domingo, 18 de diciembre de 2011

Dadaísmo

Es un movimiento cultural que surgió en 1916 en el Cabaret Voltaire en Zúrich, Suiza. Fue propuesto por Hugo Ball, escritor de los primeros textos dadá; posteriormente, se unió Tristan Tzara que llegaría a ser el emblema del dadaísmo. 

Algunos de los artistas dadaístas más famosos fueron: Richard Huelsenbeck, Hans Richter y Marcel Duchamp.

Richard Huelsenbeck, Hans Richter y Marcel Duchamp

Una característica fundamental del dadaísmo es la oposición al concepto de razón instaurado por el Positivismo. Dadá se caracterizó por rebelarse en contra de las convenciones literarias y artísticas y, especialmente, por burlarse del artista burgués y de su arte. Dadá crea una especie de antiarte, es una provocación abierta al orden establecido.

Las explicaciones de los mismos dadaístas varían tanto que es imposible señalar una y llamarla correcta. Hans Arp, miembro del grupo en 1921, declara lo siguiente en una revista del movimiento: "Estoy convencido de que esta palabra no tiene ninguna importancia y que sólo los imbéciles o los profesores españoles pueden interesarse por los datos. Lo que a nosotros nos interesaba es el espíritu dadaísta, y todos nosotros éramos dadaístas antes de la existencia de Dadá".

Se dice que Tristan Tzara agarró un diccionario lo puso encima de su pupitre y queriendo buscar la palabra abrió el diccionario, señaló y la primera palabra que vio fue "DADÀ" que en significado francés quiere decir caballo de madera. En el Manifiesto Dadá de 1918, Tzara dice lo siguiente: " DADA NO SIGNIFICA NADA. Si alguien lo considera inútil, si alguien no quiere perder su tiempo con una palabra que no significa nada.

A pesar de no ser una parte extensamente conocida de la obra de Dadá, la influencia del dadaísmo se extiende a la música.


 Theo van Doesburg Dadamatinée

Dadaísmo en la Poesía 
 En poesía el dadaísmo abre el campo para la llegada del surrealismo y ayuda a crear un lenguaje poético libre y sin límites. Para entender qué es la estética dadá en el mundo de la poesía nada mejor que recoger los consejos que Tzara propone para hacer un poema dadaísta. El texto fue publicado en la recopilación Siete manifiestos dadá, "Dadá manifiesto sobre el amor débil y el amor amargo", VIII (1924). 

Coja un periódico 
Coja unas tijeras
Escoja en el periódico un artículo de la longitud que cuenta darle a su poema
Recorte el artículo
Recorte en seguida con cuidado cada una de las palabras que forman el articulo y métalas en una bolsa
Agítela suavemente
Ahora saque cada recorte uno tras otro
Copie concienzudamente
en el orden en que hayan salido de la bolsa
El poema se parecerá a usted
Y es usted un escritor infinitamente original y de una sensibilidad hechizante, aunque incomprendido del vulgo.

Lo propio del dadaísmo eran las veladas dadá realizadas en cabarets o galerías de arte donde se mezclaban fotomontajes con frases aisladas, palabras, pancartas, recitales espontáneos y un ceremonial continuo de provocación.

Dadá en Nueva York
 Duchamp llegó de París a Nueva York con un regalo de los franceses para los estadounidenses(particularmente para el coleccionista Walter Arensberg) que consistía en una bola de cristal con aire de París. Era el comienzo de los ready-mades (una rueda de bicicleta montada sobre un taburete, un botellero, un orinal, etc.), objetos sacados de la realidad y puestos en la esfera del arte por la simple acción y voluntad del artista. El deleite estético estaba fuera de sus intenciones y la elección de los objetos:
...se basaba en una reacción de indiferencia visual, con la total ausencia de buen o mal gusto... de hecho una completa anestesia...
Duchamp

Marcel Duchamp: Nueva York

La mayoría de artistas dadaístas tenían un pensamiento nihilista.
En 1913 tuvo lugar en Nueva York la Exposición Internacional de Arte Moderno. Allí, el Desnudo descendiendo una escalera de Marcel Duchamp causó una auténtica conmoción y fue calificada de obra maestra por Breton. Duchamp se convirtió en la bestia negra del arte moderno.

