ARTE CONCEPTUAL

El arte conceptual, también conocido como idea art, es un movimiento artístico en el que las ideas dentro de una obra son un elemento más importante que el objeto o el sentido por el que la obra se creó. La idea de la obra prevalece sobre sus aspectos formales, y en muchos casos la idea es la obra en sí misma, quedando la resolución final de la obra como mero soporte.
El objeto de este es presentar un poco de arte conceptual para los que les gusta esta corriente, para los que no la conocen y principalmente para los que creen que el arte quedo en la Gioconda y el Guernica - obras a las que no les resto ningun valor - y así acceden a la producción artística de hombres que empujaron los limites de lo que puede considerarse arte. Veremos obras que de tras de un aspecto simple y monótonamente efímero ocultan un concepto filosófico e ideológico mas profundo de grandes obras históricas de mayor renombre, emergió a la mitad de los años sesenta, en parte como una reacción en contra del formalismo que había sido articulado por el influyente crítico Clement Greenberg. Sin embargo, desde las décadas de 1910 y 1920 el trabajo del artista francés Marcel Duchamp (principal artista) serviría como precursor, con sus trabajos llamados ready-mades. Daría a los artistas conceptuales las primeras ideas de obras basadas en conceptos y realizadas con objetos de uso común.

Los precursores inmediatos del arte conceptual pueden buscarse en el resurgir de las Vanguardias tras la II Guerra mundial, en una compleja serie de intercambios culturales entre Europa, EEUU y Japón. Dos figuras destacan como manantiales de nuevas ideas: el antes mencionado Marcel Duchamp (que emigró a EEUU durante la I Guerra Mundial) y el compositor estadounidense practicante del budismo zen John Cage.

OBRAS y AUTORES MÁS REPRESENTATIVOS:

Marcel Duchamp(1887-1968)

Duchamp es uno de los principales valedores de la creación artística como resultado de un puro ejercicio de la voluntad, sin necesidad estricta de formación, preparación o talento.

En el campo de la escultura fue pionero en dos de las principales rupturas del siglo XX: el arte cinético y el arte ready-made. Este último consistía simplemente en la combinación o disposición arbitraria de objetos de uso cotidiano, tales como un urinario (La fuente, 1917) o un portabotellas, que podían convertirse en arte por deseo del artista. El ready-made es un concepto difícil de definir, es una reacción contra el arte retiniano, (el arte visual), por contraposición a un arte que se aprende desde la mente. Al crear obras de arte a partir de objetos simplemente eligiéndolos, Duchamp ataca de raíz el problema de determinar cuál es la naturaleza del arte y trata de demostrar que tal tarea es una quimera. En su elección, Duchamp trató de dejar al margen su gusto personal; los objetos escogidos le debían de resultar indiferentes

La Fuente

Marcel Duchamp - Desnudo Bajando la Escalera(1912)

Muestra su influencia cubista y futurista. Los cubistas querían reducir las imágenes a formas geométricas simples, y junto a los futuristas buscaban capturar el tiempo como indica el titulo, Duchamp muestra a una mujer desnuda bajando una escalera.

Marcel Duchamp - L.H.O.O.Q (1919)

Parece un chiste pero no por carecer de seriedad carece de valor artístico. En esta obra, Duchamp vuelve a hacer que la gente se pregunte que es y que no es arte, y así atacando a las convenciones artísticas de su época y del presente. El titulo "LHOOQ", en francés se pronuncia parecido a la frase: "Elle Au Chaud au Cul".

otras:

Kazimir Malevich - Cuadrado Negro Sobre Fondo Blanco (1915)

Malevich no pinta un cuadrado negro sobre un fondo blanco nada mas, logra crear un mundo nuevo de abstracción total. Al ver un cuadrado negro, uno esta viendo la nada, algo nunca antes visto y sorprendentemente logrado a través de una figura geométrica y un cuadro bicolor.  También hay que valorar al cuadrado negro por su aspecto revolucionario.

Paul Klee - Barcos Saliendo del Puerto (1927)

Se inspiraba en los dibujos infantiles y tomaba este estilo para crear representaciones básicas centradas alrededor del sentimiento. Paul Klee entonces decide hacer pinturas que simbolicen un escape de la realidad, casi un viaje cósmico a un lugar pacifico dentro del arte. Esta idea de escape se manifiesta en la simbología de sus obras, como la flecha y los barcos.

 

Yves Klein - IKB 191 (1962)

Creía en el valor de los colores, ya sea interactuando entre si, como individualmente. Principios de su carrera había realizado una exposición que consistía de varios cuadros pintados de un solo color, la gente los miraba como un conjunto e iba de cuadro en cuadro con rapidez, como si fuese una decoración. Desde ese momento inició un período en el que realizo decenas de obras pintadas totalmente en azul, varias de ellas simples lienzos llanos con un solo tono, algunas otras incorporan relieves y más.

Ad Reinhardt - Pintura Abstracta (1954-59)

Abandona las representaciones de cosas reales en favor de cuadros de color puro y tamaño monumental, A simple vista, sus obras parecen completamente negras, pero en realidad ocultan sutiles tonos de grises y negros, pretendía que el espectador se viera a si mismo: al contemplar un espacio tan grande pero a la vez simple, no necesita estar una hora analizando el cuadro, con solo unos segundos basta. Así que estas obras llevan a la reflexión.

Josef Albers - Homenaje Al Cuadrado (1965)

El Colour-Field era una corriente artística que se oponía al trabajo, como artistas como Yves Klein. Decía que la belleza del arte no estaba en sus elementos individuales sino en como se sitúan estos en relación con otros elementos. Esta es una de tantas versiones de esta obra que pinto, con distintos colores.

Lucio Fontana - Concepto Espacial (1966)

Lucio Fontana logro introducir la tridimensionalidad al lienzo, cogiendo un cuchillo y realizando varios tajos. No tiene relieves ni transparencias incorpóreas el mundo real a su obra ya que lo que sea que se coloque detrás del lienzo, al ser visto por los agujeros, será parte de él.
Crea el espacio sin agregar ni quitar nada.

Piero Manzoni - Mierda de Artista (1961)

Piero Manzoni vendió latas con la inscripción "Artist's Shit" que supuestamente contenían treinta gramos de su propio excremento. Su idea era venderlas por su peso en oro. Era una critica hacia las cosas que artistas de renombre hacían pasar por arte, a la producción en masa, al mundo del arte contemporáneo, y a la vez era parte de su investigación que quería unir la producción artística con la producción humana.

Néstor Sierra Hernández