Una subasta o remate es una venta organizada de un producto basado en la competencia directa, y generalmente pública, es decir, a aquel comprador (postor) que pague la mayor cantidad de dinero o de bienes a cambio del producto. El bien subastado se adjudica al postor que más dinero haya ofrecido por él, aunque si la subasta es en sobre cerrado, el bien se adjudica a la mejor oferta sin posibilidad de mejorarla una vez conocida.
Tradicionalmente en la teoría se reconocen dos grandes tipos: la subasta en sobre cerrado (que pueden ser de primer precio o de segundo precio) y la subasta dinámica, que puede ser subasta ascendente (inglesa), descendente (holandesa), o de "todos pagan" (subasta americana). También existen subastas inversas o de compra, en la cual el comprador es quien convoca a posibles vendedores o proveedores. Una nueva categoría de subastas es la de reformas y proyectos donde un subastador adjudica su proyecto al mejor pujador.
Mercado del arte.
El llamado mercado del arte es un concepto económico y artístico que designa al conjunto de agentes individuales e instituciones que se dedican a la explotación comercial del arte y que, como mercado, fija precios a los productos artísticos u obras de arte.
Entre otras formas de vender obras como galerías o marchantes, son destacadas las subastas de arte, realizadas habitualmente por casas especializadas (Sotheby's, Christie's) que fijan los precios por libre juego de oferta y demanda.
Un mercado sin crisis
"Los resultados de las subastas de otoño de Sotheby’s en Hong Kong muestran que el mercado internacional de arte viene resistiendo frente a preocupaciones sobre el panorama de la economía global."
El mercado del arte ha demostrado ya en varias ocasiones que en él la crisis no existe ni existirá. Según muchos economistas actuales, comprar una obra de arte es una inversión segura, en lo único que puede revocar es en volver a traer la cantidad que se pagó por ella, o más. Por eso no es de extrañar los millones de dolares que anualmente acumulan las grandes casas de subastas de arte como Sotheby's o Christie's, llegando a pasar por cada una de ellas hasta 3000 millones de dolares cada año.
Sotheby's
Sotheby's es una empresa de subastas, mayormente de obras de arte y demás objetos coleccionables, fundada en el Reino Unido y que actualmente tiene perfil multinacional, con sedes en las principales capitales del mundo.
El origen de la actual Sotheby´s fue Baker's, que se fundó en Londres el 11 de marzo de 1744, cuando Samuel Baker presidió la liquidación de los "varios cientos de valiosos y raros" libros de la biblioteca de Rt. Hon. Sir John Stanley. Durante muchos años, ofreció las más grandiosas y completas bibliotecas procedentes de las figuras y personalidades más importantes e inminentes del planeta. Pronto decidió inclinarse hacías las bellas artes en general. Su primer gran éxito en este campo está la venta de una pintura de Frans Hals por 9.000 guineas en 1913. La empresa con su nombre actual se remonta a 1804, cuando dos de los socios originales de la empresa (Leigh y Sotheby) decidieron establecer su propia firma de distribución de libros.
Hoy en día, la empresa tiene un volumen de negocios anual de aproximadamente tres mil millones de dólares en sus oficinas en New Bond Street (Londres) y York Avenue (Manhattan, Nueva York). Esta posición de poder se ha logrado por su crecimiento natural, por las adquisiciones (sobre todo la suma en 1964 de la más grande casa de subastas de Estados Unidos, Parke Bernet) y por la gestión inteligente de las cíclicas "recesiones de arte" del siglo XX.
Christie`s
Christie's es una de las más famosas casas de subasta del mundo. Fundada en 1766 en Londres, Christie’s llevó a cabo las mayores subastas de los siglos XVIII, XVIIII y XX, y hoy sigue siendo una vitrina popular para lo único y bello. Christie ofrece más de 450 ventas anuales en más de 80 categorías, incluyendo todas las áreas de bellas artes y artes decorativas, joyería, fotografías, artículos de colección, botellas de vino, entre muchos otros. Los precios van desde 200 a más de 80 millones de dólares. La sede de Nueva York subastó el 4 de mayo de 2010 un cuadro de Picasso llamada Desnudo, hojas verdes y busto con una venta final de $106,482,500. Con esta cifra alcanzó una nueva marca mundial de mayor precio alcanzado en subasta por un artículo, y continua vigente hasta la fecha.
Fue fundada en Londres, Inglaterra, el 5 de diciembre de 1766 por James Christie. Christie's consiguió crearse rápidamente una reputación entre las casas de subasta británicas, aprovechando el gran momento que la capital británica vivió en los años siguientes a la Revolución Francesa respecto al comercio de obras de arte.
Christie’s fue una empresa pública desde 1973 hasta 1999, hasta que se convirtio en propiedad privada por el francés François Pinault. En septiembre de 2010, el ex presidente Rodale Steven Pleshette Murphy asumió el cargo como director general, convirtiéndose en el primer consejero delegado estadounidense en la historia de la casa de subastas.
Christie's ha llegado en los últimos años a subastar obras y objetos personales de creadores y personalidades como Vincent Van Gogh, Pablo Picasso, Leonardo da Vinci, Rembrandt, Napoleón Bonaparte, Yves Saint Laurent y Lady Diana, así como obras consideradas patrimonio cultural de la humanidad, por lo que está siendo muy cuestionada. Entre esas obras se encuentran objetos precolombinos de inmenso valor cultural, que se subastan a coleccionistas particulares
La principal sala de ventas de Christie en Londres se encuentra en King Street en St. James, donde empezaron en 1823. Tiene una segunda sala de ventas de Londres ubicada en South Kensington, que abrió sus puertas en 1975 y se encarga principalmente el mercado medio pero es una de las salas más activas en el mundo de subastas. En septiembre del 2011 exsisten 53 oficinas en 32 países,3 incluyendo Nueva York, Los Ángeles, París, Ginebra, Amsterdam, Moscú, Viena, Buenos Aires, Berlín, Roma, Corea del Sur, Milán, Madrid, Japón, China, Australia, Hong Kong, Singapur, Bangkok, Tel Aviv, Dubai, Houston y Ciudad de México. En 1995, Christie se convirtió en la primera casa internacional de subastas para exhibir obras de arte en Beijing, China.
Últimas ventas
La obra maestra de Edvard Munch "El grito, una de las más reconocibles del mundo del arte, se ha vendido por 119,9 millones de dólares (91millones de euros) en Sotheby's, nuevo récord de la obra de arte más cara vendida hasta ahora en una subasta superando a anteriores cuadros de Picasso, Dalí o Miró.
El cuadro de Andy Warhol, "sleeping girl" se vendió hace pocos días por unos 44 millones de dolares, entre otros cuadros del mismo autor, en total se alcazó los 100 millones con tres de estos cuadros.
Escándalos y datos
1. En 2001 trás un gran escándalo que acabó llevando a su presidente, Sotheby's tuvo que ponerse a la venta. Según parece Alfred Taubman, ex presidente de Sotheby's y aún principal accionista, fue encontrado culpable el día 5 de diciembre, de fijar precios con su competidora, Christie's, la cual también fue atrapada por el escándalo con serias repercusiones y juicios, casi llegando a perder su licencia.
2. Damien Hirst decidió sacar sus obras de una galería y llevarlas directamente a una casa de subastas, su declaración fue: ‘Si alguien hace dinero, que sea el artista. Existe esa idea de que no eres un verdadero artista si ganas dinero, si no te estás muriendo de hambre en una buhardilla y tienes agujeros en los vaqueros. Pero yo, Warhol y Picasso nos ocupamos de los aspectos comerciales del arte. Goya, Rembrandt, Velázquez, todos ellos, pensaban en los aspectos comerciales de su trabajo’. En la dicha subasta vendió un total de 223 obras alcanzando aproximadamente unos 82 millones de dólares, siendo su obra estrella "El becerro de oro"
3. Las ventas en subasta de las obras de Damien Hirst obras se han reducido un 93%, pasando de 270 millones de dólares a 19 millones en solo un año debido a que a pesar de que el mercado de arte no entra en crisis y la compra de una obra es una inversión segura, multitud de economistas han declarado que una inversión en sus obras no puede llevar a otra cosa que no sea pérdida de dinero, sus colecciones ya no son inversiones seguras.
Marchantes Uno
de los riesgos laborales de los coleccionistas de arte son sus
encuentros con cierto tipo de marchantes. Presuntuosos,
hambrientos de poder y mecenazgo, estos adalides del buen gusto
estarían mejor vestidos de traje a la puerta de la discoteca,
permitiendo el paso a los que visten de terciopelo. Su comportamiento
distancia a los coleccionistas emergentes de una relación con la
visión del artista. A estos marchantes les gusta sentir que ellos
controlan el mercado. Pero, por definición, una vez que el
artista tiene movimiento en el mercado, deja de estar controlado. Por
ejemplo, hace poco un prominente marchante neoyorquino dijo que
desaprobaba el fuerte mercado de las subastas, porque permitía a
los coleccionistas saltarse la cola de su “lista de espera”. Así
que en vez de celebrar el éxito económico de un artista, se sienten
castrados con cada pérdida en su poder de base. Y después están
los marchantes visionarios, sin los cuales muchos de los
grandes artistas de nuestro siglo habrían pasado desapercibidos.