Desnudo descendiendo una escalera

La obra más importante de Duchamp es La casada desnudada por sus solteros. En esta obra, Duchamp utiliza técnicas en las que pone de manifiesto su preocupación por la corrección matemática en el uso de las formas. También utiliza el azar al admitir como parte de la pieza las roturas que ésta sufrió en 1923 al ser trasladada a una exposición en Brooklyn. Duchamp dijo que aquello no alteraba la pieza, sino que era entonces cuando la daba por acabada.

La casada desnudada por sus solteros

 Marcel Duchamp: Buenos Aires y París

Duchamp se embarcó rumbo a Buenos Aires. A las tres semanas de su llegada le llegó la noticia de la muerte de su hermano Raymond Duchamp-Villon.

A Duchamp Buenos Aires le pareció muy machista, pues la sociedad porteña no aceptaba a las mujeres solas. Pero al mismo tiempo le gustaba: «Estoy muy contento de haber descubierto esta vida tan distinta... en la que encuentro placer en el trabajo». Compró un vidrio y empezó a trabajar en efectos que quería trasladar al Gran Vidrio.

Pero pronto dejó el trabajo de lado por el ajedrez. En 1919 se apuntó a un club de ajedrez y empezó a jugar

Marcel Duchamp: Veinte años en París

En lugar de dirigirse directamente a París, Duchamp desembarcó en Bruselas, donde pasó cuatro meses jugando al ajedrez.

Duchamp se casó, para sorpresa de sus conocidos, con Lydie Sarrazin-Levassor.  Duchamp escribió a propósito de su boda a Katherine Dreier «Me caso en junio. No sé cómo explicarlo, porque ha sido tan repentino que me resulta difícil de explicar. [Lydie] No es especialmente guapa ni atractiva, pero parece tener una mentalidad capaz de comprender cómo puedo sobrellevar el matrimonio». Tomkins opina que Duchamp contrajo matrimonio buscando la estabilidad económica que le ofrecía el padre de Lydie, fabricante de automóviles. 

Lydie era ajena al arte moderno, y no cuadraba con los amigos de Duchamp, por ejemplo cuando Crotti le pidió que posara desnuda. Tampoco sobrellevaba bien la afición de Duchamp por el ajedrez, que le tenía estudiando situaciones de juego hasta la madrugada. En una ocasión pegó los trebejos al tablero. Poco después Duchamp le dijo que se iba a jugar con Man Ray y que no volvería. Se continuaron viendo hasta que Duchamp le pidió el divorcio en octubre.

Tras el divorcio, Duchamp continuó su relación con Mary Reynolds y siguió participando en torneos de ajedrez.
En 1955 Duchamp se nacionalizó estadounidense.
Murió en Neuilly-sur-Seine en 1968.


 L.H.O.O.Q.

L.H.O.O.Q. es una obra de arte de Marcel Duchamp realizada en 1919. Es uno de los ready-mades de Duchamp. Los ready-mades son objetos que han sido producidos en serie, normalmente destinados a un uso utilitario y ajenos al arte que se transforman en obras arte por el mero hecho de que el artista los elija y les cambie el nombre, los firme o simplemente los presente a una exposición artística.

L.H.O.O.Q. el objeto es una tarjeta postal barata con una reproducción de la conocida obra de Leonardo da Vinci, la Mona Lisa, a la que Duchamp dibujó un bigote y una perilla con lápiz y le puso un título.


nombre de la obra, L.H.O.O.Q. es  «Elle a chaud au cul», literalmente «Ella tiene el culo caliente», que podría traducirse como «Ella está excitada sexualmente».

Duchamp realizó varias versiones de L.H.O.O.Q. de diferentes tamaños y soportes. Una de ellas, es una reproducción en blanco y negro de la Mona Lisa sin bigote ni perilla que llamó L.H.O.O.Q. Afeitada.


Dadaismo en la escultura

Hans Arp (1887-1966) es más que nada escultor, pero aporta a la pintura el impulso no premeditado. No posee la agresividad de sus compañeros, pero sí más humor. Está muy cerca de la abstracción. De su obra escultórica cabe destacar: Bosque, Flor-martillo, Torso, Crecimiento, Contra-centauro.

