BODY ART

El bodyart es el arte hecho en o con el cuerpo humano. Las formas más comunes del bodyart son los tatuajes y las perforaciones del cuerpo (piercings), pero otros tipos incluyen la escarificación (es la acción de producirse escaras en la piel. Las escaras son cicatrices producidas por cortes superficiales o profundos en la dermis. Estas heridas producen una costra que por lo general es de color oscuro, resultante de la muerte de tejido vivo), dando forma (por ejemplo apretados corsés), tatuajes de cuerpo entero y pintura corporal.

Arte corporal más extremo puede incluir cosas tales como la mutilación o empujar el cuerpo a sus límites físicos. Por ejemplo, una de las obras más conocidas de Dennis Oppenheim lo vio acostado en la luz del sol con un libro sobre su pecho, hasta que su piel, excepto la parte en la que estaba el libro, se había quemado.

Gunter Brus “ Performance.

 Reading Position for Second Degree Burn (1970) Jonas Beach, New Cork

El cuerpo ha sido uno de los temas recurrentes en el arte contemporáneo a partir de los años 60 Son dibujos realizados en cuerpos humanos sin ropa, algo asi como maquillaje corporal, la piel es utilizada como leinzo. Su origen se encuentra originariamente en las formas artísticas de diferentes tribus de África y Oceanía, como las decoraciones realizadas con pigmento blanco por la tribu eunoto en África, los tatuajes maoríes o los que se hacen en henna sobre manos y pies las mujeres de la cultura guerda del Sudeste africano. Sin las connotaciones espirituales y religiosas de las culturas mencionadas, artistas contemporáneos especialmente a partir de la década de 1960– también proyectaron el potencial del cuerpo como obra en sí, material artístico y superficie pictórica. Así, se crearon movimientos y técnicas que tienen como eje central el cuerpo.

Actualmente el Body art trata temas como la violencia, la auto agresión, la sexualidad, el exhibicionismo o la resistencia corporal a fenómenos físicos. Así el cuerpo puede estar transformado por un disfraz, ser utilizado como instrumento o unidad de medida, agredido o puesto a prueba hasta los limites del sufrimiento, etc.

 

Los cortes de navaja que Gina Pane se hace en sus brazos nos refleja otro significado y representación del dolor. El artista explora mediante su propio cuerpo la sensación de dolor y la hace tangible a través de heridas  sangrantes.

Gunter Brus “ Performance “se expone pintado de blanco y cubierto de cicatrices, podemos decir que tanto esta como cualquiera de sus obras representan el dolor de maneras diferentes, el artista como un medio de exploración del dolor. Dicha expresión artística intenta significar al dolor como agonía en sí misma.
La muestra invita a vivenciar la búsqueda de cinco artistas que intentan explorar y entender una sensación inexplicable, logrando así dar vida y entidad al dolor.
Tensión, agresividad, huella imborrable, deterioro, herida sangrante y agonía. Interpretaciones que nos llevan a pensar en la historia de vida de cada artista que ha
podido expresar de manera concreta una sensación difícil de poner en palabras y trasmitir a los demás.

Bruce Nauman

Artista estadounidense.

Comienza a estudiar matemáticas, física y arte en la University of Wisconsin en 1961. Su obra se desarrolla sin privilegiar un estilo en particular; juega con el arte conceptual y en particular con el body art, tras haber atravesado una fase de funk art, y a lo largo de su carrera ha realizado esculturas, performances, obra gráfica y vídeos. Su trabajo versa sobre una reflexión del comportamiento del cuerpo, siendo el arte el proceso de una experiencia vivida en el presente por el artista, el espectador o por un tercero. Desde 1966 emplea con regularidad el neón, como contrapunto lingüístico a las piezas escultóricas, y entre 1968 y 1971 crea environments que proyectan sobre una pantalla la imagen de los que participan. Su trabajo ha sido expuesto en múltiples exposiciones colectivas y entre sus individuales destacan: Whitechapel Art Gallery de Londres (1987), Museum of Contemporary Art de Los Angeles (MOCA) (1995), Museum Ludwig de Colonia (2003), entre otras.

                                                          “Sex and Dead” obra en neon.