Charles Saatchi (9 de junio de 1943) es el co-fundador con su
hermano Maurice de la mundial agencia de publicidad Saatchi &
Saatchi, y llevó ese negocio como la agencia de publicidad más
grande del mundo, agencia en la década de 1980, hasta ser expulsados
en 1995. En el mismo año los hermanos Saatchi formaron un nuevo
organismo llamado M&C Saatchi. Charles también es conocido en
todo el mundo como un coleccionista de arte y propietario de la
Saatchi Gallery, y en particular por su patrocinio de los
Young British Artists , entre ellos Damien Hitrst y Tracey Emin. Entrevista a
Saatchi: A usted se le ha
definido tanto como “supercoleccionista” como “el marchante
de arte más exitoso de nuestros tiempos”. Echando un vistazo a
los últimos veinte años, ¿cómo describiría sus
actividades? Charles Saatchi:
¿A quién le importa cómo se me haya definido? Los coleccionistas
de arte son absolutamente insignificantes en el esquema general.
Lo que importa y sobrevive es el arte. Yo compro el arte que
me gusta. Lo compro para exhibirlo en exposiciones. Después, si me
apetece, lo vendo y compro más arte. Como llevo haciendo esto
durante 30 años, creo que la mayoría de la gente del mundo del arte
entiende el concepto. Eso no significa que haya cambiado mi idea
sobre el arte que finalmente vendo. Sólo quiere decir que no quiero
atesorar todo para siempre.
Su práctica de comprar
obras de artistas emergentes ha resultado ser muy contagiosa, y
podría decirse que es la única gran influencia en el mercado
actual, porque muchos otros, tanto coleccionistas veteranos como
nuevos inversores, están siguiendo su línea, provocando el aumento
brusco de la obra de jóvenes, y relativamente desconocidos,
artistas. ¿Acepta ser responsable de gran parte de la naturaleza
especulativa del mercado del arte contemporáneo? CS:
Espero que sí. Los artistas necesitan muchos coleccionistas, de
todo tipo, que compren su arte.
¿Cree que esta
especulación ha inflado los precios del arte contemporáneo en la
última década? ¿Cree que la burbuja estallará pronto? CS:
Sí. No.
¿Siente cierta
responsabilidad personal sobre los artistas cuya obra colecciona?
Artistas que se beneficiaron de su patronazgo a finales de los 70 y
principios de los 80, como Sean Scully o Sandro Chia, se sintieron
traicionados cuando usted sacó su obra en masa al mercado. En el
caso de Chia, se le ha acusado a usted de haber destrozado su
carrera. ¿Se arrepiente de cómo ha manejado las obras de estos
artistas?CS: No compro
arte para congraciarme con los artistas, o para entrar en los
círculos sociales. Por supuesto, hay artistas que se molestan si
vendes su obra. Pero no les ayuda quejarse sobre ello, y
contárselo a todo el que quiera escuchar. Sandro Chia, por ejemplo,
es más famoso por haber desbordado el mercado. Leí que yo había
inundado el mercado con 24 de sus pinturas. En realidad, sólo he
poseído 7 pinturas de Chia en mi vida. Una mañana ofrecí 3 de
ellas a Angela Westwater, su marchante de Nueva York a quien yo se
las había comprado en origen, y 4 a Bruno Bischofberger, su agente
en Europa, a quien también se las había comprado yo antes. La obra
de Chia era tremendamente deseada en ese momento y las 7 pinturas
acabaron en grandes colecciones o museos al final de ese día. Si
Sandro Chia no hubiese tenido la necesidad psicológica de haber sido
rechazado en público, este tema nunca se habría considerado de
mucho interés. Si un artista produce buena obra, aunque alguien
venda un grupo de obras importantes, esto no tiene porqué hacerle
perjuicio alguno, y de hecho puede estimular el mercado. ¿Qué busca cuando
va a comprar una obra de arte? CS:
No hay normas que yo sepa.
¿De quién, si es que
hay alguien, escucha consejos cuando compra arte? CS:
No hay nadie que pueda aconsejarte cuando llevas ya un tiempo
coleccionando arte. Si no disfrutas tomando tus propias decisiones,
no llegarás a ser un buen coleccionista. Sin embargo, esto no ha
frenado la creciente armada de consejeros de arte que crean
portfolios de colecciones para sus clientes.
Cuando usted expresa
interés en un artista, el mundo del arte toma nota inmediatamente.
El resultado es un aumento de los precios. ¿Alguna vez ha comprado
obras anónimamente para prevenir que esto suceda? CS:
No.
¿Le preocupa su
influencia en el gusto cuando afecta al arte británico
contemporáneo? ¿No le inquieta que sus compras (o ventas) tengan
tal impacto en el mercado? ¿O , por el contrario, disfruta de
ello? CS: Nunca pienso
demasiado en el mercado. No me importa pagar tres o cuatro veces el
valor de mercado de una obra que realmente me gusta. Sólo hay que
preguntar a las casas de subastas. En cuanto a la preocupación por
el gusto, como afirmé antes, primeramente compro arte para
mostrarlo. Así que para mí es importante que el público responda a
ello y al arte contemporáneo en general. ¿De qué disfruta más:
de la búsqueda que supone crear una colección o del placer de
poseer importantes obras de arte? CS:
De ambas cosas. ¿Cómo decide qué
vender y cuándo venderlo?CS:
No hay una lógica o patrón en el que pueda confiar. No tengo un
apego romántico a “lo que pudo haber sido”. Si me hubiera
quedado con todas las obras que he comprado en mi vida me sentiría
como Kane sentado en Xanadu rodeado de su botín. Es suficiente saber
que he poseído y he exhibido tantas obras maestras de nuestro
tiempo. ¿Cree en la
filantropía? ¿Cree que la gente con dinero y éxito tiene una
responsabilidad con la sociedad? CS:
Los ricos siempre estarán con nosotros. Usted presta
generosamente obras para exposiciones. Sin embargo, algunas de susdonaciones a escuelas de arte o institutos se diría que son un modo
de purgar su colección de obras de segundo nivel que no se venderían
fácilmente. ¿Es un razonamiento justo? CS:
Los artistas cuya obra he donado a colecciones nacionales
probablemente no le agradecerían el juicio que acaba de hacer sobre
sus obras. Y, por ejemplo, los 4 paneles que conforman la obra de
Glenn Brown que doné a el Arts Council habría sido fácil de
vender, y por unos 500.000 dólares. Por supuesto que me gustan las
obras que regalo; de otro modo nunca las hubiera comprado. Pero,
¿sería yo una persona mejor si regalase las obras más conocidas de
mi galería? ¿Qué le hizo
decidirse a abrir una galería al público? ¿Sentía que era un
deber público o fueron razones más pragmáticas? CS:
Me gusta exhibir el arte que me gusta.
¿Alguna vez se ha
enamorado de la obra de un artista cuya obra no fuera vendible, por
ejemplo, de una performance o de una instalación en la que se emplee
un público masivo? CS: Muchas
de las ambiciosas obras de jóvenes artistas terminan en el contendor
después de su debú en el almacén. Así, una vitrina
conteniendo una cabeza de vaca cubierta por moscas de un artista
desconocido sería fácilmente invendible. Hasta que el artista se
convierte en una estrella. Entonces puede vender todo lo que toque.
En general, las instalaciones como la habitación de aceite de
Richard Wilson [comprada por Saatchi en 1990] sólo se puede comprar
si tienes un lugar donde exponerla. Siempre me he sentido intimidado
por Dia, por hacer posibles tantas obras de land-art e instalaciones
para lugares específicos; ésa es la excepción –un coleccionista
cuyo significado sobrevive. En pocas palabras, a veces tienes que
comprar arte que no tendrá valor para nadie excepto para ti, porque
te gusta y crees en ella. El coleccionista que más he admirado en mi
vida, el conde Panza di Biumo, encargó enormes instalaciones de Carl
Andre, Donald Judd y Dan Flavin en un momento en que nadie, excepto
algunos pocos bichos raros, estaban interesados. ¿La obra de qué
artistas está expuesta en su casa? ¿Cambia habitualmente las obras
que tiene allí? ¿Hay alguna sección de favoritas? CS:
Mi casa es un lío, pero cualquier día de éstos nos decidiremos a
colgar alguna de las pilas de pinturas que se amontonan en el suelo. Exceptuando las
exposiciones de su galería, ¿cuáles han sido sus tres muestras
favoritas, tanto en museos como en galerías, en los últimos veinte
años? CS: Me voy a limitar a
las exposiciones que no han sido superéxitos/bombazos, así que
quedan fuera la exposición de Picasso en el MoMA o la de El Greco en
la National Gallery o cualquier otra de la docena de exposiciones
espectaculares con las que me he deleitado. 1. Clyfford Still en
el Metropolitan Museum de Nueva York (1980). 2. Jeff Koons en la
International with Monument Gallery de Nueva York (diciembre de
1985). 3. Exposición de graduación del Goldsmiths College
(1997). ¿Por qué no asiste
a sus inauguraciones?CS:
No voy a las inauguraciones de otros, así que tengo la misma
cortesía conmigo mismo. ¿Le sorprendió que la
National Gallery de Australia se decidiese por no realizar la
exposición de “Sensation” en el 2000? ¿Cómo responde a la
razón argumentada por el director para la cancelación de la misma,
referida a la “ética del museo” en relación al borroso límite
entre los intereses públicos y privados? El entonces director, Brian
Kennedy, incluso escribió un ensayo sobre la ética del museo, sobre
el que dirigió la atención de los medios. ¿Cree que el asunto
implicaba una cuestión ética? CS:
La National Gallery se desentendió de “Sensation” porque en
Nueva York estaba causando un gran revuelo, y algunos de los
políticos locales decidió bajarse del carro. Brian Kennedy cedió;
quién puede culparle. La vida es lo suficientemente dura como para
buscar además ser un héroe. Pero el recurso a la “ética del
museo” fue un recurso débil para intentar levantar una cortina de
humo. El motivo central fue el poder de grupos religiosos, que se
enfurecieron por la Virgen Negra cubierta por excremento de elefante. ¿Fue usted mismo quien
incendió su almacén repleto de obras artísticas o contrató a un
pirómano profesional? CS:
Cuando los primeros pesados sin gracia me vinieron con este tema no
me resultó divertido. Ésta es la centésima vez.
