Expresionismo Abstracto

El expresionismo abstracto es un movimiento artístico que se desarrolló en Estados Unidos hacia los años 40 durante el siglo XX, tras la Segunda Guerra Mundial. Se considera el primer movimiento puramente estadounidense dentro del arte abstracto, lo que otorgó a Estados Unidos la capacidad de alejarse de las influencias del arte europeo.

Dentro de este movimiento se desarrolla una corriente llamada “Action Painting” y aunque este término se emplee como sinónimo de Expresionismo Abstracto no son exactamente lo mismo. El Action Painting o Pintura de Acción es una técnica pictórica que intenta expresar mediante el color y la materia del cuadro sensaciones como el movimiento, la tensión o la energía. Para conseguir estas sensaciones, se utilizan materiales no específicamente pictóricos como arena y alambres para conseguir una superficie peculiar.

Los artistas de “Action Painting” utilizan la técnica “Dripping” que consiste en salpicar la superficie del cuadro espontánea y enérgicamente, es decir, sin un esquema prefijado, al azar, para hacer del cuadro un espacio de acción y no una representación de la realidad.

“Lavender Mist - Number 1” Jackson Pollock

En esta técnica el principal elemento es la acción, el movimiento por parte del autor, por ello se emplea pintura acrílica. El artista intenta expresar sus ideas en la propia creación de la obra como por ejemplo, la angustia o la tensión.

Características principales del Expresionismo Abstracto.

• Los artistas de este movimiento tienen preferencia por los grandes formatos, haciendo cuadros en grandes dimensiones.
• Son abstractos en el sentido de que eliminan la figuración, aunque algunos emplean trazos figurativos donde se pueden reconocer figuras geométricas.
• El espacio pictórico se trata con frontalidad y no hay una jerarquía entre las distintas partes de la tela
• Las obras tienen un cromatismo limitado ya que los autores trabajan empleando colores simples como blanco y negro y colores primarios como amarillo, magenta y cian.
• Estos cuadros representan la angustia y el conflicto debido a la sociedad en la que se desarrollan, tras la Segunda Guerra Mundial.

Jackson Pollock

Jackson Pollock (28 de enero de 1912 - 11 de agosto de 1956) fue el artista mas importante del Expresionismo Abstracto. Se mudó en 1922 a Nueva York donde estudio en las Arts Students League con el pintor Tomas Hart Benton.

El pintor se caso con Lee Krasner en 1945 quien apoyó a Pollock en todo momento a pesar de sus vicios

De su corta vida los pocos años destacables fueron aquellos en los que logró controlar su alcoholismo, es decir, el periodo de 1949 -1950.

La pintura de Pollock estaba inspirada por la cultura de los indios de norteamérica, con sus formas simbólicas y sus pinturas de arena. Esto le llevó también a probar otros materiales, como el barniz, el aluminio o los esmaltes sintéticos.

Su carrera se vio súbitamente interrumpida cuando falleció en un accidente de coche en 1956.

Algunas de sus obras fueron:

“Elucidation in purple – Number 7”

“Green Silver”

“Number 8”

Willem de Kooning

Otro artista importante fue Willem de Kooning y algunas de sus obras fueron estas:

“Mujer – Willem de Kooning”

En las obras de Kooning destacan ligeros trazos donde se resaltan algunas formas geométricas.

Iván Fernández González

ARTE DE ACCIÓN

Es un grupo variado de técnicas o estilos artísticos que hacen principal mención en el acto creador del artista, en la acción. El término fue creado por Allan Kaprow, que señaló la interrelación entre el artista y el espectador en el momento de creación artística. Se podría decir que el arte de acción nació en los años 1920 con el dadaísmo y el surrealismo, en montajes artísticos como el collage y el assemblage; sin embargo, el movimiento cobrará importancia especialmente desde los años 1960, con grupos como Fluxus y Gutai. Entre las múltiples formas de expresión del arte de acción como el happening, la performance, el environment y la instalación.