Nauman demostró, como Duchamp, que si su trabajo, fundamentado en los principios físicos y lógicos de la matemática tenían su utilidad social, y era la de la crítica, con o sin ironía, de todo aquello que no le gusta en nada al artista y que sin embargo reina en el mundo, tal como mes la violencia, la corrupción, el destrozo del medio ambiente, el abuso del poder y todo aquello que está relacionando con esto. La matemática y la ciencia no están separadas de la realidad que les ha tocado vivir, ya que de sus cambios y transformaciones dependerán la orientación temática y los medios que vayan a obtener para su perpetuación. Lo mismo pasa con el arte experimental. Todo lo que se ha dice sobre esto resulta ser siempre un poco dudoso e infantil, ya que no existe ninguna base, y más de la mitad de las explicaciones se basan en prejuicios tan irracionales que dan vergüenza escucharlos. Cuando Nauman decidió, dentro del grupo de artistas conceptuales, tratar con temas ya relacionados con las imposiciones físicas que se nos imponen constantemente en la sociedad moderna y qué es lo que debería hacer un artista.

 

No obstante el trabajo de Nauman no se queda solo en la ironía social.

“Dead and live” otra obra de Nauman. Aqui se la puede ver apagado, mostrando toda la estructura técnica con la que funciona (arriba) y como resulta ser al iluminarla (abajo). Esta obra muestra, aparte de los dominio de Nauman sobre las herramientas estructurales del material usado y sus conocimeintos en física, como dominaba las matemáticas con bastante soltura. Este es un ejemplo perfecto de “permutaciones”: es decir, si suponemos como conjunto tods los verbos escritos en infinitivo anglosajón y luego otro conjunto de ocho colores, vemos como transmuta estos elementos mas permitiendo que a cada elemento del conjunto anterior le corresponda uno aplicando una función lineal.. delirios matemáticos de uno.
No obstante el trabajo de Nauman no se queda solo en la ironía social.

                                                       Woman invisible-Vito Bongiorno

                                                               Man Ray-Violin of Ingres

                                                    Youri Messen-Jaschin-Mad Lausanne

Silvia Gómez Camacho 2ºJ

                         El High Tech

El High Tech es la corriente arquitectónica que se apoya en la Alta Tecnología para expresar su imagen, utilizan a la tecnología como un fin en si, no para llegar a alguna parte. Es el afán por enseñar las estructuras, el acero, el concreto, vidrio y mostrarla como parte estética de la edificación.
Esta tendencia encuentra sus orígenes ideológicos en el movimiento moderno llevando al extremo las teorías y el estilo de éste. Esta arquitectura se apoya en los avances tecnológicos para denotar su imagen.
Esta nueva tendencia nos introduce más allá de la mera imagen. Nos introduce las variables de la ingeniería dentro del proceso de planeamiento y nos ha proyectado consideraciones estructurales en la iconografía arquitectónica.
Marco histórico:
El High Tech
Origen

·         Sus orígenes formales se encuentran en el Tardomoderno.

·         Afán por enseñar las estructuras, el acero, concreto, vidrio y mostrarlos como parte estética de la edificación.

·         Encuentra sus orígenes ideológicos en el Archigram. Llevando al extremo las teorías y el estilo de sus predecesores (característica del nuevo movimiento). La arquitectura futurista del Archigram utilizaba en sus extremos básicamente la misma tecnología del acero, el vidrio y el concreto pero aplicadas de una manera diferente.

- Se apoya en los avances tecnológicos para denotar su imagen.
- Ha introducido a los ingenieros en los proyectos arquitectónicos ( no solo en los procesos constructivos, sino también en la expresión de la imagen en la arquitectura).
Arquitectos como Norman Foster y Richard Rogers se niegan a ser catalogados como arquitectos del High Tech, aunque son los más famosos exponentes de dicho movimiento. Estos arquitectos a su vez estudiaron en las mismas universidades teniendo como influyentes a Charles Eames, Raphael Soriano, Craig Ellwood y Pierre Koening.
Representantes:
- Sir Norman Foster

- Sir Richard Roger

                               


























     Sir Renzo Piano

Sir Michael Hopkins

(Nicholas Grimshaw, Alsop, Stormer, Jan Kaplicky, Amanda Levete, de Future Systems, o Ian Ritchie).
Impulsantes Ideológicos

·         Desde el 1996 al ascenso de estos arquitectos ha coincidido con una expansión de los horizontes económicos en la forma del Millenium Fund.