Un ejecutivo de
publicidad se centra en la novedad, el impacto y la actualidad como
blancos del mercado. Mucha gente diría que estas características
definen su colección. Un coleccionista serio se basa en la calidad,
la capacidad de trascendencia en el tiempo, destreza y cierta
significancia histórica. ¿Hasta qué punto cree que estos criterios
divergentes pueden entrar en conflicto? CS:
La teoría del “hombre publicidad” es muy atrayente, muy popular
entre los comentaristas. Sin embargo, el esnobismo de aquéllos que
buscan un beneficio en el arte pertenece a la esfera de almas
cándidas de sensibilidad enrarecida que nunca consiguen divertirse.
El cielo previene a las almas “mercantiles” de entrar en los
sagrados campos de la Estética. Me gusta trabajar en
publicidad, pero no creo que mi gusto artíctico se haya formado
exclusivamente con los anuncios de televisión. Y no me siento en
conflicto si un día disfruto de Mantegna, al día siguiente de Carl
André, y al siguiente de la obra de un estudiante. ¿Qué opina de el gran
cambio en la estética externa de la arquitectura de los museos? ¿Le
resta mérito al arte en sí mismo o es necesario para atraer a una
mayor audiencia? ¿Cree que estamos viviendo el fin del cubo blanco
como espacio galerístico, debido a la naturaleza del arte
moderno? CS: Si el arte no
puede lucir bien excepto en los asépticos espacios distados por la
moda de los museos de los últimos 25 años, entonces está condenado
a un vocabulario limitado. Generalmente es más interesante ver arte
en edificios apropiados para ello, como el Schaffhausen de Suiza, o
el Arsenale de Venecia, o el señalado edificio que alberga
“Zeitgeist” en Berlín. Estos edificios son suficientemente
flexibles para todo lo que un artista quiera hacer, y a veces con un
resultado mucho mejor que cualquier lugar de moda del momento. Así
que, aunque uno o dos “Bilbaos” son emocionantes, no creo que sea
una gran cosa gastar millones en crear palacios idénticos y austeros
en todas las ciudades del mundo, en vez de usar ese dinero en comprar
arte. Si lo que buscas es un “lugar de encuentro” que traerá
hordas felices a tu ciudad, probablemente Frank Gehry es sin duda una
muy buena opción. Blake Gopnik, el
director de crítica de arte del Washington Post, ha declarado que
“la pintura está muerta y lleva muerta 40 años. Si quieres ser
considerado un artista contemporáneo serio, lo único que deberías
crear es vídeo o fotografía manipulada”. ¿está de acuerdo y por
qué? CS: Es cierto que la
pintura contemporánea responde a la obra creada por video-artistas o
fotógrafos. Pero también es cierto que la pintura contemporánea
está influenciada por la música, la literatura, la MTV, Picasso,
Hollywood, los periódicos, los antiguos maestros. Pero, a diferencia
de los pesos pesados del mundo del arte y de sesudos pensadores, yo
no creo que la pintura sea de clase media y burguesa, incapaz de
decir ya nada interesante, demasiado impotente para defender su
dominio. Para mí, y para todo el mundo cuyos ojos disfrutan con el
arte, nada es más edificante que colocarse ante una buena pintura,
tanto si ha sido pintada en 1505 como si lo fue el pasado martes. ¿Es la pintura
mejor inversión que los tiburones en formaldehído? El
tiburón de Hirst para haberse marchitado mucho, pero un lienzo de
Peter Doig se verá todavía estupendo dentro de 10 años y es mucho
más fácil de restaurar. CS:
No hay reglas en la inversión. Los tiburones pueden estar bien. El
excremento de artista puede estar bien. El óleo sobre lienzo puede
estar bien. Hay un pelotón de restauradores ahí fuera esperando a
cualquier cosa que el artista desee realizar. En la cima del
mercado del arte, los espacios públicos y privados han llegado casi
a ser intercambiables. Por ejemplo, en “in-A-Gadda-Da-Vida”,
exposición en Nueva York de Damien Hirst, Sarah Lucas y Angus
Fairhurst que se había presentado ese mismo año antes en la Tate
Britain, la mayoría de las obras expuestas estaban a la venta y
provenían únicamente de dos marchantes: Jay Jopling de White Cube y
Sadie Coles. ¿Cree que puede haber
un conflicto de intereses en un museo creado con fondos públicos que
se utiliza como lugar de ventas? CS:
Me gusta todo aquello que ayude al arte contemporáneo a conseguir
una audiencia mayor. Sin embargo, a veces las exposiciones son tan
tristes que disuaden al público. Muchos comisarios, e incluso el
original jurado del Premio Turner, organizan shows que carecen de
atractivo visual, luciendo su profunda impenetrabilidad como una
insignia de honor. Minan cualquier esfuerzo de animar a la gente a
disfrutar del arte nuevo. Así que aunque no me encantó
“In-A-Gadda-Da-Vida”, fue interesante ver en la Tate algo fresco
llegado directamente del estudio de los artistas. Ayudó a que la
Tate fuera más relevante para os artistas de hoy. Por supuesto que
las obras provenían directamente de los marchantes –eran artistas
completamente nuevos. En todo caso, ¿qué hay de malo en que Jay
Jopling se hiciera un poco más rico?
¿Cómo valora la
actuación de la Tate como museo de arte contemporáneo? CS:
Obviamente la Tate Modern es un estupendo regalo para Gran Bretaña,
y Nicholas Serota [director de la Tate] es mi héroe, por haberlo
llevado a cabo de forma tan magistral. Me gustan algunas exposiciones
de la Tate, pero muchas son decepcionantes. Los comisarios deberían
salir más y ver más estudios y más exposiciones locales.
Evidentemente carecen de ambición curatorial aventurera. Y para que
llamen a comisarios de fuera para que seleccionen obras en la Frieze
para la colección de la Tate… La última instalación de la Sala
de Tubinas de la Tate o el Premio Turner no son suficientes para
generar interés. La Tate parece que tristemente se ha desconectado
de la comunidad artística británica. Tendría que haber reflejado
la energía y diversidad del arte británico de los últimos 15 años
tanto en las exposiciones como en la política de compras.
Curiosamente, los museos europeos y norteamericanos tienen más
interés en mostrar los logros del último arte británico. ¿Por qué los museos
del extranjero tienen mejores colecciones de arte británico que la
Tate? CS: Porque los
comisarios de la Tate no sabían lo que miraban durante los primeros
años 90, cuando con un mínimo presupuesto se habrían podido
comprar muchas grandes obras. Pero yo no soy mejor. Muchas veces me
encuentro a mí mismo descubriendo arte que antes había pasado de
largo o simplemente ignorado.
Mirando al futuro, ¿qué
cree usted que quedará dentro de 100 años del arte británicodel
siglo XXI? ¿Quiénes son los artistas que pasarán la prueba del
tiempo? CS: Los libros
generales de arte del año 2105 serán tan despiadados con finales
del siglo XX como lo son con casi todos los otros siglos. Todos los
artistas que no sean Jackson Pollock, Andy Warhol, Donald Judd y
Damien Hirst serán una simple nota a pie de página. Quizá su gran legado
sea que usted, más que nadie, ha sido el responsable del lanzamiento
del arte moderno y contemporáneo en la corriente cultural dominante
del Reino Unido. El arte contemporáneo se discute hoy incluso en los
taxis y el gobierno piensa en “tanques”. ¿Se propuso desde el
principio conseguir esto? CS:
Sí.
¿Qué opina del mundo
del arte? CS: David Sylvester
[crítico fallecido] y yo solíamos jugar a un pequeño juego tonto.
Nos solíamos preguntarnos con quién de los siguientes –artistas,
comisarios, marchantes, coleccionistas o críticos- nos gustaría
menos permanecer en una isla desierta durante unos años. Por
supuesto, pronto nos venía a la mente algún ejemplo repelente de
cada categoría, y la selección siempre cambiaba, dependiendo de con
quién nos habíamos encontrado la semana anterior y nos había
aburridomás.