Sombrero-ombligo

"Pastor de Nubes"



Raquel Díaz Carrasco



miércoles, 7 de diciembre de 2011

ARTE CONCEPTUAL

El arte conceptual, también conocido como idea art, es un movimiento artístico en el que las ideas dentro de una obra son un elemento más importante que el objeto o el sentido por el que la obra se creó. La idea de la obra prevalece sobre sus aspectos formales, y en muchos casos la idea es la obra en sí misma, quedando la resolución final de la obra como mero soporte.
El objeto de este es presentar un poco de arte conceptual para los que les gusta esta corriente, para los que no la conocen y principalmente para los que creen que el arte quedo en la Gioconda y el Guernica - obras a las que no les resto ningun valor - y así acceden a la producción artística de hombres que empujaron los limites de lo que puede considerarse arte. Veremos obras que de tras de un aspecto simple y monótonamente efímero ocultan un concepto filosófico e ideológico mas profundo de grandes obras históricas de mayor renombre, emergió a la mitad de los años sesenta, en parte como una reacción en contra del formalismo que había sido articulado por el influyente crítico Clement Greenberg. Sin embargo, desde las décadas de 1910 y 1920 el trabajo del artista francés Marcel Duchamp (principal artista) serviría como precursor, con sus trabajos llamados ready-mades. Daría a los artistas conceptuales las primeras ideas de obras basadas en conceptos y realizadas con objetos de uso común.
Los precursores inmediatos del arte conceptual pueden buscarse en el resurgir de las Vanguardias tras la II Guerra mundial, en una compleja serie de intercambios culturales entre Europa, EEUU y Japón. Dos figuras destacan como manantiales de nuevas ideas: el antes mencionado Marcel Duchamp (que emigró a EEUU durante la I Guerra Mundial) y el compositor estadounidense practicante del budismo zen John Cage.



OBRAS y AUTORES MÁS REPRESENTATIVOS:

Marcel Duchamp(1887-1968)


Duchamp es uno de los principales valedores de la creación artística como resultado de un puro ejercicio de la voluntad, sin necesidad estricta de formación, preparación o talento.
En el campo de la escultura fue pionero en dos de las principales rupturas del siglo XX: el arte cinético y el arte ready-made. Este último consistía simplemente en la combinación o disposición arbitraria de objetos de uso cotidiano, tales como un urinario (La fuente, 1917) o un portabotellas, que podían convertirse en arte por deseo del artista. El ready-made es un concepto difícil de definir, es una reacción contra el arte retiniano, (el arte visual), por contraposición a un arte que se aprende desde la mente. Al crear obras de arte a partir de objetos simplemente eligiéndolos, Duchamp ataca de raíz el problema de determinar cuál es la naturaleza del arte y trata de demostrar que tal tarea es una quimera. En su elección, Duchamp trató de dejar al margen su gusto personal; los objetos escogidos le debían de resultar indiferentes

La Fuente


Marcel Duchamp - Desnudo Bajando la Escalera(1912)


Muestra su influencia cubista y futurista. Los cubistas querían reducir las imágenes a formas geométricas simples, y junto a los futuristas buscaban capturar el tiempo como indica el titulo, Duchamp muestra a una mujer desnuda bajando una escalera.


Marcel Duchamp - L.H.O.O.Q (1919)


Parece un chiste pero no por carecer de seriedad carece de valor artístico. En esta obra, Duchamp vuelve a hacer que la gente se pregunte que es y que no es arte, y así atacando a las convenciones artísticas de su época y del presente. El titulo "LHOOQ", en francés se pronuncia parecido a la frase: "Elle Au Chaud au Cul".

otras:
Kazimir Malevich - Cuadrado Negro Sobre Fondo Blanco (1915)



Malevich no pinta un cuadrado negro sobre un fondo blanco nada mas, logra crear un mundo nuevo de abstracción total. Al ver un cuadrado negro, uno esta viendo la nada, algo nunca antes visto y sorprendentemente logrado a través de una figura geométrica y un cuadro bicolor.  También hay que valorar al cuadrado negro por su aspecto revolucionario.

Paul Klee - Barcos Saliendo del Puerto (1927)

Se inspiraba en los dibujos infantiles y tomaba este estilo para crear representaciones básicas centradas alrededor del sentimiento. Paul Klee entonces decide hacer pinturas que simbolicen un escape de la realidad, casi un viaje cósmico a un lugar pacifico dentro del arte. Esta idea de escape se manifiesta en la simbología de sus obras, como la flecha y los barcos.

 
Yves Klein - IKB 191 (1962)


Creía en el valor de los colores, ya sea interactuando entre si, como individualmente. Principios de su carrera había realizado una exposición que consistía de varios cuadros pintados de un solo color, la gente los miraba como un conjunto e iba de cuadro en cuadro con rapidez, como si fuese una decoración. Desde ese momento inició un período en el que realizo decenas de obras pintadas totalmente en azul, varias de ellas simples lienzos llanos con un solo tono, algunas otras incorporan relieves y más.