·         Efecto de renovación y ampliación del vocabulario.

·         La arquitectura de tecnología ha mantenido su interés como un estilo, empírico e inexpresivo, porque consigue mantener la vigencia de un argumento impreciso, que ha ocupado un lugar estratégico y central en el Movimiento Moderno: su insistencia en que la arquitectura debería justificarse solamente en cuanto a función y razón, excluyendo categorías tradicionales tales como la `estética' o el `estilo', que podría liberar de estas reconfortables limitaciones de la arquitectura, considerada como lenguaje formal, destapando la caja de Pandora de las posibilidades de elección creativa.

·         La arquitectura High Tech depende para su vitalidad e interés de la aplicación de adelantos técnicos que suelen tener poco que ver con criterios de economía, función u otras racionalizaciones.

La inspiración y el ímpetu original de la arquitectura tecnológica surgieron de muchas fuentes, locales y foráneas (Europa y parte de Norteamérica). Fuentes británicas muy diversas. Alison y Peter Smithson y James Stirling fueron importantes. El proyecto de la Hjunstanton School, con estructura de acero vista, suelo de hormigón prefabricado e instalaciones, influyentes en su momento, las formas libres de fibra de vidrio de la exposición “La Casa del Futuro”.

Las cubiertas de vidrio y acero de la Facultad de Ingeniería de Leicester y de la Biblioteca de la Facultad de Historia de Cambridge tuvieron una inmensa influencia, como posteriormente los moldeados de plástico, a lo Pop Art del edificio Olivetti en Haslemere. Los proyectos de Cedric Price, el Fun Palace, y muchos mas influyeron en las visiones del Archigram.
Algunas de las fuentes de la arquitectura tecnológica provenían de los
norteamericanos:

·         Case Study Houses, California.

·         Las de Charles Eames y Craig Ellwood.

- Los prototipos de escuelas y los sistemas de ensamblaje de Ezra Ehrenkrantz.

·         El compromiso con la investigación y los nuevos materiales de Eero Sarinen.

·         Las estructuras geodésicas y las disquisiciones `filosóficas' de Buckminster Fuller.

- Foster y Rogers hicieron estudios en Yale, donde estudiaron con Stirling, y tuvieron influencias norteamericanas.
Las fuentes francesas de la High Tech son limitadas, pero cruciales:

·         La Maison de Verre, de Pierre Chareau y Bernard Bijvoet.

- Las obras de Jean Prouvé, como la Maison du Peuple de Clichy con sus
revestimientos y muros cortinas.

Características
Compresión y Tracción.
Dos fuerzas que soportan los materiales, son de Caín y el Abel de la High Tech.
Cualquier material puede soportar correctamente las compresiones, pero en su propia naturaleza este esfuerzo lleva una penalización, la abultada sección que exige la estabilidad, el pecado original del pandeo. La compresión es gruesa y torpe.
Las tracciones suponen la máxima elegancia en la transmisión de esfuerzos. La sección mínima para soportar la carga no debe sufrir ningún abultamiento de su geometría por problemas de la inestabilidad. Incluso no es necesaria ninguna rigidez del material; el cable se tensa al recibir la carga. La tracción es flexible e inmaterial.

Materiales
Cables y vidrios. Arquitectura que procura extraer sus recursos formales de la expresión de la evolución técnica de nuestros días. No es la arquitectura la que sigue a la técnica, sino que ésta evoluciona en la dirección que marcan estos tecnófilos.
magen de la liviandad, la movilidad y la transparencia sean los puntos fijos hacia los que se mueve la técnica con la nunca bien subrayada mediación de esos grandes especialistas de la ingeniería ligera.
Los fabricantes de vidrio están en el mundo de la arquitectura. Otro material es el acero estructural, por su cualidad de soportar grandes esfuerzos con una sección relativamente reducida, es uno de los materiales utilizados para conformar el armazón de grandes colosos incorpóreos, los cuales se elevan a gran altura o recorren grandes distancias sin recurrir a un solo apoyo estructural.
Cuna del High Tech
El High Tech se ha convertido en el estilo preferido de la clase dirigente
británica, en sus edificios representativos.
- Nicholas Grimshaw ha construído el pabellón británico de la Expo 92 de
Sevilla.