Saatchi
promueve el arte joven de EEUU
La
nueva exposición de Saatchi en la Royal Academy de Londres tiene
lugar casi diez años después de la polémica Sensation, que tanto
escandalizó por montajes como el retrato gigante de una asesina de
niños y una representación de la Virgen María al lado de imágenes
de revistas pornográficas. Se convertía así en el mecenas de la
nueva e irreverente generación de artístas británicos, con Damien
Hirst yTracey Emin entre sus más internacionales exponentes. Ahora
es el turno de la última hornada de creadores norteamericanos
en USA Today, que también se puede ver en la Royal Academy y donde
solo aguantará un mes, hasta el 4 de noviembre. Como era previsible,
el escándalo ha vuelto a rodear a las propuestas del publicista
reconvertido en coleccionista Charles
Saatchi. La crítica no es nueva: el contenido
iconográfico de las obras ha vuelto a molestar e incluso se le ha
hechado en cara que los artistas seleccionados no sean británicos.
LIBRO
EN EL QUE QUEDA DEFINIDA SU PERSONALIDAD.
Desde
un primer momento el título del libro, Me llamo Charles
Saatchi y soy un Artehólico, te seduce ya que aparecen en
el mismo dos elementos que a quien más quien menos nos suenan
interesantes y controvertidos: Charles Saatchi y
Artehólico. El subtítulo “Todo lo que usted siempre quiso
saber sobre el arte, la publicidad, la vida, Dios y otros misterios y
no temió preguntar…” incrementa la curiosidad y te hace intuir
el tono de la batería de preguntas que componen el libro.
En
esta entrevista ampliada Saatchi
nos va llevando a través de las preguntas que distintos críticos y
periodistas de renombre y prestigio, así como el público general,
le van haciendo. El resultado es un recorrido ideológico e ideario
personal al que contesta sobre su visión del mundo sin pudor ni
tapujos a toda clase de curiosidades, e incluso intimidades, que
tienen que ver con su vida, la publicidad, sus gustos alimenticios,
sus relaciones institucionales y su vida con su pareja, la conocida
Nigella.
Resulta
un manual desenfadado de
cómo llegar a ser Charles Saatchi,
un personaje público muy
controvertido que ha realizado intervenciones en el mundo del
arte tan polémicas como su inolvidable Sensation.
Hay
que destacar también que el autor, además, no suele acceder a
ningún tipo de entrevistas, de hecho y como cuenta en el libro el
coleccionista artehólico ni siquiera asiste a sus inauguraciones.
Varias
cosas nos quedan claras tras su lectura: que el arte le apasiona,
las exposiciones por lo general le aburren y que, eso defiende en
el libro, sólo le interesa el arte que le emociona. Sus
controvertidas compras y ventas según parece nada tienen que ver con
el mercado y, sobre todo, el autor no tiene ningún tipo de
remordimientos en sus posibles influencias en el mercado o en la
carrera de los artistas. Cosas más que cuestionables pero que
Saatchi, creador de una de las empresas más prestigiosas de
publicidad Saatchi&Saatchi, nos vende con guante blanco.
GAGOSIAN
Lawrence
Gilbert Gagosian nació en el condado de Los Ángeles el 19 de abril
de 1945. Con sus escasas apariciones públicas y contadísimas
declaraciones, la vida y avatares del más famoso marchante de arte
del mundo son un enigma.La biografía del pintor Jean-Michel
Basquiat (A quick killing in art) escrita por la periodista Phoebe
Hoban, arroja algo de luz sobre los primeros años de Gagosian. En
1979, abría su propia galería en Los Angeles especializada en
arte moderno,y se estrenaba vendiendo obras al
multimillonario constructor angelino Eli Broad. Un lustro después
ampliaba su radio de actividades a Nueva York, con la apertura de una
galería en el barrio de Chelsea . Hacia 1996 se convirtió en
co-propietario, junto con Leo Castelli, de otra galería en el número
65 de Thompson Street, donde solían montar exposiciones sobre piezas
de grandes dimensiones, como las esculturas en bronce decorado de Roy
Lichtenstein. Dos años más tarde, Gagosian se adjudicaba en
Sotheby´s, un Jasper Johns (False Start) que se remató en 17
millones de dólares, récord entonces para el artista. Que
las crisis económicas son el mejor momento para conquistar nuevos
mercados es una verdad empresarial universalmente demostrada. Y en
eso, el planteamiento de Gagosian no difiere del de otras empresas.
El pasado 20 de octubre, coincidiendo con la celebración de la feria
FIAC en París, Larry Gagosian inauguraró su novena galería en la
capital francesa. Cuenta con una superficie de 900 metros cuadrados y
está ubicada en el distrito 8 de París, en la zona conocida como
triángulo de oro, entre la avenida Matignon y los Campos Elíseos, a
escasos pasos de la sede de Christie´s. El centro ha sido
diseñado por los estudios de Jean-François Bodin y el de
Caruso St John. Ambos han transformado un edificio de viviendas en
una galería de arte contemporáneo. Para su debut preparó dos
exposiciones: las últimas creaciones de Cy Twombly, y una
antológica sobre el pionero del diseño Jean Prouvé. La estrella
será Metropole, la casa de aluminio diseñada por Prouvé que busca
nuevo dueño por 2,2 millones de euros. Gagosian, que admitió que
«invertir en arte también puede ser una mala inversión»
(Coleccionar Arte Contemporáneo, Adam Lindemann. Taschen) ha sido el
responsable de muchos récords conseguidos en los últimos tiempos en
las subastas gracias a clientes como Charles Saatchi o el actor Steve
Martín.Nombrado por ArtReview la segunda personalidad más
influyente del mundo del arte (desbancado solo por François Pinault,
presidente del conglomerado de marcas de lujo LVMH), Gagosian es el
epítome del tiburón de los negocios americano.
Robar
artistas Gagosian, quien no oculta que vive mejor que muchos de
sus clientes, es alabado por sus ambiciosas exposiciones y los
riesgos económicos que asume con algunas de ellas (como con
Torqued Ellipses de Richard Serra), al tiempo que sus fórmulas poco
ortodoxas son objeto de críticas y sarcasmos: no duda en
ofrecer a sus clientes, obras de arte que, en ese preciso momento,
todavía no pertenecen a su galería, o en «robar» artistas a otras
galerías haciéndoles. Con más de tres décadas de carrera a sus
espaldas, su reputación se ha cimentado gracias a un programa de
exposiciones sin parangón protagonizado por leyendas como Francis
Bacon, Constantin Brancusi, y Alexander Calder.
Todas sus exposiciones van acompañadas de una sofisticada puesta en
escena, la edición de catálogos académicos y enjundiosas
monografías. El año pasado su exposición Picasso: Mosqueteros,
en la sede de Nueva York, atrajo a más de 100.000 visitantes. Nadie
cuestiona su célebre sagacidad, pero no es raro leer duros reproches
por su nula capacidad para relacionarse con los demás. El
guitarrista de Sonic Youth, Kim Gordon, que trabajó para Gagosian
cuando éste aún vendía litografías en Los Angeles, confesó «era
un gilipollas. Solía gritarnos desaforadamente, por lo que trabajar
con él, fue una experiencia muy dolorosa». Otro ex empleado que
trabajaba para Gagosian en 1980, John Seed, escribe en su página web
las siguientes lindezas del marchante: «Lo que llamaba la atención
era ver que su grosería fuera aceptada con absoluta normalidad por
algunos de sus clientes».
Abu
Dhabi, nuevo punto caliente Gagosian mostrará por primera
vez al público algunos de los fondos que atesora en su colección
particular en Manarat Al Saadiyat. La elección de este lugar no es
inocente, pues no en vano este nuevo espacio expositivo levantado en
el distrito cultural de Saadiyat Island, en Abu Dhabi, aspira a
convertirse en el máximo destino cultural del mundo con cerca de 27
kilómetros cuadrados. El día de la inauguración de esta
muestra, el galerista declaró: «Estoy encantado de poder
exponer parte de mi colección aquí, y espero ser testigo del
desarrollo de Abu Dhabi en la escena artística mundial»,
Sus
amigos Koons y Hirst En su elegante apartamento de Nueva
York, y en su residencia campestre en los Hamptons, Gagosian
celebra animadas veladas veraniegas para sus amigos, entre ellos el
rolling Mick Jagger y el productor de cine David Geffen. No es
extraño ver sus fotografías colgadas en internet. A algunas de
ellas invita a sus artistas, la cuadrilla de la galería, que
encabezan los super mediáticos Damien Hirst, Jeff Koons y Julian
Schnnabel.
La
Gagosian
Gallery
presenta The
Complete Spot Paintings 1986-2011 by Damien
Hirst,
una
gran exposición dedicada a las pinturas de Hirst
organizada simultáneamente en las once sedes con las que cuenta en
las ciudades de Nueva York, Londres, París, Los Ángeles, Roma,
Atenas, Ginebra y Hong Kong.
A
partir de la primera 'spot painting' (pintura de puntos) de 1986,
pasando por cuadros monumentales donde los colores se repiten,
llegando a los trabajos más recientes, algunos de los cuales
incluyen puntos de sólo 1 milímetro de diámetro, esta exposición
presenta el característico mundo de los puntos de Damien Hirst en un
contexto inédito.