Ad Reinhardt - Pintura Abstracta (1954-59)


Abandona las representaciones de cosas reales en favor de cuadros de color puro y tamaño monumental, A simple vista, sus obras parecen completamente negras, pero en realidad ocultan sutiles tonos de grises y negros, pretendía que el espectador se viera a si mismo: al contemplar un espacio tan grande pero a la vez simple, no necesita estar una hora analizando el cuadro, con solo unos segundos basta. Así que estas obras llevan a la reflexión.

Josef Albers - Homenaje Al Cuadrado (1965)
El Colour-Field era una corriente artística que se oponía al trabajo, como artistas como Yves Klein. Decía que la belleza del arte no estaba en sus elementos individuales sino en como se sitúan estos en relación con otros elementos. Esta es una de tantas versiones de esta obra que pinto, con distintos colores.


Lucio Fontana - Concepto Espacial (1966)
Lucio Fontana logro introducir la tridimensionalidad al lienzo, cogiendo un cuchillo y realizando varios tajos. No tiene relieves ni transparencias incorpóreas el mundo real a su obra ya que lo que sea que se coloque detrás del lienzo, al ser visto por los agujeros, será parte de él.
Crea el espacio sin agregar ni quitar nada.



Piero Manzoni - Mierda de Artista (1961)

Piero Manzoni vendió latas con la inscripción "Artist's Shit" que supuestamente contenían treinta gramos de su propio excremento. Su idea era venderlas por su peso en oro. Era una critica hacia las cosas que artistas de renombre hacían pasar por arte, a la producción en masa, al mundo del arte contemporáneo, y a la vez era parte de su investigación que quería unir la producción artística con la producción humana.


Néstor Sierra Hernández



bauhaus.


Escuela Bauhaus.

La Staatliche Bauhaus (Casa de la Construcción Estatal) o simplemente la Bauhaus, fue la escuela de diseño, arte y arquitectura fundada en 1919 por Walter Gropius en Weimar (Alemania) y cerrada por las autoridades prusianas (en manos del partido nazi) en el año 1933.

Con el movimiento de Weimar a Dessau, la Bauhaus tuvo la oportunidad de crear un edificio que ofreciera óptimas condiciones de trabajo al poder desarrollar su propio diseño, que fue llevado adelante por el propio Walter Gropius e inaugurado el 4 de diciembre de 1926, convirtiéndose rápidamente en icono de inicios del movimiento Moderno.

Con el edificio de la Bauhaus, Gropius puso en práctica su ambición de diseñar procesos de vida, así como de unir arte, técnica y estética en busca de funcionalidad. Nació de la fusión de la Academia de Bellas Artes y la Escuela de Artes y Oficios, pretendiendo superar el divorcio existente entre arte y producción industrial por un lado y por el otro entre arte y artesanía. Impulsaba la utilización de los nuevos materiales y tecnologías sin menospreciar el legado artesanal.

El edificio parece extraer las razones de su configuración de las condiciones de la zona en que se ubica, limita con una calle, atraviesa otra perpendicular a la primera y dos de sus alas contornean un cercano campo deportivo.

La Bauhaus sentó las bases normativas y patrones de lo que hoy conocemos como diseño industrial y gráfico; puede decirse que antes de la existencia de la Bauhaus estas dos profesiones no existían tal cual y fueron concebidas dentro de esta escuela. Sin duda la escuela estableció los fundamentos académicos sobre los cuales se basaría en gran medida una de las tendencias más predominantes de la nueva Arquitectura Moderna, incorporando una nueva estética que abarcaría todos los ámbitos de la vida cotidiana: desde la silla en la que usted se sienta hasta la página que está leyendo (Heinrich von Eckardt). Dada su importancia las obras de la Bauhaus en Weimar y Dessau fueron declaradas como Patrimonio de la Humanidad por la UNESCO en el año 1996.

Siendo director Ludwig Mies van der Rohe, la escuela sufrió por el acosante crecimiento del Nacional Socialismo, debido a que la ideología Bauhaus era vista como socialista internacionalista y judía. Los Nazis cerraron la escuela. Muchos de los integrantes de la misma, entre ellos el mismo Walter Gropius, se instalan finalmente en Estados Unidos para seguir con sus ideales.