El arte de acción propiamente dicho hace referencia a un conjunto de actividades llevadas a cabo por determinados grupos de artistas o por algunas personas que trabajaron en solitario a lo largo de los años,  no deja de ser cierto el hecho de que ya en el período de las primeras vanguardias hubieron momentos, durante las llamadas veladas futuristas o sesiones dadaístas, se desarrollaron acciones que bien pueden considerarse como precursoras. En los años 1950, el músico John Cage y el coreógrafo Merce Cunningham protagonizaron algunas de esas acciones que, más tarde, se considerarían como auténticos happenings. Del mismo modo, para algunos historiadores del arte contemporáneo, el arte de acción de Jackson Pollock también podría ser considerado como precedente de aquellos.

HAPPENING

Surge en EE.UU durante los 50s y tuvo su apogeo durante los 60s con estéticas próximas al llamado pop-art y a las del movimiento hippie, entre 1964 y 1960 los provos (Un movimiento anarquista holandés) improvisaban verdaderos happenings en las plazas de Ámsterdam,
El Happening presenta una dificultad a la hora de definirlo y ha hecho que se haya optado por huir de una definición y, en cambio, se prefiere aludir a una serie de características que, en líneas generales, confluyen en la mayor parte de actividades conocidas bajo esa denominación. Así, en primer lugar conviene desechar la idea de que se trata de una representación, pues un happening es ante todo, una vivencia, poniéndose de relieve la estrecha relación que existe entre el arte y la vida, no tiene ni un comienzo, ni medio, ni fin estructural. No se persigue nada en concreto y, por tanto, tampoco se gana nada, salvo la certidumbre de que existen unas situaciones determinadas de acontecimientos a los que se está más atento que de ordinario. Sólo se dan una vez y luego desaparecen para siempre; son la más pura expresión del arte efímero. El artista mas destacado es John Cage, fue padre de este movimiento, Cage basaba su obras en el arte visual.

Muchos artistas pop, incluyendo a Jim Dine y Claes Oldenburg, estuvieron mezclados con los happenings. Quizás el más recordado de todos los eventos de Nueva York en este período sea El accidente automovílistico de Jim Dine que se representó en la Galería Reuben en noviembre de 1960. Las fases sucesivas (que duraron como veinte minutos en total) eran una alegoría de las palabras del título.


Una obra del happening fue el Theater piece Nº1 realizada en 1952 por John Cage en el Black Mountain College, tal tipo de obra fue explicada por el propio John Cage como eventos teatrales y sin trama.

   Allan Kaprow ocupó un lugar esencial en la historia del arte del siglo XX al haber creado y desarrollado la forma de arte denominada "happening", del que es considerado también como fundador.

 

(Aqui lo vemos representando una obra)

PERFORMANCE

Es una muestra escénica, muchas veces con un importante factor de improvisación, en que la provocación o el asombro, así como el sentido de la estética, juegan un rol principal, ligado al arte conceptual, a los happenings, los movimientos artísticos fluxus events y al body art, vinculados con este.

Performance es aquel en el que el trabajo lo constituyen las acciones de un individuo o un grupo, en un lugar determinado y durante un tiempo concreto, puede ocurrir en cualquier lugar, iniciarse en cualquier momento y puede tener cualquier duración; una "acción artística" es cualquier situación que involucre cuatro elementos básicos: el tiempo, espacio, el cuerpo del artista y una relación entre este y el público. El performance se opone a la pintura o la escultura, ya que no es el objeto sino el sujeto el elemento constitutivo de la obra artística.                                    









Performance en la Avenida Reforma de la Ciudad de México.













Una representación de
Performance, en la calle, de mimo y pintura.




FLUXUS

Es un movimiento artístico de las artes visuales pero también de la música y la literatura. Tuvo su momento más activo entre la década de los sesenta y los setenta del siglo XX. Se declaró contra el objeto artístico tradicional como mercancía y se proclamó a sí mismo como el antiarte. estaba dirigido a impactar en el público como una imitación de lo intrínsecamente vital. La complejidad de los conciertos Fluxus desembocaron en interpretaciones que transmitían una visión muy especial e inconformista de la vida. Principal promotor de este movimiento fue George Maciunas, que también se metió en el mundo del pop art .

