con ricas texturas resultado del empleo de materiales industriales, como el cemento, el acero patinable, el aluminio, la cera, las resinas o los pigmentos, y creadas con el objetivo de provocar y generar sensaciones en quienes las observan.

• Las obras intervienen claramente en la arquitectura y en el espacio en el que se ubican y, en numerosas ocasiones, se trata de obras creadas para espacios públicos, a menudo exteriores.

Fue el primer artista vivo en llenar con sus grandes esculturas las salas de la Royal Academy londinense.

Video en la Royal Academy : http://www.youtube.com/watch?v=umVSGErfg8E

http://www.youtube.com/watch?v=CPk3ObBJSgM&feature=related

Jose Antonio García Martínez