Arquitectura.

Uno de los principios establecidos por la Bauhaus desde su fundación. "La forma sigue a la función"

La arquitectura Bauhaus se desarrolló después de la Primera Guerra Mundial. Se basa en formas simétricas de orígenes grecolatinos. La arquitectura Bauhaus se desarrolló después de la Primera Guerra Mundial. Se basa en formas simétricas de orígenes grecolatinos. También incluye aspectos del Renacimiento Clásico. Mark Lawliette comenzó esta revolución hacia la arquitectura. Él quiso expandir su arte a través de la prestigiosa escuela Bauhaus, siendo uno de los más importantes participantes de este maravilloso movimiento que cambió el modo de apreciación hacia la arquitectura de esa y nuestra época. Algunas de sus más famosas creaciones fueron: El Yvoliette, Le Pour Leyette, Jauquelyn, Açufrenchais, todos ellos situados en este momento en el museo Madame Tussaud. En su mayoría consta de formas triangulares y rectas que ayudan a apreciar la rigidez del carácter que impuso Lawliette. Sus colores son opcionales, pero generalmente se utilizan tonos marrones y rojos oscuros, aunque hay excepciones como por ejemplo en el famoso Jauquelyn, en el cual se utilizaron colores fuertes en los que predominaba el azul cielo y el magenta. Después de haber aportado tanto a este arte Lawliette, a sus 46 años de edad, murió de tuberculosis.

En esa misma época se produjo un cambio drástico en la arquitectura, cambiando así de formas triangulares a ovaladas y rectangulares entre otros aspectos. Por ello hoy en día no es muy conocido el nombre de este gran artista que sin lugar a duda fue uno de los más importantes en este sector.

Contexto histórico-político

La fundación de la Bauhaus se produjo en un momento de crisis del pensamiento moderno y la racionalidad técnica occidental en el conjunto de Europa y particularmente en Alemania. Su creación se debió a la confluencia de un conjunto de desarrollo político, social, educativo y artístico en las dos primeras décadas del siglo XX, cuya especificidad está dada por las vanguardias artísticas de comienzo de siglo.

Al igual que otros movimientos pertenecientes a la vanguardia artística, la Bauhaus no se marginó de los procesos políticos-sociales, manteniendo un alto grado de contenido crítico y compromiso de izquierda. La Bauhaus -como demuestran los problemas que tuvo con políticos que no la veían con simpatía- adquirió la reputación de ser profundamente subversiva.

Primera Época. (1919-1923)

En el momento de su fundación los objetivos de la escuela, caracterizados por Gropius en un manifiesto, fueron: "La recuperación de los métodos artesanales en la actividad constructiva, elevar la potencia artesana al mismo nivel que las Bellas Artes e intentar comercializar los productos que, integrados en la producción industrial, se convertirían en objetos de consumo asequibles para el gran público" ya que una de sus metas era la de independizarse y comenzar a vender los productos elaborados en la Escuela, para dejar de depender del Estado que hasta ese momento era quien los subsidiaba.

Se formó cuando Gropius une la Escuela de Bellas Artes con la Escuela de Artes Aplicadas o Escuela de Artes y Oficios, transformándose en la primera escuela de diseño del mundo.
En ésta fase se implantó en la escuela el llamado "vorkurs" o curso preliminar, creado por Johannes Itten. Como su nombre lo indica, el curso preliminar, antepuesto a los estudios propiamente dichos, tenía por misión liberar de convenciones al futuro miembro de la institución, despertar sus dotes personales y orientarle espiritualmente para la ulterior formación. Entre los primeros estudiantes se encontraban Marcel Lajos Breuer y Joost Schmidt, que alcanzaron cierto éxito. Los estudiantes se mostraban flexibles y dispuestos a hacer todo tipo de trabajos, por tanto salían de la escuela bien formados, sabiendo dibujar, modelar, fotografiar o diseñar muebles. La escuela disponía de talleres de ebanistería, diseño, teatro, cerámica, tejido, encuadernación, metalurgia, vidriería. Pero no de pintura y escultura en el sentido tradicional.
Esta primera etapa culmina con la inminente necesidad del cambio de sede de la escuela propiciado por la gran depresión. En 1925 se estrena la sede de Dessau; la primera etapa de la Bauhaus se puede sintetizar como una fase de experimentación de formas, productos y diseños y, por lo tanto, también de educadores del diseño.