La estética es un término con diferentes acepciones. En el lenguaje
coloquial denota en general lo bello, y en la filosofía
tiene diversas definiciones: por un lado es la rama que tiene por objeto el
estudio de la esencia
y la percepción
de la belleza,
por otro lado puede referirse al campo de la teoría del arte, y finalmente puede
significar el estudio de la percepción
en general, sea sensorial o entendida de manera más amplia. Estudia las razones
y las emociones
estéticas, así como las diferentes formas
del arte. La Estética,
así definida, es el dominio de la filosofía que estudia el arte y sus
cualidades, tales como la belleza, lo eminente, lo feo o la disonancia.
También hay estética en la
filosofía, muchos son los pensadores que se han interesado por él y su
significado. Como:
«También
decimos que hay algo Bello en sí y Bueno en sí [...] y llamamos a cada una
“aquello que es”»
Immanuel Kant: Crítica del juicio: «Para discernir si algo es
bello o no, referimos la representación, no por el entendimiento al objeto con
vistas al conocimiento, sino por la imaginación (tal vez unida alentendimiento) al sujeto y al sentimiento de agrado o desagrado
experimentado por éste».Lo estético: no
se funda en conceptos, no se puede medir: No hay ciencia sino crítica de lo
bello. La sensación sensorial es incomunicable. La comunicación viene de lo
común (u ordinario) a todos.
En el siglo XX el arte supone una reacción contra el
concepto tradicional de la belleza, como la aparición de la fotografía, capaz
de reproducir con fidelidad absoluta su modelo, suponen una verdadera
convulsión para la teoría y la práctica artísticas. Así no sólo el campo de
estudio de la Estética sino el propio campo de trabajo del arte se orienta
hacia una profundísima corriente autorreflexiva que ha marcado todo el arte del
siglo veinte, por ejemplo el Dadaísmo
utilizaba el collage para mostrar su naturaleza fragmentada.
También existe un diccionario de estética y es la colección mas abierta que existe en cuestiones de ética,
aunque se ha ocupado también de antropología, estética, ontología, teoría del
conocimiento e historia de la filosofía, con más de 350 entradas y 200
articulos, en la que pretende ofrecer una panorámica amplia de las teorías y
los problemas de la estética desde la Antiguedad hasta nuestros días.
Uno de los profesores de
estética son:
Félix de Azúa
Doctor en Filosofía y catedrático de Estética,
es colaborador habitual del diario El País. Ha publicado las novelas
como Las lecciones de Jena y Las lecciones suspendidas. Es uno de
los integrantes de la antología Nueve novísimos poetas españolesesta antología cobra un papel
relevante en la poesía española contemporánea. Su poesía
está considerada fría y hermética, girando sobre los ejes temáticos del vacío y
la nada. Es Catedrático de Estética en la Escuela de Arquitectura de la Universidad Politécnica de Cataluña.
Fue uno de los quince firmantes de los dos manifiestos de la plataforma
política Ciutadans de Catalunya a favor de la
constitución de un partido político autodenominado no nacionalista que luchase
contra unos supuestos abusos del nacionalismo catalán en Cataluña. Y tiene un blog literario en el que analiza
distintas novelas, "El Boomeran".
Simón Marchán Fiz
Catedrático de Estética y Teoría de las Artes en la
Facultad de Filosofía, en enero de 2002 fue distinguido por el Presidente
alemán Dr. Johannes Rau con la "Cruz de Oficial de la Orden del Mérito de
la República Federal de Alemania. Él y otros profesores de estética han hecho una
web para tener una base de datos dedicado a la investigación en los
campos de la Estética y Teoría de las Artes, la Historia del Arte Contemporáneo
y la Crítica, "Estética y Teoría de las Artes...".
Los 10 mayores coleccionistas de arte de entre 200 que figuran en este ranking mundial son, por orden alfabético -y citando lugar de residencia, negocios y tipo de arte que coleccionan- los siguientes:
- Roman Abramovich. Londres y Moscú. Acero, minería, inversiones y fútbol profesional (Chelsea Football Club). Arte moderno.
- Debra y Leon Black. Nueva York. Banca de inversiones. Maestros clásicos, impresionistas, pintura moderna, escultura china y arte contemporáneo.
- Edythe L. and Eli Broad. Los Ángeles. Servicios financieros y construcción. Arte contemporáneo.
- Steven A. Cohen. Greenwich y Connecticut. Fondos de inversión. Impresionismo, arte moderno y contemporáneo.
- Marie-Josée and Henry R. Kravis. Nueva York, Colorado y Florida. Finanzas e inversiones. Maestros clásicos de dibujo y pintura, Impresionismo, arte del siglo XX, mobiliario francés.
- Jo Carole and Ronald S. Lauder. Nueva York, Florida y París. Cosméticos (Estee Lauder). Arte de finales del XIX y principios del XX, especialmente alemán y austríaco, arte medieval, armas y blindajes.
- François Pinault. París. Artículos de lujo (PPR) y subastas (Christie’s). Arte contemporáneo.
- Mitchell Rales. Maryland y Nueva York. Industrias de herramientas. Arte moderno y contemporáneo.
- Carlos Slim Helú. Ciudad de México. Telecomunicaciones, finanzas y comercio. Maestros clásicos, arte pre-colombiano y colonial mexicano, arte moderno, especialmente Rodin.
- Sheikh Saud bin Mohammad bin Ali al-Thani. Qatar y Londres. Petróleo e inversiones. Antigüedades, maestros clásicos, libros raros, fotografía, arte islámico, arte contemporáneo.
Los cuatro españoles
Los cuatro coleccionistas españoles que figuran entre los 200 más importantes del mundo y por tanto también los cuatro mayores coleccionistas de arte de nuestro país, son, por orden alfabético, los siguientes:
- Juan Abelló. Madrid. Finanzas e industria. Maestros clásicos españoles y arte moderno y contemporáneo, especialmente español.
- Plácido Arango. Madrid y El Escorial. Comercio y Restaurantes. Maestros clásicos, pintura española primitiva, arte moderno y contemporáneo y cerámica china.
- Alicia Koplowitz. Madrid. Valores inmobiliarios e inversiones. Maestros clásicos y arte moderno.
- José Luis Várez Fisa. Madrid. Industria. Antigüedades, maestros clásicos, arte español moderno y contemporáneo.
Asociación de coleccionistas de privados de Arte Contemporáneo
Impulsada por un grupo de coleccionistas, "9915"* se constituye con el objeto de "promover la unión de intereses de los coleccionistas de arte contemporáneo y fomentar la formación de nuevos coleccionistas, así como crear las herramientas necesarias para regular y difundir esta actividad básica del mercado del arte en España".
*9915:Nombre de la asociación.
Su Junta Directiva está formada por Jaime Sordo, presidente; Enrique Vallés y Juan Antonio Rodríguez Deorador, vicepresidentes; Carlos Puerta, secretario; y Ángel Nieto, tesorero.
Proyectos de la asociación:
Impulsar la defensa del coleccionismo en el proceso de compra, instaurando los cauces, procedimientos y documentos necesarios que permitan la catalogación, certificación y conservación de las obras de arte.
La creación de una "gran base de datos de participación voluntaria donde se reúnan las colecciones privadas para darlas a conocer entre los miembros de la asociación y a las instituciones dedicadas al estudio, promoción y exposición de arte contemporáneo".
Contribuir de modo activo a la formación de los coleccionistas, promoviendo cursos, foros y conferencias; facilitar a los asociados contactos con comisarios, críticos e historiadores y estructurar un servicio de certificación y autentificación por expertos; fomentar y coordinar la puesta a disposición del mundo cultural el patrimonio artístico de los asociados para su exposición, estudio, catalogación, investigación, etc. y prestar, en la medida de sus posibilidades, asesoramiento mercantil, legal y fiscal en la compra, enajenación, préstamo, etc., de las obras de arte de sus asociados.
Red social para los coleccionistas de arte
Christian Schwarm es un joven coleccionista alemán que pensó en las ventajas de contar con una herramienta que le permitiese entrar en contacto con otros coleccionistas. Enfrentándose a los que no acababan de ver el éxito de la iniciativa, puso en pie junto con otros socios la webhttp://www.independent-collectors.com/. En la actualidad cuenta con más de 1.900 usuarios de distintas nacionalidades, entre las que se encuentra España y otros países de habla hispana.
Coleccionistas de arte:
Roman Abramovich (ruso: Роман Аркадьевич Абрамович; Sarátov, URSS, 24 de octubre de 1966).
Es un multimillonario ruso de origen judío, cuyos dividendos provienen principalmente del petróleo. En occidente, es más conocido por ser dueño de un equipo de fútbol de Inglaterra, el Chelsea Football Club.
Román Abramóvich, sirvió brevemente en el Ejército Ruso durante el año de 1985, tras lo cual pasó a trabajar en una fábrica local. Hacia 1987, Abramóvich contrae matrimonio con Olga Yurevna Lysova, boda de la cual, la pareja, a manera de presente, percibe una ganancia de lo que en la época eran unos USD 2.000, cifra que Abramóvich invierte en una serie de propiedades del mercado ilícito de bienes raíces.