Estas son algunas de sus obras:

The Fluxus Box




Ahora aun sigue existiendo este tipo de arte, este es un ejemplo:

SUSO33, uno de los artistas urbanos y grafiteros españoles más valorados por su obra, apuesta por la fusión entre grafiti, danza y teatro para crear un nuevo "arte de acción" y "experimentar" en una disciplina que todavía hoy muchos definen como un acto vandálico.

Pero el grafiti, según comenta SUSO33, es "un campo muy amplio" y las pintadas "menos elaboradas" -lo que se conoce como grafiti vandálico- "forman parte de la cultura" de la calle. "Son malas hierbas que crecen y que al final se convierten en hierbas, en plantas e, incluso, en árboles". Su experiencia es una muestra de ello. Empezó dibujando su nombre en una pared cuando sólo tenía once años y, en los veintiséis años que han pasado desde entonces, se ha convertido en una referencia para el mundo del arte.

http://www.youtube.com/watch?v=r3xjJM-HBD8

http://www.youtube.com/watch?v=BWZvE7tD7Y0

Néstor Sierra Hernández

Op art

Op art

Tras la Segunda Guerra Mundial aparece una nueva generación de artistas abstractos. No sólo se preocupan por comunicar con sus obras un sentimiento, sino que exigen del espectador una actitud activa. En sus obras el ojo debe estar mirando una obra que se mueve, buscando el principio y el fin. El op-art es un movimiento pictórico mientras que el arte cinético es más bien escultórico. En esta época el centro del arte es, definitivamente, Nueva York.

"Flemming's rules"

El término apareció por primera vez en la revista Time en octubre de 1964 debido  a Julian Stanczak que expuso unas obras de este estilo en la galería de Martha Jackson,  aunque las obras que ahora pueden ser descritos como "op art" se había producido durante varios años antes. Por ejemplo, la pintura de Victor Vasarely,”zebras” (1938), se compone enteramente de curvilíneas rayas blancas y negras que no están contenidas por curvas de nivel. Las rayas parecen fundirse al mismo tiempo que salen del fondo de la composición. También  las primeras obras en blanco y negro de John McHale Dazzle instalados en la exposición This is Tomorrow en 1956 y su serie de Pandora en el Instituto de Arte Contemporáneo en 1962 demuestran una tendencia op art.

 Zebras 1938

Color

El Op art empezó con una fusión de líneas blancas y negras cuyo único propósito era ver la reacción del ojo humano ante diferentes efectos y figuras, era la base del estilo. Pero en los inicios del 1966 la artista Bridget Riley comienza a producir obras op-art basadas en el color, y con ella otros artistas que siempre habían estado muy interesados en el color comienzan a hacerlo. Investigan como los distintos colores afecta al ojo humano, buscan contrastes de colores que creen ilusiones y sensaciones de dimensionalidad o profundidad al mismo tiempo que buscan el movimiento.

Cataract 3, 1967

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Hay tres clases principales de la interacción del color: contraste simultáneo, contrastesucesivo y contraste inverso (o asimilación). (i) El Contraste simultáneo puede tener lugar cuando un área de color está rodeado por otra zona de un color diferente. En general, el contraste aumenta la diferencia de brillo y / o color entre las áreas que interactúan ...Estos efectos de contraste son mutuos, pero si el área es mas grande y de un color más intenso que el área que encierra, entonces el contraste es, en consecuencia desbalanceado , cualquier puede parecer que se desarrolla en una dirección solamente. (ii) En el contraste sucesivo, en primer lugar un se ve un color y luego otro. Esto se puede conseguir ya sea mediante la fijación del ojo constantemente en un color y luego reemplazando rápidamente con el otro color, o por desplazamiento de la fijación del ojo de un color a otro. (iii) El contraste inverso (a veces llamada la asimilación de color o el efecto de la difusión) la luminosidad del blanco o la oscuridad del negro puede parecer que se extienda en las regiones cercanas. Del mismo modo, los colores pueden aparecer para difundir en o asimilarse a las zonas cercanas. Se le llama contraste interno porque más que provocar sensación de contraste hace que los colores se expandan y mezclen por áreas vecinas.