·         La Terminal de Waterloo para los trenes del Túnel del Canal.
- La nueva puerta de entrada a Gran Bretaña.

- Norman Foster, el Aeropuerto de Stansted.

- Instituciones británicas: las Sackler Galleries de la Royal Academy y la
rehabilitación en curso de patio central y la rotonda del British museum.

·         Hong Kong and Shanghai Bank, Foster.

·         Michael y Patty Hopkins construyeron la nueva sede Omera de Glyndebourne.

- El nuevo edificio de oficinas parlamentarias en Westminster.

- Richard Rogers, edificio Lloyd's.
Las razones para el ascenso de la High Tech en Gran Bretaña son diversas: una de ellas es que Foster y Hopkins son dos de los mejores arquitectos del mundo.
Gran Bretaña dispone del caudal de experiencia técnica e industrial necesario para hacer alta tecnologia, la High Tech francesa suele depender de la experiencia técnica de Ove Arup.
La arquitectura de la alta tecnologia aparece como en contraposición sincera y sería: sus formas vienen configuradas por motivos funcionales y estructurales que no quedan ocultos. Las estructuras elegantemente vistas y las transparencias luminosas de la High Tech dan lugar a una arquitectura espectacular que no deja de impresionar ni la erudita más convencida.
La arquitectura de la alta tecnologia, se encuentra atrapada en una auténtica. A pesar de su obsesión con el pasado, esas clases dirigentes no dejen de sentirse atraídas también por el ciegre optimismo y el aura de brillantez tecnológica de la High Tech.
La difusion de un modelo
En los primeros proyectos, la preocupación por la transparencia lleva a la implementación de una fachada criticable por su elementalidad y por la carga térmica que suponían, pero la piel del edificio se ha sofisticado en pocos años.
La fachada formada por pantallas de cristal líquido de Toyo Ito proyectó para el Instituto de Cultura Japonesa en París habría sido un paso más en la carrera de la sofisticación de la piel convertida en una sutil envolvente capaz de pasar de la transparencia a la opalescencia.
Esfuerzos para incrementar los niveles de iluminación con vidrios grabados o con materiales aislantes y traslúcidos, así como las nuevas vías que se dibujan para la protección térmica del edificio.
La tecnologia High Tech


La tecnologia de Punta
Se encuentra en la vanguardia, por ser consecuencia directa o indirecta de los últimos descubrimientos científicos de la época a que pertenece. Es utilizada por el High Tech en muchas de sus soluciones estructurales, asi se convierten en prototipos, en precursores del uso de los materiales y las nuevas técnicas constructivas.
Tecnologia de los materiales constructivos
Para el 1870, la revolución industrial comenzó, y la gran estructura
representativa de estos primeros años fueron los puentes metálicos, abriendo estos el potencial del nuevo material constructivo el cual tenia propiedades totalmente diferente a todos los demás materiales constructivos que se conocían hasta la fecha, la tecnología tradicional.
Otro material que revoluciona en la época moderna es el concreto ( Le
Corbusier). La combinación del concreto, acero y vidrio se proyecto
magistralmente en Ville Savoie. Buen manejo de la luz, el espacio, y la forma de una manera no menos espectacular.
En los años 30, Mies Van der Rohe nos mostró una imagen extremista del moderno rascacielos, el modelo medieval se invirtió completamente.