A través de varios movimientos financieros, consigue eventualmente duplicar y hasta triplicar las ganancias. A lo largo de la década de los 90s, Abramóvich, logra establecer y liquidar en total, 20 compañías, que le permiten devenir ganancias notorias. A causa de una serie de errores administrativos cometidos por la empresa americano-letona, Chikora Internacional, un cargamento bajo su custodia, a ser vendido en Kaliningrado, terminó siendo enviado a Riga. Acusado por robo de bienes del estado fue retenido por la policía rusa, desembocando en su breve arresto, el cual culmina tras que el mismo colabore con las autoridades y Chikora Internacional, se vea obligada a pagar una compensación al Estado.
Vida personal
Actualmente Abramóvich mantiene un noviazgo con la joven *Daria Zhukova,aficionada al arte, a la que ha apoyado en la apertura de una galería en Moscú: El Garaje. Se ha relacionado con este proyecto la compra por parte de Abramóvich de dos pinturas, de Lucian Freud y Francis Bacon, por las cuales pagó unos 76 millones de euros.
Conclusión: Podríamos decir que la causa de su aficción al arte es la aficción de su novia por coleccionar arte, debido a que con sus mujeres anteriores no se ve ni rastro del arte.
*Daria Zhukiva: Nació en 1981 en Moscow. Su padre era un hombre de negocios importante en Rusia. Daria ha estado envuelta en varios negocios sobre la moda y el diseño. Es miembro del LACMA (Museo de Arte de Los Ángeles).
Carlos Slim Helú (Ciudad de México, 28 de enero de 1940) es un empresario y filántropo mexicano.
Carlos Slim Helú nació en una familia libanesa. Su padre fue un católico maronita de nombre Youssef Slim, y emigró desde el Líbano a la edad de 14, y cambió su nombre a Julián Slim Haddad, agregando el apellido de su madre, según era costumbre. Hijo también de Linda Helú, Carlos Slim Helú se tituló como ingeniero civil en la Universidad Nacional Autónoma de México, donde impartió álgebra y programación lineal.
Carlos Slim, según la revista Forbes, cuenta con una fortuna de 69 mil millones de dólares. Es propietario de Telmex, América Móvil, el Museo Soumaya (de su esposa Soumaya Domit de Slim fallecida en 1999), Fundación Alas etc.
Juan Abelló Gallo es un empresario español, conocido por su valiosa colección de arte.
Colección de arte: Ha reunido una fastuosa colección de arte, que ha concurrido con obras
sueltas en múltiples exposiciones y de manera monográfica en tres
ocasiones. Diversas reseñas mencionan pinturas de los principales genios españoles: Juan de Flandes, Ribera, Zurbarán, Goya, Picasso...
Para 2008 se anunciaba otra exposición de dibujos antiguos. En 1988 cedió por pago de impuestos (dación) una Virgen de Lucas Cranach, actualmente expuesta en el Museo del Prado.
El Centre Pompidou está dedicado a la
creación actual en todas sus formas: artes plásticas, arquitectura, diseño,
espectáculos, cine, etc. Edificio
emblemático del siglo XX, instalado en el corazón de París y diseñado por Renzo
Piano y Richard Rogers, el Centre Pompidou marca un audaz contraste en el
antiguo barrio de Beaubourg. Su arquitectura única ofrece la más espectacular
vista de París y sus monumentos más emblemáticos, como Notre-Dame, la torre
Eiffel o el Sacré-Cœur.
Este espacio de referencia del arte y
la cultura acoge el Musée National d'Art Moderne, exposiciones temporales de
prestigio internacional, una gran biblioteca de lectura pública, salas de cine
y de espectáculo y un centro de investigación de música contemporánea (IRCAM).
El Centro Nacional de Arte y
Cultura Georges Pompidou surgió de la iniciativa del Presidente Georges
Pompidou de crear en el corazón de París una institución cultural original,
totalmente consagrada a la creación moderna y contemporánea, donde las artes
plásticas compartirían espacio con el teatro, la música, el cine, los libros,
la creación audiovisual, etc. El Centro Pompidou, ubicado en el corazón de
París, en un edificio de emblemática arquitectura del siglo XX diseñado por
Renzo Piano y Richard Rogers, abrió sus puertas en 1977. De 1997 a diciembre de 1999
experimentó un proceso de rehabilitación y volvió a abrir sus puertas al
público el 1 de enero de 2000, ofreciendo zonas de museo más amplias y áreas de
recepción mejoradas. Desde entonces se ha convertido en uno de los monumentos
más visitados de Francia, con cerca de seis millones de visitantes al año. El
Centro Pompidou habrá acogido así, en 30 años, a más de 190 millones de
visitantes.
Misiones
El Centro Pompidou reúne en un enclave
único uno de los museos más importantes del mundo, que posee la primera
colección de arte moderno y contemporáneo de Europa, una gran biblioteca de
lectura pública con más de 2.000 espacios de trabajo, una documentación general
sobre el arte del siglo XX, salas de cine y espectáculos, un instituto de
investigación musical, espacios de actividades educativas, librerías, un
restaurante y una cafetería.
El Centro Pompidu, fiel a su vocación
interdisciplinaria y a su misión principal, que consiste en dar a conocer el
conjunto de las producciones de la creación del siglo XX y los antecedentes de
la del XXI, ofrece anualmente al público una treintena de exposiciones y
numerosas manifestaciones en su edificio, como ciclos de cine de
ciencia-ficción y documentales, conferencias y coloquios, conciertos,
espectáculos de baile, actividades pedagógicas, etc, de relieve internacional,
un gran número de las cuales recorre posteriormente Francia y el extranjero.
Edificio
Tal como se describía en el
reglamento del concurso, el proyecto de arquitectura debía responder a las
exigencias de pluridisciplinariedad, de libre circulación y de apertura de los
espacios de exposición. El concurso lo ganaron dos jóvenes arquitectos, el
italiano Renzo Piano y el británico Richard Rogers, que proponían un edificio
con el espíritu de la arquitectura libertaria característica de los años 60. La
estructura principal, los pasajes y la "oruga" de las escaleras
mecánicas por ejemplo, se lanzan al exterior, dejando todo el espacio a zonas
de museo y actividades. Los tubos y conductos técnicos, adaptados al exterior
de la fachada oriental y utilizados como revestimiento de la estructura, se
desmarcan en cuatro colores: el azul para el aire, el verde para los fluidos,
el amarillo para los revestimientos eléctricos y el rojo para los pasajes. La
transparencia de la fachada principal situada al oeste permite observar la vida
del Centro desde la piazza, una amplia explanada que los arquitectos imaginaron
como un espacio de continuidad entre la ciudad y la institución. El éxito
inmediato que experimentó el Centro, un éxito imprevisto por su envergadura
(unos siete millones de visitantes al año), conllevó el prematuro
envejecimiento de las instalaciones. Por esta razón se cerró durante 27 meses,
a partir de octubre de 1997. Durante este período, se renovaron 70.000 m2 y se crearon 8.000 m2 suplementarios,
destinados en concreto a la presentación de las colecciones, gracias al
traslado de las oficinas al exterior del Centro. En su reapertura el 1 de enero
de 2000, el Centro volvió a encontrarse súbitamente con el éxito, ratificado
por un público que demostraba así su afecto y su adhesión continua tanto al
peculiar recinto como a su espíritu.
Funcionamiento
El Centro se erige como la institución
cultural parisina que ofrece la mayor libertad de horarios de apertura a sus
diferentes tipos de público. El Centro cierra únicamente los martes y el 1 de
mayo. El horario de apertura del Museo y las exposiciones temporales es de 11 a 21 horas, y en horario
nocturno hasta las 23 horas para determinadas exposiciones ubicadas en el nivel
6, de 12 a
22 horas (excepto los fines de semana, en que el horario es similar al del
Museo) para la
Biblioteca Pública de Información (BPI), que dispone de un
acceso reservado en la
Rue Beaubourg, y después de las 22 horas, en su caso, para
todas las actividades en salas (cine, espectáculos, etc.).
The Museum of Modern Art
(MOMA) [Nueva York]
Fundado
en 1929 por Lillie P. Bliss, Abby Aldrich Rockefeller, Mary Quinn Sullivan, y
cuatro socios fundadores más, el Museo de Arte Moderno (conocido por sus siglas
en inglés MoMA) fue el primer museo dedicado a la era moderna. Comenzando con
el innovador arte europeo de la década de 1880, la colección contiene valiosas
obras de cada período siguiente de cultura visual hasta el presente; incluye
medios modernos tan diferenciados como cine y diseño industrial, además de
otros medios más tradicionales. En la actualidad con cerca de 150,000 objetos,
la colección ofrece una visión general del arte moderno y contemporáneo sin
comparación.
Moscow Museum of Modern Art (MMOMA) [Moscú]
El
Museo De Moscú de Arte Moderna es el primer museo estatal en Rusia que
concentra sus actividades exclusivamente en el arte de los 20os y 21 siglos.
Desde su inauguración, el Museo ha ampliado sus estrategias y ha alcanzado un
nivel alto de reconocimiento público. Hoy el Museo es una institución enérgica
que juega una parte importante sobre la escena de Moscú de arte.