Zero Three

Por lo tanto resumiriamos las características en:

• Es una evolución matemática del arte abstracto.
• Se usa la repetición de las formas simples.
• Los colores crean efectos vibrantes.
• Gran efecto de profundidad.
• Confusión entre fondo y primer plano.
• Hábil uso de las luces y las sombras.
• El resultado es el de un espacio tridimensional que se mueve.
• Aunque el movimiento no sea real, el efecto es de total dinamismo.
• En la retina se sienten vibraciones, altibajos, formas que emergen y se retrotaen.

                                                                                        Movement in Squares, 1961

Víctor Vasarely

Fue un artista al que se ha considerado a menudo como el padre del Op Art. 

Comenzó a estudiar medicina en Hungría, pero dejó la carrera al cabo de dos años. Se interesó entonces por el arte abstracto y por la escuela de Muheely (principios de la Bauhaus), fundada en Budapest (Hungría) por un alumno de la Bauhaus. Le atrajeron Mondrian y Malévich y se interesó por la astronomía. 

Se trasladó a París al principio de los años 1930 y allí trabajó como grafista. En esta ciudad desarrolla su primer trabajo mayor, Zebra, que se considera hoy en día la primera obra de Op art. Durante las dos décadas siguientes, Vasarely desarrolló un modelo propio de arte abstracto geométrico, con efectos ópticos de movimiento, ambigüedad de formas y perspectivas, e imágenes inestables. Utilizó diversos materiales pero usando un número mínimo de formas y de colores. Tenía consideración por la pintura mesurada, reposada, racional y serena (redes, tramas). 

Realizó  entre 1930 y 1960 una gran cantidad de obras perfilando cada vez más su estilo y en 1954 realizó un homenaje a Malevitch

Homenaje a Malevitch

En 1955 participa en la exposición "El movimiento" de la Galería Denise René en París. Además publica su "Manifiesto Amarillo" en el que recoge sus ideas sobre el arte. Entre otras cosas, Dice que "...no podemos dejar indefinidamente el disfrute de la obra de arte sólo a la élite de conocedores. El arte del presente se encamina hacia formas generosas, recreables a placer; el arte del mañana será un tesoro común o no será".

Vasarely escultura en Hungría

En 1965, cuando el éxito de la muestra "The Responsive Eye" en el MOMA de Nueva York puso de moda el fenómeno óptico llegando a todo tipo de revistas de moda, Vasarely, a diferencia de algunos de sus compañeros de exposición, se alegró, dado su sentido social del arte. 

Durante la década de los sesenta y setenta se le consideraba el "artista oficial de Francia" por su popularidad en el país galo y el apoyo del presidente Pompidou (del cuál Vasarely realizó en 1971 un "retrato óptico", que se encuentra precisamente en el Centro Georges Pompidou de arte contemporáneo). 

Eduardo Giménez Magallón

Abstracción pospictórica

La abstracción pospictórica es un término creado por el crítico de arte Clement Greenberg como el título de una exposición de la que fue *curador en el Museo de Arte del Condado de Los Ángeles en 1964, que posteriormente se presentó en el Centro de Arte Walker y la Galería de Arte de Ontario en Toronto.

*Curador: Éste es un profesional capacitado en el conjunto de saberes que posibilitan entre otros la exposición, valoración, manejo, preservación y administración de bienes artísticos.

Greenberg había percibido que había un nuevo movimiento en pintura que derivaba del expresionismo abstractode los años cuarenta y los cincuenta.

El origen de esta tendencia pictórica se encuentra en los estudios sobre psicología de las formas que realizó la Bauhaus y que Albers difundió por Estados Unidos. De esta manera nació una pintura que sustituyó al expresionismo abstracto en los años sesenta. La pintura no conlleva ningún mensaje místico o religioso, sino que existe por sí misma: lienzos de grandes dimensiones que emplean únicamente el color, de forma absoluta. Se subdividió en dos tendencias: la Colorfield (campos de color, Obras de K. Noland y M. Louis) y la Hard Edge ("borde duro").