La tecnología de los materiales del High Tech
Introducción de un panel electro-cromático, una verdaderamente inteligente fachada puede ser conseguida. Control de la piel de la edificación. Utilizan puntos electrónicos que transmiten información integrados a la piel del edificio.
La piel del edificio es un panel de información de tres dimensiones, e
instalandoles paneles solares cuyo mantenimiento no cuesta virtualmente nada, se toma la energía del sol por unos paneles en la misma fachada.
El contexto
Foster y Hopkins toman en cuenta el contexto, pero lo hacen de un modo tan puramente formal que no afecta a aspectos culturales de mayor escala.
El High Tech se ha convertido en un estilo que depende, en gran medida, de la carísima fabricación artesanal de piezas que tan sólo parecen haber sido hechas a máquina. Es esencialmente formalista, obsesionada con crear composiciones meticulosas, terminadas y cerradas, que sus autores se niegan a ver traslucidas por muebles, letreros, obras de arte y demás, a menos que sean estrictamente los adecuados.
El prestigio de la marca
La arquitectura de la alta tecnologia, con sus pretensiones, se ha convertido en un `arte culto' que se expresa en un lenguaje particular, destinado a glorificar la personalidad del arquitecto.
Dogmática en su esteticismo, rechazando materiales industriales tan baratos y cálidos como el contrachapado y el cartón, a favor de otros tan caros y fríos como el acero y el vidrio laminado. Las ideas sobre tecnología de punta en esta arquitectura suelen estar irremediablemente trasnochadas: aprovecha al máximo la tecnología de la era industrial tardía.
Los edificios están sellados a base de grandes cristaleras de vidrio tintado de suelo a techo, con lo cual quienes están en el interior quedan por completo aislados de la calle.
La High Tech ofrece una arquitectura de calidad que sobresale por encima de las modas frívolas, las poses filosóficas y la confusión generalizada que domina la escena arquitectónica. La disciplina de la estructura y la construcción vistas significa que generalmente los edificios presentan un cierto rigor intelectual y una grata complejidad formal, así como un sentido de la presencia física, sus obras poseen un carácter táctil.Carácter esquemático. Tiende a ser a-espacial; prefiriendo los volúmenes abiertos e inarticulados.






Paula Rodriguez Lopez

Arte pop

El Arte Pop fue un movimiento que surge a mediados de la década de 1950 en Inglaterra y a fnales de esta década en Estados Unidos como reacción artística ante el Expresionismo Abstracto, al que consideraban vacío y elitista. Es uno de los últimos movimientos del arte moderno y por lo tanto precursores del arte postmoderno.

Fue Lawrence Alloway, quien en un ensayo titulado The Arts and the Mass Media (las artes y los medios masivos) de 1958 utilizó el término «popular mass culture» (cultura popular de las masas).

El Arte Pop fue apreciado y aprobado por el público gracias a sus formas fáciles y divertidas y a sus contenidos, que podían ser captados sin dificultad. Al espectador le gustaba reconocer objetos corrientes en los cuadros porque así se ahorraban el esfuerzo que representaba la interpretación de las obras del expresionismo abstracto, pero no comprendieron su carga de ironía y de ambigüedad.

La primera obra a la que la crítica refiere como una obra de Arte Pop fue “Just what is make today´s home so different, so appealing?” (Sencillamente, ¿qué es lo que hace que los hogares de hoy sean tan diferentes, tan llamativos?) Esta obra, de Richard Hamilton.

“Just what is make today´s home so different, so appealing?”
Richard Hamilton

En el lienzo se pueden ver el esquema de los principales objetos que inspirarían a los artistas pop en el futuro. Es también más que significativo que aparezca en el centro de la imagen, como podemos ver arriba, la palabra "pop".  

Richard Hamilton. Sin duda el iniciador del Pop Art con su obra "Just what is make today´s home so different, so appealing" que describe a la perfección el carácter del grupo. Imágenes que glosan el consumismo y la cultura popular reflejadas en la comida enlatada, un televisor, un magnetófono. Todo ello rodeado de un hombre musculado y una mujer esencialmente erótica mirando al espectador, quizá con el mismo rostro de sorpresa dibujando el rasgo de sus facciones planas.