Segunda época (1923-1925)

En 1923 Theo van Doesburg, fundador en los Países Bajos del neoplasticismo, pintor, arquitecto y teórico, creó en Holanda la revista y el movimiento De Stijl y al llegar después a Weimar, ejerció una influencia decisiva en los estudiantes y en Gropius que acabaría llevando a la escuela a tomar otro rumbo.
A partir de 1923 se sustituye la anterior tendencia expresionista por la Nueva Objetividad, un estilo también expresionista de pintura aunque mucho más sobrio que se estaba imponiendo en toda Alemania. La incorporación a la Bauhaus de László Moholy-Nagy, un artista muy cercano a Van Doesburg, supuso la introducción en la escuela de las ideas del constructivismo ruso de El Lissitzky y Tatlin, que abogaban por un arte comunal, basado en la idea y no en la inspiración.
De esta época datan algunos de los más importantes escritos teóricos de la Bauhaus en el ámbito de la pintura.

Tercera época (1925-1933)

En 1925 László Moholy-Nagy tras cinco años de docente, abandona la Bauhaus. Decisión tomada ante la creciente presión que ejerce el grupo de docentes y alumnos de tendencia comunista.
En 1933 el partido nazi decide cerrar la escuela por lo que Ludwig Mies van der Rohe traslada la Bauhaus a Berlín con fondos ganados de la ilegalidad del cierre de contratos.
Conclusión:

Bauhaus: La Bauhaus fue una escuela de diseño alemana que tuvo como profesores y directores a los principales arquitectos y diseñadores de la época: Walter Gropius, Mies van der Rohe, László Moholy-Nagy,...Su principal cometido era dar a los objetos de la vida cotidiana una belleza formal y funcional. Fue la cuna del diseño tal y como lo conocemos hoy en día y muchos de sus objetos actualmente se siguen comercializando.

Esta lámpara fue diseñada por Willhem Wagenfeld y se llama WG 24; Esta lámpara supone los dos conceptos fundamentales del diseño de la Bauhaus: geometría y objetos industriales. Querían que sus objetos se construyeran industrialmente y así llegar a todo el mundo.

Obras que marcaron la tendencia de la arquitectura.
Estas obras pertenecen a dos de los más importantes miembros de la Bauhaus que además fueron directores de la Escuela:

Farnsworth House
Ludwig Mies van der Rohe
1945-1951
La casa Farnsworth es un pabellón acristalado completamente, está suspendida por ocho columnas y su objetivo según el propio Mies es no interferir con la naturaleza, sino hacerle una aportación mediante colores, lograr una unidad y ganar de la vista.
Los requerimientos para la casa, por parte del cliente fueron: posibilidad para disfrutar de la naturaleza y comprometerse con pasatiempos como tocar el violín y escribir poesía. Además Mies debía construirla como si fuera para él mismo. Pero el cliente no quedó conforme, la casa le pareció simple, difícil de habitar y poco ventilada.
Sin embargo, la casa sobresale como uno de los mejores trabajos de Mies, pues combina sencillez, elegancia y belleza.

Casa de los Maestros, Dessau
Walter Gropius
1925-1926

En 1925, también se construyeron tres casas para los maestros de la Bauhaus así como una individual para el director.
Gropius utilizó elementos prefabricados y simples, y con ello puso en práctica los principios de construcción eficiente. Sin embargo, la estandarización de elementos de construcción era sólo parcialmente comprendida.
Las casas tuvieron diferentes alturas diferentes. Las filas verticales de ventanas sobre el lado de la fachada proporcionan la iluminación para las escaleras.
La  fachada de la Casa del Director era la única con ventanas asimétricamente arregladas.
Los lados que dan hacia la calle tienen terrazas y balcones. Las casas son pintadas en tonos claros, los marcos de ventana, los lados de abajo de balcones y los tubos, tienen colores más fuertes.


Todas las casas fueron equipadas con muebles modernos, y armarios empotrados entre la cocina y el comedor así como entre el dormitorio y el estudio. Mientras Gropius y Moholy-Nagy decoraron sus casas exclusivamente con muebles de Marcel Breuer, otros maestros trajeron sus propios muebles con ellos. Los artistas también desarrollaron sus propias ideas en lo que concierne al arreglo de color, que, con Klee y Kandinsky, por ejemplo, estrechamente fue relacionado con su propio trabajo artístico.

Germania Corporán Piña.