The Sun and the Moon-Elizabeth Murray

Conforme la pintura siguió avanzando en diferentes direcciones, impulsada por el espíritu de innovación de la época, el término «abstracción pospictórica», que había circulado bastante durante los años sesenta, fue gradualmente superado por las citadas pintura de borde duro y pintura de los campos de color; o convergió con otras tendencias, como el minimalismo y la abstracción lírica.

Tom Burckhardt Painter's Dream-Elizabeth Murray

Elizabeth Murray fue una pintora, grabadora y dibujante estadounidense. Sus obras se encuentran en muchas de las principales colecciones públicas, incluyendo las del Museo Solomon R. Guggenheim, el Museo Hirshhorn y Jardín de Esculturas, el Museo de Arte Moderno, el Museo Whitney de Arte Estadounidense, el Museo de Arte Moderno de San Francisco, y el Instituto de Arte de Chicago.

 Artístas de este movimiento:

Samuel Francis (1923-1994)

Francis resultó inicialmente influido por la obra de los expresionistas abstractos. Estando en Francia se relacionó con el tachismo. Sus viajes le llevaron durante esos años por Italia, México, La India, Tailandia y Hong Kong. Pasó más tarde algún tiempo en Japón, y algunos han visto en su obra la influencia del budismo zen.
 Estilo: Hasta 1949 sus cuadros estaban dominados por manchas de color en forma de células, usando el óleo aclarado o la pintura acrílica. Durante las últimas tres décadas de su carrera su estilo de grandes lienzos propios del expresionismo abstracto fue relacionándose más con la pintura de los campos de color.

 "Abstracción" (1954)-Samuel Francis

Ha trabajado otros materiales, como la arcilla o la cerámica. Además, ha utilizado la *litografía.

*Litografía

Sus cuadros pueden verse en museos como el MOMA, y en ciudades como Nueva York.


Expresionismo abstracto
 El Expresionismo abstracto es un movimiento pictórico contemporáneo dentro de la abstracción, en concreto, las tendencias informalistas y matéricas posteriores a la Segunda Guerra Mundial, surgido
en Estados Unidos.


Características:


-Prefieren por los grandes formatos.
-Generalmente son abstractos en el sentido de que eliminan la figuración.
-Concepción de la superficie de la pintura.
-El cromatismo suele ser muy limitado: blanco y negro, así como los colores primarios: magenta, amarillo y cian.
-Presenta como rasgos distintivos la angustia y el conflicto, lo que actualmente se considera que refleja la sociedad en la que surgieron estas obras.

Lucifer - 1947 - J.Pollock

Tachismo

El Tachismo (en idioma español, Tachisme, derivado de la palabra francesa tache - mancha) fue un estilo de pintura abstracta francés desarrollado durante los años 1940 y 1950. A menudo se le considera el equivalente europeo al expresionismo abstracto. Pertenece al movimiento mas amplio del Informalismo.

También se conoce el Tachismo como *abstraction lyrique. Después de la Segunda Guerra Mundial el término Escuela de París a menudo se refería al tachismo. Algunos de sus miembros eran Jean Dubuffet, Pierre Soulages, Nicholas de Stael, Hans Hartung etc.

Tachismo fue una reacción al cubismo y se caracteriza por una pincelada espontánea, goteos y manchas de pintura directamente provenientes del tubo, y a veces garabatos que recuerdan a la caligrafía.

 Abstracción Lírica: La Abstracción lírica es una tendencia dentro de la pintura abstracta que se desarrolló a partir de 1910 con la obra de Kandinsky, fecha que se toma usualmente como referencia para marcar el comienzo de la pintura abstracta.

Pierre Alechinsky

 Alechinsky posee un vigoroso estilo, expresivo y próximo a la abstracción. Desde mediados de los años sesenta, prefiere trabajar con materiales más inmediatos y fluidos que el óleo, como la tinta o los acrílicos. Frecuentemente su obra incluye notas marginales.

Karel Appel

Appel está clasificado como pintor expresionista de la segunda mitad del siglo XX. Su obra, si bien se acerca a la abstracción, siempre contiene temas reconocibles (personas, animales, paisajes). Durante su periodo en CoBrA pintaba con vivos colores figuras simples con fuertes delineados.