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Las características generales del arte pop son las siguientes: 1-. Es figurativo y realista (aspecto este último que las vanguardias habían olvidado desde el Realismo del siglo XIX), pero con pleno dominio de todas las técnicas aparecidas entre el siglo anterior y los años sesenta del siglo XX. 2-. Tiene como bases a las ciudades de Nueva York y Londres, por lo que pone especial atención a lo que sucede en esas metrópolis. Por lo mismo, está enraizado en el medio ambiente urbano, y en los aspectos especiales de éste: comics, fotos, publicidad, Hollywood, los parques de diversiones, los medios de masas en su faceta más sensacionalista, los artículos domésticos, las bencineras, los hot- dogs y el dinero. 3-. Los motivos son no tradicionales (una lata de sopa, por ejemplo), lo que capta más la atención del público; además, las obras presentan un parecido asombroso con el modelo. 4-Las imágenes con que trabajan los artistas son obvias: la Gioconda, Elvis, dólares, etc., y cuándo las imágenes no lo son, por lo menos han sido bastante publicadas, como las fotos de sillas eléctricas, choques de autos, la bomba atómica y otras del mismo estilo. Con esto, se plasma las constantes de interés: la fama, el glamour, la muerte, la violencia. Además, con la repetición de imágenes (rostro de Marilyn, por ejemplo), se reduce al "famoso" a un mero elemento de composición. Andy Warhol Retrato de Marilyn En Estados Unidos marcó el regreso del dibujo del tipo Hard edge (que significa dibujo de contornos nítidos) y del arte representacional como una respuesta de los artistas al utilizar la realidad mundana e impersonal, la ironía y la parodia para contrarrestar el simbolismo personal del expresionismo abstracto. El arte pop tempranero de Inglaterra se puede considerar entonces como una serie de ideas alimentadas por la cultura popular norteamericana vista desde lejos, mientras que los artistas norteamericanos estaban inspirados en la experiencia de vivir dentro de dicha cultura. El Arte Pop en Estados Unidos Tuvo su mayor ímpetu en la década de los 60 y surgió como racción a la sofisticación de los anuncios, motivo por el que estos autores buscaron estilos dramáticos que distanciaran el arte de los buenos materiales que se anunciaban. A diferencia del estilo más romántico, sentimental y humorístico de Inglaterra, los artistas norteamericanos produjeron obras de mayor fuerza y agresividad. Dos de los más importantes dibujantes en el establecimiento del vocabulario del arte pop en este país fueron Jasper Johns y más aún Robert Rauschenberg. Aunque los dibujos de Rauschenberg tenían una obvia relación con los trabajos previos de Kurt Schwitters y otros dadaístas, se enfocaba en la sociedad del momento.

El intento de Robert por representar al cultura popular estadounidense se reflejó en esta obra. Una enorme fotografía de prensa de John F. Kennedy hablando en una conferencia televisada fue la fuente para esta serigrafía sobre lienzo. Superpuso a la imagen de Kennedy otra serigrafía fotográfica de un astronauta en paracaídas. La superposición, y la aparente disparidad de la composición crea un colorido comentario visual sobre una cultura saturada por los medios que lucha por comprender la era de la televisión.