El
Museo fue revelado el 15 de diciembre de 1999, con el apoyo generoso del
Gobierno de Ciudad de Moscú, el Departamento de Ciudad de Moscú de Cultura. Su
director que funda era Zurab Tsereteli, Presidente de la Academia rusa de Artes.
Su colección privada de más de 2.000 trabajos por maestros de siglo XX
importantes era el corazón de la demostración permanente del Museo. Más tarde,
los cuidados del Museo fueron enriquecidos bastante, y ahora esto es una de las
colecciones más grandes y más impresionantes de arte moderna y contemporánea
rusa, que sigue creciendo por adquisiciones y donaciones.
Hoy
el Museo tiene cinco lugares en el centro histórico de Moscú. El edificio
principal es situado en la
Calle Petrovka, en la antigua casa de mansión de siglo XVIII
de comerciante Gubin, diseñado por el arquitecto renombrado neoclásico Matvey
Kazakov. Aparte de esto, el Museo tiene tres lugares de exposición espléndidos:
un edificio enorme de cinco pisos en Vereda Ermolaevsky, una galería espaciosa
en Bulevar Tverskoy, el edificio hermoso del Museo Estatal de Arte Moderna de la Academia rusa de Artes, y
Museo de Estudio de Zurab Tsereteli.
Tate Modern [Londres]
Se
encuentra alojado en la antigua central de energía de Bankside,
originalmente diseñada por Sir Giles Gilbert Scott y construida en dos
fases entre 1947 y 1963. La central
eléctrica fue cerrada en 1981 y el edificio fue reconvertido en museo por los arquitectos
suizos Herzog & de Meuron, quienes tras
resultar vencedores en un concurso internacional dieron al edificio su imagen
actual.
Desde
su apertura el 12 de mayo de 2000 se ha convertido en la segunda mayor atracción de
Londres.En 2007 fue
el museo de arte moderno más visitado del mundo y el tercero en general, tras
el Museo del Louvre de París y el Museo
Británico también de Londres, con 5.2 millones de visitantes. La entrada es
gratuita para la exhibición permanente, mientras que las exposiciones
temporales son gratuitas o de pago en función de su carácter.
La
construcción de Tate Modern ha supuesto un impulso al desarrollo económico y
cultural del área de Southwark en la que se sitúa. Ha sido considerado un
ejemplo para futuros proyectos, como una forma de desarrollar zonas degradadas
de la ciudad y convertirlas en nuevos focos dinámicos de crecimiento y de
desarrollo económico.
Impacto de Tate Modern
Tate
Modern ha generado un importante efecto a diferentes niveles tanto en Londres como en
todo el Reino
Unido. Según el sitio Transforming
Tate Modern, el museo de arte moderno más visitado del mundo es Tate
Modern, con más de 30 millones de visitantes desde su apertura en 2000. Inicialmente el
museo fue diseñado previendo una afluencia de unos 1,8 millones de visitantes
al año, pero en 2006
y 2007 los
visitantes superaron los cinco millones cada año. Según la misma referencia,
Tate Modern es una de las tres mayores atracciones turísticas del Reino Unido;
dos millones de personas han participado en alguno de sus programas educativos;
genera unos beneficios anuales para la ciudad de cien millones de libras;
ha generado hasta el momento más de 4.000 puestos de trabajo, principalmente en
el área de Southwark;
y el 60% de los visitantes tienen menos de treinta y cinco años. Todos estos
datos fueron usados por los representantes de Tate Modern en la presentación de
la ampliación del museo para respaldar el proyecto, que cuenta con un
presupuesto de 215 millones de libras
Reina Sofía [Madrid]
Desde su inauguración, el Museo Nacional
Centro de Arte Reina Sofía ha contado con publicaciones propias, con una
actividad que, si bien tiene su mayor volumen en la edición de catálogos,
incluye monografías, catálogos razonados, ensayos, publicaciones didácticas,
facsímiles, guías de la colección o resultados de diversas actividades. Desde
la página Web del Museo Reina Sofía se pretende proporcionar una información
completa del catálogo de publicaciones y aprovechar las posibilidades de la red
como cauce de expansión del conocimiento, en consonancia con el compromiso del
museo de realizar actividades de divulgación, de formación, didácticas y de
asesoramiento en relación con sus contenidos.
Misión
El
programa del Museo Reina Sofía se basa en una redefinición de la función del
museo alternativa a los modelos históricos de esta institución. Concebido como
un lugar generador de espacios intersticiales de sociabilidad y discusión en la
esfera pública, propone modelos de resistencia en una sociedad en la que priman
el consumo y la mercancía y en la que la producción se ha fragmentado
ocasionando tanto un mapa geopolítico inédito como nuevas clases sociales,
relaciones y subjetividades. La creación de narraciones alternativas, de nuevas
formas de intermediación y la formación de un espectador activo son las líneas
de fuerza del Museo.
El
Museo contesta la dinámica centro-periferia y la visión unívoca de la historia
del arte. Ésta ha pasado de escribirse como si estuviese constituida por
grandes continentes a ser una especie de archipiélago en el que emergen
diversas relaciones en una cartografía cambiante. Las otras modernidades, antes
subalternas, alcanzan aquí su dimensión más compleja, y artistas antes
considerados derivativos o secundarios cobran voz, desafiando, gracias a nuevos
vínculos de solidaridad entre el intelectual y el resto de colectivos, las
reglas establecidas desde el mundo europeo occidental.
La
colección del Museo se basa en la creación de narraciones entrecruzadas que
toman forma en el archivo. La autonomía estética queda diluida al incluir en el
mismo nivel documentos, obras, libros, revistas o fotografías, un gesto del que
nacen narraciones alternativas que nos devuelven conocimiento, experiencia
estética y la posibilidad de aprehender un momento histórico. Se trata de la
constitución de un archivo de archivos que da al otro, voz y capacidad para
archivar, repensar y narrar su propia historia. Frente a la acumulación
capitalista, en este modelo, el que recibe las historias es sin duda más rico,
pero el que las cede no es más pobre. La escritura de la historia parte así
desde abajo y desvincula memoria y propiedad.
Desde
el Museo se propone un concepto educativo que elimine jerarquías y muestre la
facultad reactivadora de la cultura desde la convicción de la capacidad de cada
uno de nosotros para redescubrir y redefinir el saber. La obra de arte
constituye un territorio común para el artista y el espectador que facilita la
relación con los demás y con un entorno que no percibimos como ajeno. Hace que
nos veamos a la vez como sujetos y objetos de la percepción de los demás,
creando espacios de sociabilidad nuevos y liberadores. Asimismo, el Museo se
constituye como espacio de debate e investigación a través de seminarios y
programas universitarios nacidos de la interrelación, no mediada ni
jerarquizada, entre la educación y el resto de las actividades –exposiciones,
colección, programas públicos– de este Museo.
Sedes
Edificio Sabatini
Fundado
como Hospital de San Carlos en el siglo XVIII, toma su nombre actual de
Francisco Sabatini (Palermo, Italia, 1722 – Madrid, 1797), arquitecto ilustrado
encargado de su construcción. La fundación del hospital fue una iniciativa de
Carlos III enmarcada en un conjunto de medidas para dotar a Madrid de
infraestructuras de higiene y policía urbana. Tras una primera fase dirigida
por José de Hermosilla (Llerena, Badajoz, 1715 – Madrid, 1776), Sabatini,
procedente de la corte borbónica del sur de Italia, lo completó aplicando un
sobrio estilo neoclásico inspirado en el renacimiento tardío.
Aunque
la muerte del monarca en 1788 dejó el edificio inacabado, pronto comenzó a
funcionar como hospital, permaneciendo en activo hasta 1965. Tras años en
estado de abandono y diversas amenazas de derribo, su declaración como
Monumento Histórico-Artístico en 1977 permitió su supervivencia y uso público.
En
1980, Antonio Fernández Alba (Salamanca, 1927) emprendió una remodelación para
su uso con fines expositivos. En 1986 el edificio comienza a albergar las
actividades expositivas de centro de arte para, pocos años después, en 1990,
convertirse en el actual museo. Para la rehabilitación se aprovechó el perfil
inacabado del hospital: el espacio exterior reservado a un segundo patio se
convirtió en una plaza pública que dio visibilidad al museo y lo conectó con la
calle Atocha; la ausencia de portada se suplió con la colocación de las
monumentales torres de vidrio y acero que albergan los ascensores exteriores
para permitir una circulación más fluida. Construidas por los arquitectos
racionalistas José Luis Íñiguez de Onzoño (Bilbao, 1927) y Antonio Vázquez de
Castro (Madrid, 1929) en colaboración con el arquitecto británico Ian Ritchie
(Sussex, Reino Unido, 1947), estas torres son una de las señas de identidad del
Museo.
El
interior despliega en torno a un patio con amplias galerías abovedadas
sostenidas por pilastras de piedra y salas de exposición, con vanos abiertos
hacia el exterior y hacia el patio, que permiten regular la iluminación
natural. El edificio contiene asimismo espacios alternativos, como son los
sótanos de ladrillo abovedados o la sala de protocolo, antigua lencería del
hospital con el mobiliario original, a los que se ha dado un uso expositivo.