Rauschenberg; retroactive, 1864

Óleo y serigrafía sobre lienzo,

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Andy Warhol. El personaje más mediático y conocido de los artistas pop comenzó realizando trabajos publicitarios, aunque pronto cojió fama con sus series  sobre imágenes de objetos de consumo -Coca-Cola, sopas Campbell- , imágenes de iconos del cine o la vida social -Marilyn Monroe, Elvis Presley o Jaqueline Kennedy-; así como imágenes que describían tumultos raciales o accidentes, le hicieron destacar en esta corriente artística. Después vino la trascendencia mediática que le catapultó hasta llegar a ser un icono más, tan famoso desde el punto de vista sociológico como artístico. Sopas Cambell BMW Robert Rauschenberg. Uno de los primeros artistas pop, ganó el premio de la Bienal de Venecia convirtiéndose en uno de los precursores de esta corriente en Estados Unidos. Su obra oscila entre el Expresionismo Abstracto y en lo que se ha venido en llamar neodadaísmo. Desde 1955 llevó a la práctica sus "pinturas combinadas", consistentes en cuadros pintados sobre lienzos en los que introducía fotografías. Uno de los ejemplos es la obra "Tracer" reproducida en este artículo y uno de sus trabajos más famosos. Jasper Johns. Alrededor de 1958, este norteamericano comenzó a elaborar obras basándose en objetos corrientes tales como banderas, dianas, mapas de Estados Unidos o números. Roy Lichtenstein. Llegó a ser considerada la figura más destacada del Pop Art norteamericano. Centró su trabajo en la utilización de viñetas de comics copiadas con un epidíascopo, de las que a continuación estarcía los puntos para aplicar los colores planos. Tom Wesselman. Al igual que Warhol y Lichtenstein fundamentó su trabajo en el desarrollo de obras artísticas a partir de cómics, si bien amplió su obra con el collage y la pintura, centrando en el desnudo y la naturaleza muerta su arte, rodeado de colores planos, vivos y sugerentes. El arte pop en España. La salita 1970 Acrílico sobre lienzo 200 x 200 cm <><><><> En España el estudio del arte pop está asociado con el «nuevo figurativismo» que surgió a raíz de la crisis del informalismo. Entre los españoles que trabajaron en proximidad con este planteamiento podemos mencionar a Manolo valdés y Rafael Solbes. El directior de cine Pedro almodóvar emergió de la subcultura madrileña «La Movida» de la década de 1970 haciendo películas pop de de 8 milímetros de bajo presupuesto. El arte pop en Italia. En Italia, el arte pop fue conocido desde 1964 y tomó diferentes formas, como la "Scuola di Piazza del Popolo" en Roma, con artistas como Mario Schifano ; Franco Angeli, Giosetta Fioroni, Tano Festa y también algunas piezas de arte de Piero Manzoni Y Mimmo Rotella. El pop art italiano se gestó con la cultura de los años 1950, con los trabajos de dos artistas en particular: Enrico Baj y Mimmo Rotella considerados los líderes del movimiento. La novedad se apoya en el nuevo panorama visual, tanto dentro de cuatro paredes como fuera: automóviles, señales de transito, televisión, todo el "nuevo mundo Los posters de Mimmo Rotella consiguieron un gusto más figurativo, a menudo explicitamente e intencionalmente refiriendose a los grandes íconos de la época. Las composiciones de Enrico Baj estuvieron inmersas en el kitsch contemporáneo, lo que terminaría siendo una mina de oro de imágenes y un estímulo para toda una generación de artistas. Kitsch: un objeto artístico pasado de moda. Una de las obras más importrantes de Enrico Baj es L' Apocalisse.   Edoardo Paolozzi. De origen italiano y nacido en Edimburgo, ha pasado a la historia como el iniciador del movimiento pop en Gran Bretaña. Al igual que Warhol utilizó imágenes comerciales y también imágenes eróticas. Una de sus citas más famosa: “yo fui el juguete de un hombre El arte pop y el cómic. Son multitud las obras de arte pop basadas en historietas. Román Gubern destaca con Flash (1963), Richard Pettibone con Tricky Cad (1959), Jess Collins con Dick Tracy (1960), Andy Warhol con Good Mornig, Darling (1964) y Roy Lichtenstein con As I Opened Fire (1964). Con los años, algunos historietistas serían influidos a su vez por el Pop-Art. Es el caso del belga Guy Peellaert, autor de obras como Jodelle (1966) y Pravda la Survireuse (1968). Fama y crítica. El Pop Art se enfrentó con algunas dificultades a la hora de ganar la consideración de la crítica. Si fue en Estados Unidos donde, de forma clara, fue desarrollándose y ganando espacio en los trabajos de los nuevos y jóvenes creativos, también fue en ese país donde ganó los primeros detractores, al considerar que el Arte Pop, de alguna manera, estaba echando por tierra todo lo que había ganado el Expresionismo Abstracto, la primera corriente artística que en los años cincuenta del siglo XX había sido considerada como la corriente, o estilo, propiamente norteamericano que lograba traspasar las fronteras. Algo de suma importancia para una nación, de joven historia que, en comparación con las europeas, se hallaba a una enorme distancia cultural. Lejos de agravios comparativos o controversias, el Pop Art se impuso como corriente artística, aceptada por los críticos por el público.   Las influencias del pop art.  La influencia del Pop Art puede detectarse en el hiperrealismo, que surge a finales de la década de 1960 con una temática basada en los anuncios de neón, cafeterías y lugares públicos urbanos y suburbanos. Estas obras se realizaban meticulosamente con ayuda de la técnica fotográfica, y de ahí su nombre inglés de photorealism. Richard Estes, Robert Cottingham y ChuckClose fueron sus representantes más destacados. Jose Antonio García Martínez