Edificio Nouvel
En
1999 se convoca un concurso internacional para la ampliación del Museo Reina
Sofía, al que se presentan propuestas de arquitectos como Juan Navarro
Baldeweg, Dominique Perrault, Zaha Hadid, Enric Miralles y Tadao Ando, entre
otros. En 2001 se pone en marcha el proyecto ganador, firmado por el arquitecto
Jean Nouvel (Fumel, Francia, 1945). Desde su origen, el edificio se plantea, en
palabras de su autor, a la sombra del Reina Sofía, es decir, al servicio del
Edificio Sabatini, cuyas funciones expande y completa al tiempo que mantiene el
protagonismo de la sede original. En junio de 2005 queda inaugurado el complejo
del Edificio Nouvel, que comprende dos amplios espacios expositivos, biblioteca
y centro de documentación, librería, oficinas, café-restaurante, sala de
protocolo y dos auditorios con capacidad para 200 y 400 espectadores
respectivamente.
El
conjunto arquitectónico se adapta a la fachada suroeste del Edificio Sabatini y
al solar triangular que le precede. En él, Nouvel respeta el emplazamiento de
tres edificios preexistentes para la construcción de tres nuevos módulos.
Aunque exentos, quedan comunicados entre sí y con el Edificio Sabatini en
diversos niveles: a través de un gran alero superior que conecta con la cornisa
del hospital y refleja el flujo de la ciudad mediante las formas convexas de
aluminio lacado en color rojo, mediante pasarelas elevadas entre los edificios,
y a través de una plaza semipública que dialoga con el entorno urbano. Funciona
así como conector de diversas zonas de la ciudad (Estación de Atocha, Ronda de
Atocha, barrio de Lavapiés), y evoca el patio de Sabatini en su doble
naturaleza de espacio íntimo y diáfano.
Desde
su inauguración, el flujo de visitantes se vertebra de manera plural, dado que
el nuevo edificio proporciona una entrada alternativa y cuenta con diversas
conexiones entre las galerías de Sabatini y los nuevos espacios de Nouvel, una
distribución que genera diversos itinerarios posibles e impone una neta
distinción entre zonas de servicios y espacio expositivo.
Palacio de Cristal
El
Palacio de Cristal es una de las dos sedes expositivas del Museo Reina Sofía
en el Parque del Retiro de Madrid. Construido por Ricardo Velázquez Bosco en
1887, responde tanto a la cultura arquitectónica de los nuevos materiales
como a la historia del colonialismo del siglo XIX.
El
uso de las columnas de hierro colado y de las amplias superficies de cristal
permiten una planta inusitada, monumental y diáfana a la vez. Concebido
originariamente como invernadero para la Exposición de Flora
de las Islas Filipinas (1887), colonia española por aquel entonces, exhibía el
exotismo en un entorno de progreso tecnológico, creando una imagen de
fantasía e irrealidad en el espectador.
Tras
la exposición de flora, se utilizó como sede de la Exposición Nacional
de Bellas Artes, celebrada cada dos años. Desde 1990, alberga proyectos e
instalaciones específicas de artistas contemporáneos, destacando los
realizados por Gabriel Orozco, Siah Armajani, Cildo Meireles, Nacho Criado,
Ilya Kabakov, Pierre Huyghe o Jessica Stockholder, entre otros.
Palacio de Velázquez
El Palacio de Velázquez (1883) es,
junto al Palacio de Cristal, una de las dos sedes expositivas del Museo Reina
Sofía en el Parque del Retiro de Madrid. Toma su nombre del arquitecto
Ricardo Velázquez Bosco, quien también colaboró en la construcción con el
ceramista Daniel Zuloaga y el ingeniero Alberto del Palacio.
El edificio, cercano al
historicismo neorrenacentista, es de planta amplia, cubierta con bóvedas de
estructura de hierro y con iluminación natural, gracias a la superficie
acristalada. Concebido como pabellón principal de la Exposición Internacional
de Minería, Artes Metalúrgicas, Cerámica, Cristalería y Aguas Minerales de
1883, sigue el modelo que Joseph Paxton estableció en el Crystal Palace de
Londres en 1851.
Desde 1987 ha acogido
exposiciones monográficas de artistas como Cindy Sherman, Nan Goldin, Juan
Muñoz y José Manuel Broto, junto a otros muchos. Cerrado por reformas en
2005, volvía a abrir sus puertas en 2010 con una retrospectiva dedicada a
Miralda.
Museo de
Arte Contemporáneo de Castilla y León(MUSAC) [León]
La misión del museo consiste en ser
una herramienta fundamental en la creación de sentido colectivo en cuanto al
arte y la cultura. La misión actual del museo es vertebrar y reelaborar la
idea de museo desde un punto de vista ciudadano cercano al conocimiento y al
saber. Así el museo plantea su función dotando de estrategias de actuación y
de herramientas criticas de análisis la relación del arte con la sociedad a
todos sus niveles en el periodo en el que mueve la Colección del Museo y
su programación 1989- actualidad, pero siendo conscientes que la
contemporaneidad engloba parte de la historia anterior. Desde la Colección del MUSAC
que alberga más de 1500 obras casi 400 artistas tanto regionales, nacionales
e internacionales. La misión del museo con esta Colección, como piedra base,
es conservador, difundir, estudiar e hilvanar de una manera amplia y panorámica
la importancia del arte en la contemporaneidad en este intervalo de tiempo,
bajo premisas conceptuales y sociales que pongan de manifiesto la importancia
y la relación del arte en momentos y situaciones sociales, políticas,
culturales y estéticas como un verdadero catalizador del momento en que estas
obras fueron producidas a través de los diversos discursos generados en la
exposiciones de la
Colección tanto dentro como fuera del propio museo.
Por otra parte bajo el
programa expositivo se intenta marcar esta relación entre la importancia de
la producción más contemporánea y la revisión y contextualización de ciertas
temáticas, movimientos o artistas que han dejado su impronta a lo largo de
historia más reciente. En este sentido las exposiciones son el telón de fondo
de toda una serie de acción que tienen en primer lugar la exhibición,
difusión, promoción e investigación del arte en Castilla y León. De ahí los
programas como el Archivo Documental de Artistas de Castilla y León:
www.musac.es/adacyl o el legado del Archivo AU CRAG, en el que se sigue
trabajando para que se una herramienta de investigación sobre la
contemporaneidad en estas tierras.
Además bajo este aspecto hay
que tener en cuenta el proyecto llevado a cabo por el MUSAC junto a los tres
centros mas importantes de la
Comunidad llamado P4.Plataforma de Estudio y difusión del
arte en Castilla y León; o las becas de producción tanto para artista de la
comunidad como del ámbito nacional e internacional. Hay que tener también en
cuenta también bajo el epígrafe de “Plataforma de Pensamiento” la gran
importancia de la creación de la RADAR. Revista de Arte y Pensamiento del MUSAC
o la Colección
AAMUSAC, Arte y Arquitectura.
Por ultimo hay que hacer
hincapié en la misión difusora a través de todos los medios y sobretodo de la
nuevas tecnologías y plataformas digitales, pero sobre todo en su vertiente
educativa y colectiva, puesto que a través de los innumerables jornadas,
seminarios, ciclos de cine, y video, performances, talleres de artistas, visitas
guiadas, grupos de discusión, etc. que dan a la educación artística y al
pensamiento un interés que va mas allá del programa, importancia tanto a los
procesos de trabajo en lo expositivo, en el pensamiento como en la educación
desde el museo. Por ello la misión fundamental es el acercamiento de todo
este conocimiento y labrar una red de relaciones artísticas la comunidad
artística ya sea esta de Castilla y León; de otros ámbitos nacionales o
internacionales.
En definitiva el Museo viene
a ser como una gran ciudad donde los diferentes agentes, personas que se
acercan que la habiten pueden encontrar un lugar de encuentro para la
estudio, investigación, discusión, análisis y disfrute del arte y la cultura
contemporáneas.
Museu d’Art Contemporani de Barcelona (MACBA) [Barcelona]
Como
ente público, el Museu d’Art Contemporani de Barcelona (MACBA) asume la
responsabilidad de transmitir el arte contemporáneo, ofrecer una multiplicidad
de visiones y generar debates críticos sobre el arte y la cultura, una misión
que aspira a integrar públicos cada vez más amplios. El MACBA debe entenderse,
pues, como una institución abierta en la que los ciudadanos encuentren un
espacio de representación pública. Si a ello se añade la vocación educativa, su
voluntad de innovación y el compromiso de preservar el patrimonio y de trabajar
en red con otras instituciones, la suma de tales objetivos sitúa al MACBA a la
cabeza del sistema del arte contemporáneo en Cataluña, al tiempo que consolida
Barcelona como capital y referente internacional.
El
MACBA se gestiona a través de un Consorcio creado en 1988 e integrado,
actualmente, por la
Generalitat de Catalunya, el Ayuntamiento de Barcelona, el
Ministerio de Cultura y la
Fundación MACBA. En 1995, el MACBA inauguró su sede en el
corazón del Raval, en un nuevo edificio concebido por el arquitecto
norteamericano Richard Meier. Desde entonces, el Museo se ha convertido en una
institución pionera en la difusión del arte y las prácticas culturales
contemporáneas, cuyo impacto ha contribuido a identificar Barcelona con un
escenario de innovación.
